Canción del Dia: Kurt Vile "KV Crimes"

En viernes me dan ganas de salir. También me dan ganas de encerrarme. Encerrarme con melodías como esta que descubrí hoy y quiero compartir con ustedes. Guitarra ebria a lo Johnny Thunders. Un toque de Iggy Pop en la voz. Creo que debo bajar mas música de Kurt Vile (y ustedes también). Salud. 

Live Clockwork: Queens Of The Stone Age en Vivo - 23 / 5 / 2013

A solo unos días de la salida del tan esperado ...Like Clockwork, QOTSA ofreció el pasado 23 de mayo un concierto a sus amigos, familiares y fans más cercanos en donde el poder de la nueva alineación que Josh Homme ha formado para esta reencarnación de la ya respetada banda fue más que evidente. Les garantizo que serán las dos mejores horas que invertirán hoy.

Alec Empire - Intelligence and Sacrifice (2001)

El sonido de la revolución "que no será televisible", post- Atari Teenage Riot. Para las personas que no conozcan ni al señor Empire, ni a ATR, les recomiendo que los busquen, que se los procuren, de una manera u otra... mejor si se lo procuran por violencia. 

Alec Empire es el vocalista de  la banda alemana Atari Teenage Riot, banda culta de los 90as, solo apta a las mentes inconformes, esas que si creen en la lucha de clases... o por lo menos, aquellas que creen que las sociedades en las que vivimos, son sociedades que oprimen más que habilitan. 

Atari Teenage Riot / Alec Empire, dos caras de una misma moneda, que yo calificaría como música de "ciber-revolución", bandas que causan disturbios, mentes que causan sed de nihilismo. En términos de sonido, esto es la mezcla perfecta entre los Stooges, el metal extremo y el hardcore industrial. 

Música liberadora.

Public Enemy - Fear of a Black Planet

A veces la historia no es como te la cuentan. A veces lo que aprendes  ya trae en si una ideología disfrazada. A veces en el arte encuentras razones para expandir tu conocimiento. A veces necesitas que la pregunta te la planteen de forma diferente. A veces el hip hop no está solo para menear tus nalgas o flashear tus joyas. A veces las respuestas a las interrogantes más provocadoras vienen de tu canción favorita. A veces dije; no siempre, pocas veces.

Una de esas pocas veces vino en la forma de Public Enemy que en 1990 lanzaba su tercer LP titulado Fear of a Black Planet. Un manifiesto, mejor dicho una tesis musical sobre racismo y sus mutaciones. Genialmente mezclado y buscando horizontes nuevos para el género, Fear of a Black Planet muestra el legendario crew rompiendo barreras liricas y sónicas para incorporar elementos más inventivos a su propuesta. Llevando un paso más adelante los temas ya tocados en el también clásico predecesor It Takes a Nation Of Millions To Hold Us Back.  Pero Fear es un disco más elaborado, mixto y en esencia más ambicioso que su predecesor. Public Enemy en su etapa más psicodélica. Sin  perder claro, el mensaje.

Un mensaje diseñado para desenmascarar hasta las formas más sutiles de discriminación socialmente aceptadas a finales de los yuppies ochenta: El cine condescendiente que prefiere victimizar a la raza negra “Burn Hollywood Burn”; el uso de la mujer como objeto sexual “Pollywannacracka”; el temor blanco por los matrimonios entre personas de diferente raza “Fear of a Black Planet”. Chuck D nos da cada lección como un catedrático que te forza a ver más allá de lo que está en el papel. Certero y retador en sus rimas, el legendario MC nunca sonó mejor.

Pero es el balance con el resto del grupo lo que le da a Chuck D su equilibrio. Las siempre ingeniosas mezclas de Terminator X y el Bomb Squad quienes produjeron el disco y el humor acido de Flavor Flav son más que bienvenidos. Public Enemy era la suma de sus partes y Fear of a Black Planet lo demuestra con creces. Una escuchada obligatoria para todo fan del Hip Hop y todo aquel en busca de música que provoca e inspira al oyente a alimentar su cerebro. Seguro buena medicina para la generación iletrada del smartphone y las redes sociales. (Francisco Valdés)

Canción del día: Rise of the Ghostface Killah

Cualquiera pensaría que es un recuerdo de la época dorada del Wu-Tang. Resulta que es el nuevo esfuerzo de Ghostface Killah, esperando el nuevo album del Wu Tang Clan de este año.

Adrian Belew: rock legend

Adrian Belew no es nombre común en las discusiones de los mejores guitarristas de la historia del rock, pero debería serlo. Seguramente le sonará el nombre a todo fan de King Crimson, o a algún engasado de la ingeniería guitarrística, pero en realidad, pienso que debería ser un nombre común al discutir quienes han sido los grandes pioneros de la guitarra en esta historia del pop rock. Más allá de ser un gran guitarrista profesional, lo cual se confirma al ver la lista de personas que lo han invitado a tocar: David Bowie, Frank Zappa, Talking Heads y Brian Eno, recientemente Nine Inch Nails ( que lo invitaron para la gira 2013-2014), Belew ha generado su propio sonido original, basándose, un poco como lo hizo Hendrix, en explorar todas las maneras posibles e imaginables de sacarle sonido a la guitarra: desde uso de pedales inovadores, uso de delays, reverbs, loops, el uso creativo del trémolo, del botón de volúmen, hasta sacarle tonos a la presión de la madera. "Make the guitar something that's not supposed to do" sería el lema... algo que Tom Morello nos enseñó a la generación de los 90as, pero que en realidad tenía una historia documentada, generada por una serie de científicos locos del rock (Hendrix, Belew, Thurston Moore...), Meshuggah, en otro registro, es otra banda de pioneros del sonido que también se darían a tacos con la curiosidad genuina de Belew, y diría que la referencia no es completamente ajena al mundo musical de este. En efecto, otra originalidad del sonido de Belew es que no le tiene miedo a ser más agresivo, ruidoso, abstracto cuando toca. Y esto es en pocas palabras lo que llamaría carácter, algo que a veces carecen muchos de los grandes virtuosos de la guitarra, ya no digamos, los virtuosos del rock o metal progresivo, que a veces parecen estar más interesados en "demostrar" que en "compartir".

Side One (2005, Sanctuary), es un album solo en el que Belew suelta rienda a su imaginación, usando una amalgama de técnicas y de tecnología de la época, pero lo hace, además, acompañado en las tres primeras rolas de dos músicos que lo menos que se puede decir es que son de "alto calibre": 

Les Claypool (Primus) en el bajo y Danny Carey (Tool) en la batería y la tabla. Agreguémosle a este lineup el aporte de Aram Khachaturian, compositor armeniano de música contemporánea en la cuarta canción, que no hace más que validar el rango de la música de Belew. El album es relativamente corto y conciso, siendo las tres primeras canciones los elementos de mayor interés, sin restarle valor al resto del album, que abarca varios estilos musicales a la vez, siendo la marca Crimsoniana y los efectos originales de Belew la mayor constante.

Canción del Día: Queens Of The Stone Age "I Appear Missing"

Después de mostrarnos "My God is The Sun", Josh Homme y Co. nos ponen este videito bastante particular como estimulo visual para otra canción de su nuevo LP que esta por salir titulado Like Clockwork. Les dejo "I Appear Missing" para que no digan que los martes también apestan.

Canción del Día: Black Sabbath "God Is Dead?"

La primera canción del primer disco en más de 30 años que la banda graba con Ozzy Osbourne en la voz dura casi 9 minutos y es pura oscuridad Sabbatesca. Con la gloriosa guitarra de Toni Iommi liderando y el bajo de Geezer Butler empujando. Como si el tiempo no hubiera pasado. Estos viejitos suenan aun mejor que un montón de muchachitos que dicen seguirlos. Respeto por favor!

Boards of Canada - Music Has The Right to Children (1998)

"Melting Glaciers" - Marsha Heiken.

En la época, -estamos hablando de hace unos 10 años- había oido decir que Boards of Canada -los hermanos escoceces Michael Sandison y Marcus Eoin - habían hecho Music Has The Right To Children  en un viaje de retiro a Groenlandia, como intentando lograr la banda sonora ideal de uno de los lugares más retirados del mundo. La idea me pareció genial, sobre todo pensando en la concordancia perfecta que había entre la anécdota y las creaciones que habían producido para su album debut. O sea, no me cabía la menor duda que esa fuera la intención detrás del disco: estar enfrente de una naturaleza tan salvaje, tan tranquila, tan fuerte en la soledad que, supuse yo, inspiraría... El hecho es que me equivoqué. Nunca estuvieron en Groenlandia, hicieron este disco desde el Sol Hexagonal de las Colinas de Pentland.

Sea lo que fuere, el disco suena como si viniera de un lugar recóndito (imaginado o físico). Además de esto, suena como el producto de la la lenta tranquilidad del silencio nórdico, entre dos tazas mañaneras de té, un bostezo, un cielo helado, armoniosamente gris...  suena a parcimonia. O derepente la música de Boards of Canada es tan densamente visual, tranquila, de un gris intenso, que se puso en marcha mi imaginación de por si.

Music Has The Right to Children es tal vez la respuesta noventera ideal al "brian enoista" que algunos de nosotros tenemos dentro: es música que pinta paisajes, que transmite paz y tranquilidad, un poco como Music for Airports pudo hacerlo en su momento. Pero esta obra de ambient es específicamente noventera, y es particularmente captivante por ser una pieza maestra del catálogo de Warp Records: una de las disqueras vanguardistas del siglo XXI, de pura y total predilección de vuestro fiel servidor.

La clave del sonido de Boards parece ser esa manera de mezclar tanto grabaciones de ambientes naturales, con samples cálidos  y toques de psicodelia setentera. En si, pareciera que la visión de estos artistas es de lograr un equilibrio perfecto entre la composición electrónica minimalista y sonidos densos, coloridos y tripeantes. En corto, la música de estos se presta a la contemplación de espacios imaginados, a un buen viaje, y a un largo descanso. Esto no quiere decir que sea música de "sueño", en realidad, tiene suficientes matices como para ser más que eso. Sin duda, los ritmos del disco  (a base drum machine directa y algunos scratches) hacen que no se trate de ambient puro y duro, sino de un album de IDM, con suficiente "groove", por no decir "personalidad", para mantener interesado al oyente.

Suficiente groove, genialidad y coherencia para considerarlo un album clásico, una obra maestra de nuestros tiempos.

Death Grips en vivo: SXSW 2013

GRAVEYARD - HISINGEN BLUES (2011)

Despues de años de ser casi del todo obsoleto en el blog del club, he decidio escribir de esta banda y este disco.

Si el punto de todo es hacer un "revival", definitivamente Graveyard entra en la lista.  Banda de Suecia compuesta por cuatro integrantes con un "look" como si hubieran salido directo de los sesentas o setentas de Mississippi.

Joakim Nilsson, cantante y guitarrista, no tiene nada que envidiarle a Cedric Bixler o a otros cantantes que logran cantar notas o tonos bien agudos.  Sin embargo, Joakim, no tiene un tono tan agudo, PERO SI TIENE HUEVOS! Cosa que a veces, sino es que siempre, es lo que cuenta en el mundo del rock an roll.

Su musica es la reencarnación del sexo sucio en LSD, bañado en cerveza y whiskey barato. Con sudor, mucho sudor ( ooooooooooooh si ).

Cargando recuerdos de Led Zeppelin, Black Sabbath y The Stooges, a la vez formando sus propios recuerdos, Graveyard tiene un par de As bajo la manga para el porvenir musical de su carrera.

Musica no apta para snobs, sino para gente que sabe apreciar el rock an roll.

Canciones preferidas:

- Ain´t fit to live here ( De las mejores primeras canciones para empezar un disco ) (¿Otro top 5?)

- Hisingen Blues ( Arranquen motores, esta madre ¡ha empezado! )

- Unconfortably Numb ( ¡El solo es genial! Me recuerda a Lynyrd Skynyrd )

- Buying Truth ( No tengo que decir por que esta cancion es genial, jaja )

- Longing ( ¡Drogas! ¡Quiero mas drogas y bailar con mi hippie! )

- Rss ( Bueno, saquen todo el guaro ... )

Saludos,

"I´ve been leaving you, since the day we met"

"Nothing lasts forever"

Dope Body - Natural History (2012)

En los dos-miles mantuve una fascinación por música de corte punk-hardcore-metal, pero que no se contentaba con ser un festival de power-chords, corte mohicano con o sin fleco y equises en las manos. Era música que violaba las formas de los estilos, pero se mantenía intensa, como ella misma, desnuda, directa, brillante.

Siempre me ha gustado la música así. Es decir, un conjunto de bandas y artistas que logran la ilusión de romper como si nada fuera con las normas dentro de un mundo, en apariencia, sin normas, pero que si se mantiene por la (re)producción de un mismo universo, musical, social, estético.

Hay que admitir que en esta nueva década, las cosas estan cambiando. Que las bandas estén buscando nuevas formas de romper con la estructura clásica de una canción pop, no cabe la menor duda. Pero tal vez no se trata más (por el momento), de hacer "mathcore", "mathrock", "postrock". Tal vez, se trata ahora,  en los mejores de los casos, de retomar el entusiasmo ingenuo del rock original, y hacer con esto, algo nuevo.

El disco Natural History de Dope Body encaja aquí, como el sonido de un grupo que sabe inspirarse de los sonidos de antes, para hacer algo propio. Si me preguntan ahorita a qué suena Dope Body, les diría que es una mezcla entre noise rock, The Clash y Faith No More. The Clash, por la voz y los leves toques de rock-reggae. Faith No More, por el hecho que estos fueron una de las bandas más originales de los noventas, y mantuvieron un estilo que nunca fue fácil de catalogar. No olvidemos el toque "noise-rock", "indie punk" que tienen, que me recuerda tanto a Shellac como a contemporáneos como Young Widows, Baseball Furies o a los nerviosos Savy Fav. Por el estilo del guitarrista Zachary Utz, te diría que no suenan a nada parecido. Es sonido "alien".

Pero más que esto, Dope Body es sin duda una de las bandas más refrescantes que he oido ultimamente, porque su música es de una dinámica propia. No tiene nada que ver ni con la moda del garage rock actual, ni con el revival psicodélico, ni menos con el revival new wave. En ese sentido se parecen más a una banda como The Men, que surgió recientemente del underground noisy, y se convertido en una banda de rock más convencional.  Pero estos lo hacen con una gama de sonidos mucho más amplia y más abierta "a lo que sea".