Discos Recomendados del 2014: Bongripper - "Miserable"

Estos forajidos que suenan salidos de las cloacas de la ciudad de Chicago (de donde son) nos traen en este 2014 su última placa Miserable. Como si de tus audífonos estuviera saliendo un denso y lento engrudo,  Bongripper asalta los oídos con esa guitarra saturada y bien “sludge” que caracteriza bandas metidas en la categoría de “doom metal”.

Con solo tres canciones en un disco que dura una hora, claro está que esto es música que se va desarrollando, pagándole al oyente por su paciencia. Despacito pero seguro, bien “stoner”; comandado por la guitarra grasosa y el bajo hondo.  “Endless” la primera rola camina con riffs gigantescos para de repente calmarse en mitad de canción y luego explotar en un vomito de feedback, siempre con el ritmo inicial como guía turístico.  “Descent” arranca rápido, casi parece un Deep Purple bien punk pero poco a poco va desacelerando, abriendo el sonido de la guitarra y la batería como locomotora que esta parando, llegando a su destino: “pufff, puff…… puffff…….puffff…”. La nube del cannabis disipando la atmósfera.

Y por último aparece “Into Ruin” que ocupa la segunda mitad del disco. Cargada de sentimiento a climax  (típico de la última canción en un disco así); Un llamado a las tropas a iniciar esa marcha hasta el fondo el mar, hasta lo más oscuro. Distorsión que se siente rico mezclando acordes a lo Sabbath que se cuelan por encima del mapa planteado al inicio. Hasta que todo agarra velocidad de repente, algo inesperado. Un final genial. Dignos herederos del sonido de bandas responsables de pintar el paisaje del “doom” como Neurosis, Isis, Electric Wizard, entre otros; Bongripper entrega lo que promete. (Francisco)

Bajen ó escuchen el disco acá: Bongripper - Miserable 

Discos Recomendados del 2014: El-P & Killer Mike - Run Jewels 2

Los raperos El-P (I´ll sleep when you are dead, Cancer 4 cure) y Killer Mike (R.A.P Music) se juntaron hace unos años para hacer una colaboración llamada Run The Jewels. En este 2014 soltaron el segundo LP de este proyecto ganándose elogios de críticos y fanáticos del hip hop por igual.

Disponible para bajarlo gratis en la página oficial (así que no hay excusa), Run The Jewels 2 brinca de los audífonos con el sello de una producción dominante y explosiva que caracteriza el estilo que hemos encontrado en los discos solistas de ambos raperos. Pero poco a poco, dentro de ese “boom boom” la cosa va doblándose hacia ritmos y tonos que van brotando desde debajo de la superficie.

Toma tiempo irle descubriendo esos dulcitos sonicos escondidos pero la paciencia premia. Tal es el caso de “Jeopardy” el primer track que mientras pone a los dos directores al frente con una pared cada vez más creciente de sonido encuentra su cimiento en percusiones y trompetas medio jazz  “debajo de”. “Blockbuster Night Part 1” suena como cuando a tu equipo de bocinas ya solo le sirven los bajos y está en sus últimos latidos. Los dos geniales MC’s se complementan uno con el otro: “I don’t give a fuck If I´m late, tell satan to wait!...” . “Close Your Eyes (and Count To Fuck)” usa la voz de Zack de la Rocha repitiendo una palabra como ritmo base. A manera de juego de ping pong los dos raperos se tiran versos como si con pincelazos fueran armando un gran mural.

Al centro de todo; por supuesto, están los dos MC’s jugando y entrelazando palabras. El-P con su estilo de rapeo acelerado medio triunfal cuaja bien con la voz dominante de Killer Mike. Nunca se siente como que uno es invitado del otro, la sociedad funciona a perfección. Una colaboración y un disco que demuestra porque el hip hop más underground y experimental está ganando cada vez más atención en una industria urgida por renovarse. (Francisco)

Descarga gratis del sitio oficial: http://www.runthejewels.net/

John Lee Hooker - "The Definitive Collection"

En las notas del librito que acompaña este disco hay una frase que dice: “la música contenida aquí  es algo tan moderno como antiguo, el cantautor hace una conexión entre su pasado para crear un estilo único y moderno”

El responsable de tejer dicha conexión es John Lee Hooker, nacido en Clarksdale Mississippi en 1917, Johnny llevo el blues y el rock n roll en la misma maleta a través de una imparable carrera de 53 años hasta su muerte en 2001. Su voz honda y su estilo “fingerpicking” de tocar guitarra lo hace uno de los artistas clave en ambos géneros. The Definitive Collection sirve de punto de partida para conocerlo y apreciarlo. Como cosa rara en este tipo de publicaciones, esta si le hace honor a su nombre de “definitivo” destacando sobre muchas otras que existen. Bien escogida y presentada para ustedes aquí amantes de la buena música. Bajar el disco es esencial si me permiten el abuso de decírselos.

Pero retomando lo de antiguo y moderno me permito explícame. El disco hace una buena selección de lo mejor de cada etapa en la carrera de Hooker.  Empezando con el country blues de la post guerra caracterizado por la guitarra acústica y el sonido del pie sobre el piso como percusión; salen composiciones que lo hicieron el rey del “ritmo”, dígase del “boogie” en el blues: “Hobo Blues” “Leave My Wife Alone” y por supuesto, la mega influyente “Boogie Chillen” en sus dos versiones. Para mediados de los cincuenta y principios de los sesenta la producción se vuelve más elaborada, la música se mezcla con tintes de rock: bajo, batería y pianos acompañan en canciones movidas como “Boom Boom”, “Dimples” y “One Bourbon, One Scotch, One Beer”. Siempre con ese particular “danzon” que la guitarra le pone.

Pero también hay canciones lentas que para mi resultaron la mayor y más agradable sorpresa de este disco. Con voz honda casi en susurro y los acordes suaves de un blues lento, melancólico y hasta oscurón: “It Serves you Right to Suffer”, “The Waterfront”. Íntimas y con la voz como si la tuvieras en tu oído. Esa voz única de este hombre único. El disco termina con colaboraciones que se hicieron entre finales de los setenta y los noventa junto a gente como Canned Heat, Bonnie Raitt y Santana con quien Hooker hace la única canción que se siente fuera de lugar en el disco (tanto por la diferencia de estilos como por lo aburrido de la pieza).

John Lee Hooker hizo del blues un conducto para sacar tanto la alegría como el dolor de una vida llevada con sudor y lagrimas. Una vida que se plasmo en música autentica llena de sabor y pasión. Donde el pasado es una escuela para entender el presente y la celebración en las lecciones del dolor la mejor forma de moldear un futuro. Boogie all night. (Francisco)

Bajen el disco aquí: John Lee Hooker

Dead Kennedys - "Give me convinience OR give me death"

Con el frenesí de sus marchantes acordes llevándonos a un mundo de policías borrachos que salen por la noche buscando presas que golpear y arrestar por cualquier tontera, te sale la primera rola “Police Truck”. El inicio ideal a esta genial compilación de rarezas, sencillos no editados en discos y versiones alternas de las mejores rolas de estos loquillos. Un disco tan esencial como el primero de los Kennedys, Fresh fruit for rotting vegetables.

Give me convinience or give me death es parada obligatoria para fans de la banda. Fans del punk en general de hecho.  La mayoría de lo mejor está aquí; aparte de la previamente mencionada “Police Truck” (que es una de las mejores rolas de la banda francamente) están “Too Drunk to Fuck”, “Man with the Dogs”, “Straight A´s”, versiones diferentes de las clásicas “Holiday in Cambodia” y “California Uber Allies” y simpáticos ensayos políticos y sociales como “Night of the living rednecks” y “Kinky sex makes the world go round”. También está el estupendo cover de “I Fought The Law” reinterpretado por Biafra con el asesinato de Harvey Milk como inspiración.

Uno valora el mensaje de una banda como los Dead Kennedys con el paso de los años. Necesitas esa dosis de sarcasmo y humor negro para digerir los niveles de maldad y estupidez a los que podemos llegar viviendo en sociedad. Parece increíble como una banda burlándose de los excesos y la payasada política de la década de los ochenta encaja perfectamente hoy. Que dice eso de nosotros es algo que les queda a ustedes para pensarlo. Mientras tanto pónganle música a su reflexión.  (Francisco)

Pueden bajar el disco en el link de los comments.

Action Bronson - "Blue Chips"

Arian Asllani mejor conocido como Action Bronson causo revuelo en el mundo del Hip Hop independiente al sacar este fantástico mixtape titulado Blue Chips en 2012. Cargado de samples inventivos y letras desafiantes. Frases para ese campo de batalla plagado de raperos superficiales donde la creatividad lirica y el juego inventivo de palabras es tu espada si querés quedarte más allá del hit de la semana:

 “…Acupuncture with the smoke like I'm Mason Storm. Legs crossed like a Buddhist, smokin' Buddha. Angry tuna, chillin', gettin' brain from Uma….” - Tan Leather

Siempre he pensado que tejer un buen rap puede ser mucho más difícil que componer una canción con cuatro instrumentos.  Me encanta oír como Bronsolino  pega puñetazos con sus liricas queriendo saltar al vacío. Tomando riesgos, sin miedo a fallar. Lo bueno es que no falla, pega con todo, te sacude, hasta cuando te cuenta de su primer amor:

“… so many unfamiliar faces that have come and gone, you're a constant, fucked you in the school closet. We were young then, experimental periods, laid a towel cause I fucked you on your period…” -  Thug Love Story 2012

Todo sobre samples cortesía de su colaborador Party Supplies que sirven de cimiento y destacan por si solos. El sonido único de violines en “Pouches of Tuna”. El acapela de algún grupo cincuentero en “Thug Love Story 2012”. No se supone que necesitamos bajo o percusión? Que importa, nuestro muchachon no los necesita. Versos cocinados frescos para tu deleite (Bronson también es chef por cierto). 

Es realmente refrescante oír hip hop como este, original y ambicioso. Tan bueno que me sentiría mal en no compartirlo con ustedes.  Sin restricciones, desatado. El arte del MC. Hip Hop bien empacadito, calidad de exportación.  

 Pueden bajar el disco en el link de los comments, hasta la próxima! . (Francisco)

Albert King - Born Under a Bad Sign

Para cuando Albert King grabo Born Under a Bad Sign en 1967, ya se había hecho nombre dentro del blues con su estilo de guitarra pulsante y su forma de cantar relajado. Sin embargo, no había escrito una canción o un set de canciones que le dieran esa firma permanente para quedarse hasta el tope de la lista de los artistas del género.

Entonces King firmo con Stax Records y todo cambió. Sin la intención inicial de grabar un disco completo,  se puso a componer y tocar canciones pensadas como sencillos junto a los Booker T & the MG’s, la banda de casa en la disquera. Le salió una tras otra tan buena que todo termino dando a luz a un disco entero. Born Under a Bad Sign es un blues de guitarra, King estira y encoje cada nota de forma que se siente el júbilo, el llanto y la pasión. Aunque nunca fue un cantante con voz inolvidable su estilo vocal sienta perfecto y hasta acentúa el sentimiento en los dedos.  Ambos elementos cazan perfectamente, produciendo un blues inolvidable. Oiganlo en “The Hunter” donde pareciera como si cantara obedeciendo los pasos del ritmo de forma pulsante y paciente a la vez.  “Oh Pretty Woman” una de sus canciones sello (sin que sea confundida con la clásica  de Roy Orbison), usa en cambio la voz de primero. Ataca con su sensualidad y abre paso para que las notas contesten de una forma como solo este gran maestro lo hace.

Born Under a Bad Sign es un disco magnifico e imperdible para cualquier amante serio del blues. (Francisco)

Pueden bajar el disco en el link que les deje en los comments. 

Sonidos del futuro cercano: Norte Sonoro

No soy el único en el club que piensa en la potencialidad de mezclar electrónica con sonidos latinos (que vengan de la música folklórica, de música indígena, de música tradicional...) como algo positivo, alentador. En efecto, creo que si hay algún género musical en el que puede caber un renacimiento del "sonido latino" que surgió en el rock latinoamericano ochentero y noventero, es este. Pero ojo, OJO jóvenes, que no todo lo que brilla es oro, y pese a que existan hoy en día un chingazal de bandas que hacen mezclas de este tipo (como las contenidas en los movimientos Nortec / Surtec), no todas van más allá de ser pura música de cafés bistros de tipo me tomo un espresito en un espacio art deco en medio de la patentada miseria latinoamericana. con esto en mente, les propongo que le echen un "oidazo" a este sampler de la única fuente de música electrónica híbrida que yo recomendaría, la genial disquera de DJ Rupture y Matt Shadetek llamada Dutty Artz , para descubrir un poco más el mundo de la creación de sonidos localizados... en este caso, localizados en Tijuana, y consolidados por el brillante oído de DJ Rupture.

Canciones del día: Hud Mo y sus remixes

Hudson Mohawke es un músico productor de electrónica que estuvo, esta, y estará por encima de la moda del pop autotuneado que se oye actualmente, aunque sea claramente una influencia de toda esta movida. Oigan Polyfolk Dance (2009) o Butter (2009) por si no me creen.

Razón por la cual oigo con gusto estos remixes condimentados a su gusto, recién publicados.

ASG - Blood Drive (2013)

Me he vuelto reacio a publicar posts sobre discos recientes, porque... para eso están los miles de blogs y sitios de críticos que lo hacen, en el ciberespacio. Aunque a mí no me pagan por decir que un disco es mejor que otro, independientemente de saber distinguir entre buena música y mala. A mí no me pagan y punto. Pero, creo que en el fondo siempre es bueno comentar sobre las novedades de la música... sobre todo cuando surgen discos que te hacen decir: este disco es "cabal". 

Cabal, en el sentido justo, socrático del término. Y vaya que el nuevo disco de ASG tiene esta cualidad. 

Lo cautivante de este sexto opus de A(ll) S(ystems) G(o), más conocida por su relación con Volcom y la comunidad skate gringa, que por otras corrientes underground, es que este disco - si mis instintos no me engañan - suena a madurez. Y cuando me refiero a madurez, es porque inscribo a esta banda en la línea de grupos que parecería que se buscan perpetuamente, conforme sacan producciones, como si no supieran a cabalidad lo que están haciendo, pero de la nada logran reunir suficientes elementos indicativos de lo que han hecho, de sus influencias y de sus estilos, y sacan un album muy propio. Muy de ellos. La música del disco tiene un toque masivo, que se lo debe sin duda a las influencias prácticas que hicieron posible el disco (hay metida de mano de miembros de Kylesa y Baroness), más la lista de bandas con las que han salido de gira o con los que han compartido splits (Torche, Tusk). Por lo demás, cabe mencionar que el sonido de Blood Drive le rinde honor al stoner sabbatesco, al blues y al rock sureño de la región (es gente de Carolina del Norte), pero tiene también toques atmosféricos dignos del post hardcore melódico de las bandas mencionadas, guardando siempre un sentido de fiesta digno del hard rock clásico...

...Una vez dicho eso, no puedo evitar decirlo: este disco suena en sus mejores momentos a una mezcla entre Mastodon y Deftones. Desde las partes más energéticas, hasta las partes más tranquilas. Ayuda a dar un sentido de familiaridad que el cantante usa un tono claro que recuerda a los mejores momentos de los noventas, mientras que el tono rasposo que emplea tira hacia viejo (heavy)metal. 

Este discazo, como el Natural History de Dope Body que revisé hace poco en este espacio y otros sonidos interesantes de bandas como Metz o, por otro lado, Ty Segall, me hacen pensar que el futuro de la música underground es más brillante que nunca, por  el ejercicio de generar música a base de estilos solapados, agarrando de lo mejor de los géneros de las épocas pasadas, no importa que hablemos de hardcore, punk, post punk, new wave, heavy metal, thrash, grunge, esta dando discos actuales que se desmarcan por la riqueza estilística de las composiciones...  

En la actualidad, la fuerza del sonido rock no comprometido se encuentra en  su sincretismo. 

Alec Empire - Intelligence and Sacrifice (2001)

El sonido de la revolución "que no será televisible", post- Atari Teenage Riot. Para las personas que no conozcan ni al señor Empire, ni a ATR, les recomiendo que los busquen, que se los procuren, de una manera u otra... mejor si se lo procuran por violencia. 

Alec Empire es el vocalista de  la banda alemana Atari Teenage Riot, banda culta de los 90as, solo apta a las mentes inconformes, esas que si creen en la lucha de clases... o por lo menos, aquellas que creen que las sociedades en las que vivimos, son sociedades que oprimen más que habilitan. 

Atari Teenage Riot / Alec Empire, dos caras de una misma moneda, que yo calificaría como música de "ciber-revolución", bandas que causan disturbios, mentes que causan sed de nihilismo. En términos de sonido, esto es la mezcla perfecta entre los Stooges, el metal extremo y el hardcore industrial. 

Música liberadora.

Public Enemy - Fear of a Black Planet

A veces la historia no es como te la cuentan. A veces lo que aprendes  ya trae en si una ideología disfrazada. A veces en el arte encuentras razones para expandir tu conocimiento. A veces necesitas que la pregunta te la planteen de forma diferente. A veces el hip hop no está solo para menear tus nalgas o flashear tus joyas. A veces las respuestas a las interrogantes más provocadoras vienen de tu canción favorita. A veces dije; no siempre, pocas veces.

Una de esas pocas veces vino en la forma de Public Enemy que en 1990 lanzaba su tercer LP titulado Fear of a Black Planet. Un manifiesto, mejor dicho una tesis musical sobre racismo y sus mutaciones. Genialmente mezclado y buscando horizontes nuevos para el género, Fear of a Black Planet muestra el legendario crew rompiendo barreras liricas y sónicas para incorporar elementos más inventivos a su propuesta. Llevando un paso más adelante los temas ya tocados en el también clásico predecesor It Takes a Nation Of Millions To Hold Us Back.  Pero Fear es un disco más elaborado, mixto y en esencia más ambicioso que su predecesor. Public Enemy en su etapa más psicodélica. Sin  perder claro, el mensaje.

Un mensaje diseñado para desenmascarar hasta las formas más sutiles de discriminación socialmente aceptadas a finales de los yuppies ochenta: El cine condescendiente que prefiere victimizar a la raza negra “Burn Hollywood Burn”; el uso de la mujer como objeto sexual “Pollywannacracka”; el temor blanco por los matrimonios entre personas de diferente raza “Fear of a Black Planet”. Chuck D nos da cada lección como un catedrático que te forza a ver más allá de lo que está en el papel. Certero y retador en sus rimas, el legendario MC nunca sonó mejor.

Pero es el balance con el resto del grupo lo que le da a Chuck D su equilibrio. Las siempre ingeniosas mezclas de Terminator X y el Bomb Squad quienes produjeron el disco y el humor acido de Flavor Flav son más que bienvenidos. Public Enemy era la suma de sus partes y Fear of a Black Planet lo demuestra con creces. Una escuchada obligatoria para todo fan del Hip Hop y todo aquel en busca de música que provoca e inspira al oyente a alimentar su cerebro. Seguro buena medicina para la generación iletrada del smartphone y las redes sociales. (Francisco Valdés)

Adrian Belew: rock legend

Adrian Belew no es nombre común en las discusiones de los mejores guitarristas de la historia del rock, pero debería serlo. Seguramente le sonará el nombre a todo fan de King Crimson, o a algún engasado de la ingeniería guitarrística, pero en realidad, pienso que debería ser un nombre común al discutir quienes han sido los grandes pioneros de la guitarra en esta historia del pop rock. Más allá de ser un gran guitarrista profesional, lo cual se confirma al ver la lista de personas que lo han invitado a tocar: David Bowie, Frank Zappa, Talking Heads y Brian Eno, recientemente Nine Inch Nails ( que lo invitaron para la gira 2013-2014), Belew ha generado su propio sonido original, basándose, un poco como lo hizo Hendrix, en explorar todas las maneras posibles e imaginables de sacarle sonido a la guitarra: desde uso de pedales inovadores, uso de delays, reverbs, loops, el uso creativo del trémolo, del botón de volúmen, hasta sacarle tonos a la presión de la madera. "Make the guitar something that's not supposed to do" sería el lema... algo que Tom Morello nos enseñó a la generación de los 90as, pero que en realidad tenía una historia documentada, generada por una serie de científicos locos del rock (Hendrix, Belew, Thurston Moore...), Meshuggah, en otro registro, es otra banda de pioneros del sonido que también se darían a tacos con la curiosidad genuina de Belew, y diría que la referencia no es completamente ajena al mundo musical de este. En efecto, otra originalidad del sonido de Belew es que no le tiene miedo a ser más agresivo, ruidoso, abstracto cuando toca. Y esto es en pocas palabras lo que llamaría carácter, algo que a veces carecen muchos de los grandes virtuosos de la guitarra, ya no digamos, los virtuosos del rock o metal progresivo, que a veces parecen estar más interesados en "demostrar" que en "compartir".

Side One (2005, Sanctuary), es un album solo en el que Belew suelta rienda a su imaginación, usando una amalgama de técnicas y de tecnología de la época, pero lo hace, además, acompañado en las tres primeras rolas de dos músicos que lo menos que se puede decir es que son de "alto calibre": 

Les Claypool (Primus) en el bajo y Danny Carey (Tool) en la batería y la tabla. Agreguémosle a este lineup el aporte de Aram Khachaturian, compositor armeniano de música contemporánea en la cuarta canción, que no hace más que validar el rango de la música de Belew. El album es relativamente corto y conciso, siendo las tres primeras canciones los elementos de mayor interés, sin restarle valor al resto del album, que abarca varios estilos musicales a la vez, siendo la marca Crimsoniana y los efectos originales de Belew la mayor constante.

Boards of Canada - Music Has The Right to Children (1998)

"Melting Glaciers" - Marsha Heiken.

En la época, -estamos hablando de hace unos 10 años- había oido decir que Boards of Canada -los hermanos escoceces Michael Sandison y Marcus Eoin - habían hecho Music Has The Right To Children  en un viaje de retiro a Groenlandia, como intentando lograr la banda sonora ideal de uno de los lugares más retirados del mundo. La idea me pareció genial, sobre todo pensando en la concordancia perfecta que había entre la anécdota y las creaciones que habían producido para su album debut. O sea, no me cabía la menor duda que esa fuera la intención detrás del disco: estar enfrente de una naturaleza tan salvaje, tan tranquila, tan fuerte en la soledad que, supuse yo, inspiraría... El hecho es que me equivoqué. Nunca estuvieron en Groenlandia, hicieron este disco desde el Sol Hexagonal de las Colinas de Pentland.

Sea lo que fuere, el disco suena como si viniera de un lugar recóndito (imaginado o físico). Además de esto, suena como el producto de la la lenta tranquilidad del silencio nórdico, entre dos tazas mañaneras de té, un bostezo, un cielo helado, armoniosamente gris...  suena a parcimonia. O derepente la música de Boards of Canada es tan densamente visual, tranquila, de un gris intenso, que se puso en marcha mi imaginación de por si.

Music Has The Right to Children es tal vez la respuesta noventera ideal al "brian enoista" que algunos de nosotros tenemos dentro: es música que pinta paisajes, que transmite paz y tranquilidad, un poco como Music for Airports pudo hacerlo en su momento. Pero esta obra de ambient es específicamente noventera, y es particularmente captivante por ser una pieza maestra del catálogo de Warp Records: una de las disqueras vanguardistas del siglo XXI, de pura y total predilección de vuestro fiel servidor.

La clave del sonido de Boards parece ser esa manera de mezclar tanto grabaciones de ambientes naturales, con samples cálidos  y toques de psicodelia setentera. En si, pareciera que la visión de estos artistas es de lograr un equilibrio perfecto entre la composición electrónica minimalista y sonidos densos, coloridos y tripeantes. En corto, la música de estos se presta a la contemplación de espacios imaginados, a un buen viaje, y a un largo descanso. Esto no quiere decir que sea música de "sueño", en realidad, tiene suficientes matices como para ser más que eso. Sin duda, los ritmos del disco  (a base drum machine directa y algunos scratches) hacen que no se trate de ambient puro y duro, sino de un album de IDM, con suficiente "groove", por no decir "personalidad", para mantener interesado al oyente.

Suficiente groove, genialidad y coherencia para considerarlo un album clásico, una obra maestra de nuestros tiempos.

Cliff Burton, 26 años después.

Recordando a Cliff Burton, 26 años después de su muerte, Metallica está regalando la descarga  completa del concierto en Le Riff, Toulouse, Francia del 22 de noviembre de 1984.

Este concierto fue grabado durante la gira de Ride the Lightning, con un excelente solo de bajo de Cliff.  Aprovechen esta descarga de lo que muchos llaman la época de oro de Metallica y escuchen una vez más a uno de los bajistas más reconocidos en la historia del metal.

Descarga aquí.

Nuevo EP de los Melvins, descarga gratis

Cluberos, sean tan amables de dirigirse a este link para descargar el nuevo EP de lo Melvins, esperando el nuevo album, Freak Puke, que saldrá en IPECAC el 5 de junio de este año: http://scionav.com/collection/917/The-Melvins---The-Bulls--The-Bees