28.12.16

En Vivo: Metallica - Seattle 1989

Solo porque si. Solo porque vale la pena. Tal vez ya lo vieron antes (los mas fans de Metallica). De la gira ...And Justice For All. Aplastante concierto con Metallica en la cima de sus poderes. 

21.12.16

Playlist: Canciones Favoritas del 2016

The Avalanches – “Frankie Sinatra” – El colectivo australiano The Avalanches finalmente retorno en 2016 con Wildflower y los resultados no decepcionaron. El primer single “Frankie Sinatra” es la rola perfecta para esos días de verano donde uno solo quiere correr desnudo por el bosque (Bueno; no todos quieren hacer eso, pero los Avalanches no son un grupo para todos). Tampoco afecta que MF DOOM y Danny Brown colaboraron en esta genial pieza.




ANOHNI – “Drone Bomb Me” – Una lluvia tecno industrial de emociones con la hermosisima voz de ANOHNI en su núcleo. Poderosa con un mensaje igualmente frontal. La incandescente melodía explota en son de marcha. Punk con sintetizadores. Lo opera tragica de ANOHNI.




Nicolas Jaar – “Three Sides of Nazareth” – Invocando al dúo Suicide (tal vez rindiendo tributo al recien desaparecido Alan Vega); Nicolas Jaar viaja por una carretera de sonidos secos y pulsantes para llegar a un destino sonoro bien definido. Excepcional pieza de un excepcional disco.   




Danny Brown – “When it Rain” – Descabellada y tripeando ácidos como todo lo que hace este excéntrico rapero de Detroit, “When it Rain” suena algo así como si Outkast y el sountrack de alguna película de terror de los ochentas tuvieran un hijo autista. Contenida en el genial Atrocity Exhibition; uno de los LP’s de hip hop mas celebrados del 2016.




DJ Shadow & Run The Jewels – “Nobody Speak” – Esta colaboración entre el mítico DJ Shadow y los Run The Jewels dio vueltas por mi cabeza todo el 2016. Para bailar, brincar y protestar. “Nobody speak, nobody get choked!” 





Leonard Cohen – “You Want It Darker” – Al igual que Bowie, Leonard Cohen se despidió del mundo con una ultima carta musical. Un As debajo de la manga. Su ultimo disco You Want It Darker lo pone de frente al ultimo viaje. La canción titulo con sus cantos góticos y ambiente sombrío envuelve la exquisita voz de Cohen en un himno fúnebre, introspectivo. “We killed the flame….” 

19.12.16

Top Cinco: Discos del 2016

Este 2016 fue un cabrón bien complicado. El mundo convulsiono con guerras y divisionismo. La música le dijo adiós a figuras titanicas como Prince, Juan Gabriel, Leonard Cohen y el gran David Bowie. Los británicos y su brexit, Trump y su vomito verbal nos dejaron con nausea política. Pero siempre hay buena música que compartir. Aquí mis cinco discos favoritos de este ultimo ciclo solar. 



Nicolas Jaar – “Sirens”. Propuesta Ambient Electrónica construida sobre base de ritmos atonales. Abriendo con “Killing Time” con sus sonidos dispersos que van juntándose conforme avanza la melodía. Terminando con la pulsante “Three Sides of Nazareth” y la pseudo romántica “History Lesson”. Música que propone, expande y enamora. 







Nick Cave & The Bad Seeds – “Skeleton Tree”. El dolor en medio de la tragedia llevado al plano musical (El hijo adolescente de Cave fallecio durante la creacion de este disco). Skeleton Tree lleva al oyente por el camino doloroso de su autor para buscar respuestas en una situacion donde no las hay. Las melodias son desoladoras e imponentes a la vez. Un disco impresionante de un cantautor que nunca traiciona sus impulsos.  






Iggy Pop – “Post Pop Depression”.
Siendo sinceros, los discos de Pop de los últimos anos no han sido eventos imperdibles como lo fueron en los inicios de su carrera. Pero en sociedad con Josh Homme, Iggy ha logrado revivir su lado primitivo y sensual. Canciones con estilo y personalidad. Funk rock desértico que suena rico y jovial. Un agradable retorno.




ANOHNI – “Hopelessnes”.
La cantante transgenero ANOHNI explora los limites de la sensibilidad en el espectacular Hopelessnes. Haciendo preguntas incomodas sobre problemas del mundo (Siria, la discriminación racial, etc) a ritmo de sonidos tecno aparentemente bailables. Como si queriendo demostrar que en el silencio pecamos todos de cómplices. Preferimos bailar en vez de empatizar. 






David Bowie – “Blackstar”. El primer gran disco del 2016 vino de la mano de un icono que estaba al borde de la muerte. El ultimo acto del  maestro que cambio el plano musical y cuyas ondas todavía resuenan. “Lazarus” con los ojos tapados viendo hacia el vació negro. El telón no se cierra. Sube hasta lo mas alto para bailar con las estrellas de la noche.

 

2.12.16

Top Cinco: Artistas de Un Disco

Bandas o artistas que por alguna razón u otra solo sacaron un disco de estudio. Esas estrellas fugaces que pudieron dejarnos mas pero no siguieron adelante. Ya sea porque se separaron, fallecieron o su intención no era vivir en la eternidad artística. No aplican compilaciones, discos en vivo ni discos de rarezas. Discos de estudio grabados durante la existencia del artista.


            1. Sex Pistols - "Nevermind The Bollocks..."

            2. The Modern Lovers - "The Modern Lovers"

            3. Jeff Buckley - "Grace"

            4. Them Crooked Vultures - "Them Crooked Vultures"

            5. Lauryn Hill - "The Miseducation of Lauryn Hill"



22.11.16

Canción del Día: A Tribe Called Quest - "We The People...."

Retornando a las raíces con su primer disco en dos décadas. Al mismo tiempo diciendo adiós e invocando al desaparecido Phife Dwag nos llega "We the People..." Música para unir en tiempos de división. 

11.11.16

Canción del Día: "You Want It Darker"

Este 2016 ha sido el año donde los supervillanos asumen el poder y los héroes nos están dejando. Se vienen tiempos muy oscuros.  Hasta luego Leonard Cohen.

18.10.16

Cine: Gimme Danger

Ustedes no necesitan preocuparse de la próxima película de Batman o de la Guerra de las Galaxias. Si van a ver algo nuevo que sea este documental dirigido por el laureado Jim Jarmusch sobre Iggy & The Stooges titulado "Gimme Danger". La historia de la maquinaria proto punk oriunda de Ann Arbor Michigan. Lo demás son mamadas. Aquí el trailer: 


4.10.16

De La Soul is Not Dead: The Documentary

Fresco joven, fresco. Vengase aprender algo de historia de uno de los grupos mas geniales del hip hop: De La Soul. Contado por los héroes mismos y sus mas cercanos colaboradores.  Corto pero estupendo documental. Freshhhhhh. 

15.9.16

Cancion del Dia: Nick Cave & The Bad Seeds - "Jesus Alone"

Desoladora y oscura. Parte del genial nuevo disco Skeleton Tree y el nuevo filme documental "One More Time with Feeling". De nada sirven mis palabras, mejor escuchen.

2.9.16

John Coltrane - "Blue Train"

Con una carrera corta pero muy prolífica, el saxofonista John Coltrane cambio la cara del Jazz con sus arriesgados brochazos musicales y audacia artística. Todavía reconocido más como un “sidemen” en 1957 (Coltrane no lanzo su carrera oficial como solista hasta 1960), la disquera Blue Note decidió editar este disco donde destacaba las fortalezas de “Trane” junto a otro grupo de brillantes músicos.

Desde las primeras notas de la canción título que abre el disco la interrelación y dinámica de los instrumentos es evidente. Especialmente en los tres vientos: El saxofón de nuestro líder,  la trompeta de Lee Morgan y el trombón de Curtis Fuller. Tomando turnos en solos y como conjunto. Guiados por los pasos acentuados del pianista Kenny Drew que acompaña la canción brindándole un matiz más profundo.

Luego viene “Moment’s Notice”  irrumpiendo con sus tiempos veloces cambiando el “tempo” del disco inmediatamente. Coltrane lanza una locomotora de sonidos forzando a los demás músicos a seguirle por los muchos “sube y bajas” de su genial solo. “Locomotion” es todavía más acelerado, jovial y urgente dejando a los participantes más espacio para dejarse ir por el camino que más rápido los lleva al destino. Morgan y Fuller se ponen de “tú a tú” con Coltrane.


Un álbum verdaderamente estupendo, Blue Train encapsula toda la intensidad de un gran disco de Jazz. No se necesita ser un conocedor experto para disfrutarlo por lo que es: una magna expresión de música tocada con el alma. Razón mayor para explorar más del genio que es John Coltrane. (Francisco)

4.8.16

Alan Vega (1938 - 2016)

Hemos estado callados en las ultimas semanas pero no podíamos dejar de mencionar el deceso de Alan Vega vocalista del dúo proto-electrónico Suicide. Junto con Martin Rev, crearon uno de los sonidos mas desoladores, potentes y escalofriantes a mediados de los setenta. Mientras escribo estas lineas escucho el inigualable disco debut. Un disco mas que iconico y completamente contra corriente (inclusive hoy en día). Violencia, sexo, muerte, las calles oscuras de New York; los gritos y gemidos de Vega pintados con sangre en el paisaje nocturno. Música con sello propio. 

Lo que Suicide hizo en ese primer disco no es nada corto de "genialidad autentica". Poner de frente nuestros mayores temores y envolverlos en el sonido seco de sintetizadores disonantes y primitivos. Tal vez habrá sido por la época donde dicho instrumento era algo nuevo, algo alienigena. El poder de una idea. Los cojones para llevarla a cabo. Eso es ser Punk. Hasta pronto genio.  


                                                    

3.6.16

The Avalanches - "Since I Left You"

A propósito que regresaron con nueva música, vale la osadía de poner en “repeat” su genial (y único) disco Since I Left You del año 2000. Derroche de sonidos bailables, samples ingeniosos que pusieron a estos australianos en el mapa musical salpicando “champan” burbujeante sobre las consolas para toda una generación de feligreses reunidos en la iglesia del éxtasis y el EDM.

Pero esto no es simple música electrónica para que muevas tu atrofiado culo. No es música de fondo para la siguiente fiesta. Aquí hay recompensas para quien las busca. Como si creando un compendio de la música que más movió a los antepasados de The Avalanches; el grupo crea una "ensalada" de ritmos y mezclas donde las líneas divisorias se borran para destapar el árbol genealógico que existe entre todos los géneros de la música. Del funk al disco, dándole un aventón al hip hop. Invitando al house a bailar y rindiendo merecido tributo al soul y jazz que en esencia “eyacularon” todo lo que hoy escuchamos. Aquí los cambios de canción en canción son tan importantes como las piezas mismas. El salto de una rola como “Diners Only” hacia “Different Feeling”; los sube y baja del disco. La siempre rodante bola de espejos al centro de la pista de baile.


Since I left You nos demuestra (más bien nos da una cátedra) de cómo hacer de la música bailable un arte donde las voces sobran (es un álbum totalmente instrumental por si todavía no se habían dado cuenta); donde nunca nos aburrimos. Un disco que celebra la vida y nos hace sentir que siempre estaremos al centro de la noche. Cuando llega el romance de “Tonight May Have to Last Me All My Life” (a mitad del disco) casi nos damos cuenta de que The Avalanches nos están llevando por un camino que solo ellos conocen. Mejor dejarlos tomar control del barco. Dejarse llevar. Dijimos “clase magistral” hace un rato. El arte del sampleo en su máxima y más genial expresión. (Francisco)

31.5.16

En Vivo: Queen - "Live Aid 1985"

En 1985, el mega festival Live Aid (organizado por Bob Geldof para reunir fondos que fueron destinados para pelear contra la desnutrición en África) reunió a un grupo de artistas sin precedentes que incluyo gigantes de la talla de David Bowie, Tina Turner, los miembros originales de Black Sabbath, The Who, U2, Led Zeppelin y muchos mas en dos conciertos masivos celebrados simultáneamente en el estadio Wembley de Inglaterra y en el J.F.K de Philadelphia. El festival también fue transmitido por medios de comunicación de todo el mundo convirtiéndolo en un evento global nunca antes visto.

Para muchos, la presentación de Queen fue la perla del concierto. En un set de solo 25 minutos lograron cautivar a la audiencia de millones que los vio de forma presencial y por televisión. La energía que lograron esparcir demuestra porque fueron uno de los grupos mas queridos y entretenidos que la historia del rock nos ha dado. Cuatro magníficos músicos comandados por el vocalista de vocalistas Freddie Mercury. Un momento en la historia que perdurara siempre.  

24.5.16

Canción del Dia: Gojira - "Silvera"

Machucando todo cuanto tiene en frente y pateando bastantes culos, nos llega lo mas reciente de Gojira titulado "Silvera", parte del nuevo disco Magma. Pum!

10.5.16

Canción del Día: Radiohead - "Daydreaming"

Pocos artistas que ya están en su noveno disco le importan tanto al mundo como Radiohead. La razón es simple: siguen siendo únicos y audaces.  Aquí el vídeo de la soberbia balada "Daydreaming" sacado del recién salido A Moon Shaped Pool dirigido por Paul Thomas Anderson. Feliz semana. 

4.5.16

Non Servium en Bogotá 2,016

Recuerdo muy bien la primera canción de Non Servium que escuché: Seguimos Siendo. La banda fue conocida en el país a través de una cinta que pasó de mano en mano hasta tener acceso a bajarlas de la red –cuando aún bajabas una por una las rolas y tardabas como 25 minutos-. Hubo muchas fiestas con la gente en la que al escuchar esta y las canciones de sus hasta ahora 6 álbumes, si alguna vez tendríamos la oportunidad de verles.

Ya hace unos años visitaron el continente donde dieron varias fechas, pero por razones ajenas a la buena voluntad no les pudimos visitar. El uno de mayo de 2,016 esa historia iba a cambiar…

A pesar de estar viviendo momentos de menos avanzada en mi vida, la buena voluntad y amistad del Sammy facilitó que se pudieran conseguir tickets de vuelo a un precio estúpidamente más bajo de lo que se hubiese podido pagar por un vuelo redondo comprado tres días antes del show. Con los boletos, la emoción y los huevos bien puestos contactamos a la gente bogotana que ya amablemente nos habían contactado los compañeros salvadoreños que acudieron al evento de los holandeses de Evil Conduct unos meses atrás.

El plan inicial fue abordar un vuelo de Ciudad de Guatemala hacia Panamá –a las 2 de la tarde- y luego, salir hacia El Dorado en Bogotá. El pasaje que llevábamos era sujeto a espacio puesto que todo cambió de un momento a otro. Al llegar a Panamá nos dijeron que los vuelos estaban ya sobrevendidos y teníamos dos caminos: quedarnos en Tocumén sin la seguridad de volar al otro día, o salir hacia Colombia a la Ciudad de Pereira y tomar un bus esa misma noche que nos llevará a Bogotá en una travesía de 322 kilómetros. Nos decidimos por la segunda.

Al llegar a Pereira -12 de la media noche-, nos fuimos con Sammy directo a la estación del bus y da la casualidad que media hora antes había salido el último bus hacia la ciudad capital. Al contar con una buena infraestructura de transporte, las estaciones tienen locales abiertos 24 horas donde venden desde café –tinto, le llaman los muchachos- muy bueno hasta cervezas, que fue el producto escogido para esperar las 5 horas que nos quedaban para estar sentados en dicha estación.

Estuvimos bebiendo con la esperanza de subir al bus y dormir todo el camino. Solamente Samuel logró hacerlo, yo no. Cuando estaba a punto de vomitar encima de toda la gente porque no podía ni respirar el chofer paró en la primera estación de tres que nos separaban de nuestro destino final, Bogotá. Iba tan mal que fui directo al baño, por suerte todo salió bien y pude comprar algo de tomar. Seguimos el camino y Sammy se volvió a dormir. Lo bueno fue lograr afianzarme un asiento, no tan cómodo pero con la ventana que podría abrir completamente.

Al llegar a Bogotá fuimos directo al hotel que habíamos apartado, a ducharnos, comer algo e irnos a reunir con los chicos que previamente habíamos contactado. Nos llevaron directamente a un bar en la esquina de El Campín, en donde todos observaban el juego de visita que tenía el Millonarios FC, el equipo –bueno- de la capital.  Ya con ellos, planeamos qué haríamos esa primera noche: ir por las entradas del show de Non Servium y luego dirigirnos a un bar al show de Skandalo Oi! –fundada en 1,996- junto a otras bandas locales. El lugar estaba lleno de skins y algunos punks que, como me contaba Camilo el baterista de la banda que mencionaba, eran de las primeras generaciones en toda la ciudad, con personas activas de más de 45 años.

Las bandas de punk tocaron muy bien, pero eran pocos los que estaban en la pista bailando y pogueando. Justo cuando los 8 músicos se estaban instalando, la música comenzó, sonando mucho ska lo que hizo que ya todos se pararan y comenzaran a bailar, calentando para comenzar el baile de más duro que he visto en mi vida.

Cuando la banda comenzó a anunciarse aproveché que ya se habían ido todos los pelones de la barra para ir por la ronda que me tocaba poner a mí. Al llegar al spot que escogimos para ver el show solo podíamos ver a muchos skins –chicos y chicas- bailando duro y cantando las canciones de una de las bandas más representativas de la escena bogotana. Hubo botellas quebradas, stage dives, pogo con ska…fue toda una locura.  Cabe destacar que el sonido fue muy bueno y el calor insoportable.

Para la mañana de domingo habíamos decidido ir a comer algo temprano, turistear por la ciudad y luego ir al show. Nos dirigimos al lugar del concierto que estaba ubicado cerca de un centro comercial muy grande de la ciudad cuando ya comenzamos a ver a muchos skins y punks caminando por las calles. Estábamos ya cerca de ver y escuchar a una banda esencial para la escena de Centroamérica…yo realmente estaba muy emocionado.

Cuando llegamos al salón municipal vimos a una gran cantidad de skins, algunas crestas, tatuajes faciales, botas y bombers…al llegar con uno de los chicos de las bandas anunciadas para esa tarde Terror Skins, nos dijo que el concierto quería ser boicoteado y les habían puesto denuncias a última hora para que no se llevara a cabo el evento.

Como no es la primera vez –me imagino- que les pasa algo similar, en ese mismo momento ya nos comentaban que el lugar se cambiaría a un salón en la zona obrera de Policarpa, en la ciudad a unos kilómetros del lugar. Cuando estábamos esperando un taxi –moverse en taxi es muy barato en esa ciudad-, que costó un poco que lo tomáramos por las pintas que teníamos todos, pudimos ver como todo un crew –parche, dirían los amigos colombianos- tomaba un bus del transporte público. En ese bus no se subieron menos de 100.

Al llegar al salón pudimos compartir con más personas de la escena local, seguir tomando Póker, darnos muchos chupitos de guaro y esperar que llevaran el sonido y todo el equipo de las bandas. Cuando estábamos compartiendo con la gente nos dijeron que no tocarían las bandas locales, solo Non Servium. Eso no me gustó mucho porque suelo disfrutar las bandas locales que hacen que los ánimos se vayan levantando hasta llegar al evento final. Lamentablemente no pude escuchar a dos de las bandas con quienes pudimos compartir junto a Sammy: Urban Noise y Terror Skins.

Entramos al salón luego de una revisión minuciosa que hacían los mismos skins organizadores del evento para evitar cualquier tipo de problema. En ese sentido, la logística estaba muy bien organizada. El salón, bastante amplio, ya comenzaba a tomar forma para el evento con mantas de RASH Bogotá –Skinheads Rojos y Anarquistas- y de Ultras Antifascistas.

El ambiente comenzaba a sentirse. Luego, entró todo el equipo de sonido y comenzaron a montar. La gente seguía entrando y la cerveza no dejaba de fluir. En eso, solo escuchamos que la gente cerca de la puerta gritaba el nombre de la banda de Mostoles, Madrid. Ya estaban en el lugar…se veían chicas en hombros con banderas de la acción antifascista, gente gritando consignas de sus crews y haciendo una valla humana para dejar pasar a la banda. Al fin entraron y todos nos emocionamos.

Desde donde nos ubicamos logré ver que Carlitos, el vocalista, nos saludaba a todos y tomaba video con su teléfono. Junto al resto de la banda, saludaron a todo el público que no paraba de gritar. La misma banda se veía emocionada, pues no dejaba de saludar y sonreír con quienes estaban más al frente. En unos minutos, solo se escucharon los acordes del bajo que probaba con Punks y Skins, volvimos a gritar de nuevo.

El show inició con Civilización, del Rodillo del Kaos. Este ha sido el mosh pit más grande y violento que he visto en un concierto autogestionado. Fuimos alrededor –calculo- de 2,000 personas de las que 1,800 estuvieron bailando y cantando durante todo el concierto. No acababa la primera canción cuando a la par mía llevaban a un punk con la cara cubierta de sangre que luego de lavarse con su misma cerveza, volvió al pit.

Lo más emotivo fue escuchar esa canción con la que tanta gente de la escena de este país y de muchos otros nos identificamos, El Espíritu del Oi. Este ha sido el mejor sing a long de toda mi vida. Tocaron también ACAB, Punks y Skins, Mata Hippies –que según nos comentaron, no la tocan casi nunca-, El Imperio del Mal, Torpedos y la gran sorpresa de la noche fue la canción junto a Fermín Murguza de Kortatu, Zu Atrapatu Arte. Fue una lástima no haber llegado el viernes por la noche para poder estar en el show de Fermín.

Dos canciones que realmente extrañé que no tocaran en su set fue Antinazis y Animal. Pero como hablábamos luego, si dan un show con todas las canciones emblemáticas fuera un show de más de 4 horas. Aparte, creo que el set que vimos será el mismo de sus shows en México.


Y pues esto fue ir al show de Non Servium...gracias Sammy por tu amistad y el alivián de los ticketes en esta gira que nos llevó por 4 países de regreso. Gracias también a todas las personas que conocimos por allá: a Daniel, a Potter, a Camilo, a Eric, a Pontón, a Meltroso, a Ramona, a la gente de los crews –parches- Terror Crew, SHARP Bogotá, RASH Bogotá, a Melvin y su esposa de El Salvador –siempre es un gusto compartir con los hermanos cheros-, a Gerard de Barcelona –un gusto, amigo-, a todos los demás chicos y chicas skins con quienes compartimos cervezas, historias, sonrisas y grandes momentos….Oi!


                                              Junto a Camilo y Gerard en Oi! Distro Bogotá.


Junto a Potter -RASH Bogotá- y Melvin de El Salvador. 


                                            El Salón del barrio Policarpa donde fue el show.


Junto a Daniel, Eric y las chicas de SHARP Bogotá. 

29.3.16

What's In My Bag?

Esta serie casi interminable de vídeos producidos por las tiendas de discos californianas Amoeba titulados What's in My Bag? son un deleite para todos los que somos amantes de coleccionar, oír y compartir música, películas, etc. Usted, apreciado lector me atrevo a decir que es uno de esos (digamos que el echo que este leyendo este blog lo delata)

En cada uno de los vídeos que incluyen personalidades que van desde actores (Sara Silverman, Ben Stiller, Fred Armisen, Bob Odenkirk, etc) y músicos de diversos géneros ( Dave Grohl, Mastodon, Ghost, Flea, miembros de Cattle Decapitation, Henry Rollins, Jon Spencer Blues Explosion, KRS One, etc). Amoeba les patrocina a sus invitados los discos, películas o libros que quieran a cambio de que nos hablen un poquito de lo que significa cada cosa que escogieron. He descubierto música nueva cortesía de mucha de las recomendaciones que aquí se hacen. 

Tuve la oportunidad de ir a Amoeba en San Francisco (solo hay tres) hace un tiempo y puedo decirles que pocas veces mi corazón se ha llenado de tanta alegría (y mi billetera se ha vaciado tan rápido). Un verdadero oasis de todo lo que se les ocurra en el formato que se les ocurra.

Pueden ver todos los vídeos aquí:


Y para que se piquen, un breve trailer que sirve de introducción:

10.3.16

En Vivo: Melvins - "Live at Villette Sonique"

Imperdible concierto del Rey Buzzo y sus compinches. Filmado en 2013. Mas que obvio que lo vean a todo volumen, con las luces apagadas y fumando alguna hierbita de su preferencia. Buen provecho. 

8.3.16

En Vivo: Mark Lanegan - Live at KEXP

Sombrío y con su muy especial mística que lo caracteriza, el Sr. Lanegan nos muestra esta corta presentación con algunas preguntas de por medio. Muy entretenido para conocer un poco de sus proyectos y oír algunas de sus cancioncillas mas tranquilas. 

16.2.16

Canción del Día: Camila Moreno - "Libres y estúpidos"

Descubriendo a esta maravilla sonica. La chilena Camila Moreno enfrasca sonidos de un blues de taberna con rock un tanto "stoneroso" para brindarnos esa genial canción. Un vídeo igualmente creativo. Para escuchar mas de una vez. 

 

28.1.16

Svet Saló, Madre Devoradora, Look Out!! Phantom Whores!!

Mañana hay toque jóvenes. Lléguese a Trova Rock a disfrutar de un poco de música 100% original de la capirucha. Ahí por el centro histérico.



Los vemos.

22.1.16

Cancion del Dia: Iggy Pop & Josh Homme - "Gardenia" (En Vivo en The Late Show)

Empecemos el 2016 entonces con nueva música de estos dos guapos caballeros bien vestidos. Buen rockon bien funky cortesía del inigualable Iggy y una banda comandada por Mr. Homme. Los dejo con "Gardenia", primer single del disco Post Pop Depression estrenado anoche en el Late Show de Stephen Colbert. 



19.1.16

Moonage Daydream: De Major Tom a Lazarus


En estos días sobran los tributos al icónico David Bowie. Una infinidad de artistas, periodistas y meros mortales (presente) han escrito sobre la influencia y lo que significó para ellos el aporte artístico de este señorón. Y con toda razón. Bowie demostró a través de una larga y fascinante carrera lo que significa estar en constante evolución. Un consumado artista que hasta sus últimos días (literalmente) no dejó de crear. Esa fascinación por el poco convencionalismo y lo “raro” pero atractivo que nos parecía su propuesta, el periodista Rob Shefield la define mejor:   “He was the most human and most alien of rock artists, turning to face the strange, speaking to the freak in everyone…’’

Bowie también fue de los pocos en lograr un gran éxito comercial sin perder la mística que lo hacía especial. No se le puede definir como un artista underground porque siempre estuvo al frente de los medios masivos; pero más bien parecía un extraño invitado que se “colo” a la fiesta para demostrar cómo debían hacerse las cosas de verdad. En cierta forma, fue el artista de culto más popular de todos los tiempos.

 Ground Control To Major Tom

Aquel David Jones que decidió cambiarse su apellido a Bowie para no ser confundido con el cantante de la entonces popular boy band The Monkees apareció como un artista folk a finales de los sesenta. Cantando sus primeras piezas neo psicodélicas muy acorde al sonido británico de esos tiempos donde bandas como Pink Floyd y T Rex (en ese entonces llamada Tyranosauous Rex) pintaban el undeground londinense con rock espacial y bizarro. Pocos pusieron atención al joven David.

No fue hasta que aparece Space Oddity  con un look más andrógeno que nuestro héroe empieza a despegar. Los tiempos también habían cambiado; el espíritu político de los sesentas estaba muriendo abriendo paso a una nueva década más hedonista, más individual y cruda. Tal vez la respuesta estaba en las estrellas. Aquel Major Tom de Space Oddity; un chaval producto de los “swinging sixties” ahora buscaba horizontes nuevos fuera de lo conocido. Hacia lo inexplorado. El mundo quedo fascinado con este marciano de pelo rojo que con su guitarra acústica nos contaba su historia sobre haberse quedado flotando en el espacio. Poco se imaginaron hasta donde los llevaría el viaje.

Esos horizontes se expandieron aún más con sus siguientes dos discos; The Man Who Sold The World y Hunky Dory. Este último cimento a Bowie como un cantautor inigualable. Audaz desde el manifestó de “Changes” rompiendo los espejos de la melancolía; el drama espacial de “Life on Mars?”, y las estupendas movidas de “Oh You Pretty Things!”. David había llegado para quedarse.

A Lad Insane

El teatro fue también una de sus primeras inclinaciones artísticas. Inclusive formo parte de un colectivo de mimos a finales del 69. El aspecto visual fue clave en potencializar las canciones de muchos de sus discos. Llevando así una revolución que no solo se limitaba al sonido sino también al look. “Glam Rock” le apodo la prensa a esta nueva ola decadente donde los chicos parecían chicas y la música rebalsaba de lujuria y personalidad. 


Estas nuevas divas del rock eran comandadas por artistas de la talla de Roxy Music, Sweet, Marc Bolan y por supuesto Bowie. Ahora convertido en el nuevo mesías del rock n roll con Ziggy Stardust and The Spiders From Mars. Tal vez el disco más notorio de toda su carrera musical. El álbum que finalmente lo subió a la constelación de las grandes estrellas pop. Le trajo su primer éxito comercial con “Starman” y le gano un ejército de fanáticos perdidos en los himnos protopunkosos  de “Moonage Daydream”, “Suffragatte City” y “Ziggy Stardust”. En la misma vena glam, Ziggy tuvo dos secuelas: Aladdin Sane y Diamond Dogs. Pero en la cima del extasis glam, era necesario matar al ídolo y volver a empezar.

Don’t let me hear you say: Life is taking you nowhere

Colaboraciones hubieron muchas para mediados de los setenta. Tanto en su propia música como en la de otros. Lo que Bowie tocaba lo convertía en oro. Escribiendo el máximo hit de Mott The Hopple “All The Young Dudes”, reviviendo la carrera de Lou Reed produciendole Transformer y presentando a Iggy Pop a una nueva generación de locos con The Idiot y Lust For Life. Colaborando en sus propios discos con artistas tan dispares como Rick Wakeman en “Life on Mars?” o coescribiendo canciones junto a John Lennon como la fenomenal “Fame” para su nuevo clásico Young Americans

Este ya era un Bowie diferente, sin maquillaje. Un tipo cool bien vestido; un duke blanco adicto al neo funk de Station to Station. Adicto a la cocaína también. Produciendo música que lo llevaría a ser el primer artista blanco en aparecer en Soul Train gracias al éxito de “Golden Years”; aunque dice no recordarlo por estar perdido en una maleza del diabólico polvo blanco. Entre tanto exceso, era necesario tocar fondo. Era necesario volver a reinventarse.  
A New Career in a New Town

Dejando atrás el ruido, las drogas y la década que estaba por desplomarse; Bowie se instaló en Berlin junto a Brian Eno atraído por los sonidos fríos de un nuevo movimiento musical que tomaba fuerza en el país alemán: el krautrock. Junto a Eno, el productor Tony Visconti, su guitarrista Carlos Alomar y colaborando con Robert Fripp de King Crimson, Bowie construyo dos de su mejores obras en 1977: Low y Heroes. Discos en donde fragmentó su sonido y lo reconstruyó con melodías ambientales, paisajes oscuros y tonos desafiantes.


Un tercer disco de esta etapa; Lodger, aparecería para cerrar la década de los setentas. Una década cuyo sonido Bowie ayudo a definir, convirtiéndose en un maestro de la auto invención una y otra vez, mostrándole al mundo sus mejores cartas.

Put on your red shoes and dance the blues

Con la aparición de MTV a inicios de los ochenta el aspecto visual tomo una nueva forma. El videoclip se convirtió en una extensión de la música.  Bowie inauguro la década con “Ashes to Ashes” (del genial LP Scary Monsters) una canción en donde revisitaba al personaje de Major Tom; ahora un viajero espacial perdido en su locura producto de los excesos. El surreal video lo mostraba  vestido de payaso, caminando desorientado por una playa  mientras imágenes de su pasado lo aturden. Obviamente autobiográfico.

Con la ayuda de Nile Rodgers guitarrista y cerebro detrás de Chic, David edita su disco más comercial y accesible: Let’s Dance cuya canción título se convierte en uno de los singles más significativos de la década ochentera. Dos éxitos más de ese LP: “Modern Love” y la estupenda “China Girl” (original de Iggy Pop) así como su dueto con Mick Jagger del cover de la canción “Dancing In the Streets” terminan de convertir a Bowie en una estrella para la generación MTV. Ahora convertido en un elegante “crooner” con el pelo rubio su música empieza a tomar un matiz más simplón, más bailable, más pop. Pero todos sabemos que esa etapa no iba durar mucho. No cuando sos el camaleón por excelencia. Todavía faltaba que una generación totalmente nueva lo descubriera: la generación X de los noventa.


Black Tie White Noise

Queriendo regresar a una especie de anonimato, David forma la banda Tin Machine junto al guitarrista Reeves Gabriels y edita dos discos bastante sólidos. Regresando a su carrera de solista, los discos Black Tie White Noise y Outside pasan un tanto desapercibidos a pesar que bandas como Nirvana cuyo cover de “The Man Who Sold The World” presentan a Bowie a una nueva generación de chicos. A mediados de los noventa Trent Reznor invita a Bowie de gira junto con Nine Inch Nails y la amistad los lleva a colaborar juntos en el disco Earthling. El videoclip para la canción “I’m Afraid of Americans” se convierte en uno de los más premiados por MTV.

La edad no lo convirtió en un artista melancólico que se dedicaba a cantar sus viejos éxitos; al contrario lo empujó a seguir creando inclusive incorporando nuevos arreglos a viejas rolas. Heathen del 2002 y Reality del 2003 ponen al veterano rockero en las listas de favoritos de esos años. Pero luego vendría el silencio. El largo silencio.

Where are we now?

La siguiente década es marcada por un largo “hiatus” en donde Bowie se dedica a la actuación en cine y colaboraciones esporádicas con artistas del nuevo milenio. Es invitado para aparecer en canciones de Kaiser Chiefs, TV on The Radio y Arcade Fire entre otros. Rumores de su salud solo crecen por el largo periodo en donde no da entrevistas ni conciertos en vivo.

Luego en 2013 reaparece con The Next Day (trabajando de nuevo con Visconti). Musicalmente en forma óptima a sus 67 años, el disco le gana elogios. Recogiendo sonidos de su pasado y mutando melodías nuevas. Hay un tono sombrío en estas canciones. “Valentines Day”, “Love is Lost” y “The Stars (Are Out Tonight)” son reflejo de un sentimiento diferente, introspectivo y bastante más obscuro.

Lo que no sabíamos era que Bowie estaba muriendo. Pero en vez de revelarlo al mundo quiso convertirlo en su última obra maestra. A inicios del 2016 se edita Blackstar y el vídeo de “Lazarus” nos presenta al último personaje en la obra: débil y temeroso con los ojos tapados viendo hacia la oscuridad, hacia la incertidumbre del último viaje (o será el siguiente?). Un final magnifico a una carrera que solo puede ser descrita como monumental.


David Bowie fue un artista incansable, un explorador del arte que vio la vida con un lente muy diferente. Nunca busco gustarle a todos, nunca busco llegar a todo el mundo. El mundo llego a él. Su magnífico viaje encanto a todos los que quisimos escucharle. Siempre fue único, original, raro, un verdadero “outkast”; pero ante todo, nunca renuncio al espíritu de crear. Ni cuando la muerte le tocaba la puerta. Siguió firme en su búsqueda por el siguiente paso hacia territorios nuevos. Donde el arte se acercara al alma. Desde Major Tom hasta Lazarus. Volando más alto. Sorprendiéndonos una y otra vez. (Francisco)

15.1.16

Mi top del 2015

Para no derramar 500 palabras describiendo un disco que es mejor oir, aquí les va un haikú de reseña de mi disco favorito del 2015.
Cancer Bats - Searching for Zero (Metal Blade Records, 2015)

cero a cien
en un segundo
violación



13.1.16

Documental: Metal Evolution

Oigan bien amantes del metal, sus oraciones han sido escuchadas. Pasen al salón de clases con esta magnifica serie Metal Evolution que durante 11 episodios de 1 hora trata de hacer un estudio sobre el metal y todos su subgéneros. Con mas de 300 entrevistas a los actores principales y prestando atención en las influencias, bandas, discos y canciones clave, la serie recorre desde los inicios del genero hasta todos los subgéneros pasando por el Black, Glam, Trash, Death, Nu Metal, etc. Desde lo viejo hasta lo mas nuevo. Pocas veces he visto yo un estudio tan detallado hasta las profundidades de un genero. Admirable trabajo que dejara a los mas exigentes bastante satisfechos. ImI ImI. 

Empiecen aquí: con el primer episodio (hagan clic en el texto): 

Metal Evolution - Episódio 01: Pré-Metal


2.1.16

Mi Top 10 del 2015



Israeli Salad


Alchemist, Israeli Salad. Hip Hop instrumental digno de cualquier producción de Madlib o J Dilla, pero con el sello Alchemist, y la salsa israelí producto del crate digging que fue a hacer  Alchemist a la "tierra prometida".  Destaca por lo accesible que es, sin dejar de aburrir. Los samples de batería pegan duro en cada rola, y se casan de manera ideal con los samples pop vintage. Sin duda el album que más he escuchado este año. 







La Diversión Que Hacía Falta E
n Mi País
Los Pirañas, La Diversión que Hacía Falta en Mi País. Suenan como a Captain Beefheart tocando cumbia, o como a una Maldita Vecindad más desquiciada, más psicodélica pero sin voces. El ritmo desarticulado, producto de una mezcla entre la historia de la música tradicional colombiana - una música que le debe tanto a su pasado africano, indígena y blanco -  con el feeling del pop-rock clásico latino. No es por nada que logran interpretar a su salsa una rola de Spinetta. regresando de esta manera al estilo rock psicodélico que transpira este album. Es lo más original que oirás este año.  




Nothing


Kode9, Nothing. Uno de los padres del dubstep (el verdadero), saca su primer album solista y es una bomba de música bailable moderna, aunque no lo parezca. Mezcla perfecta de dubstep clásico, de footwork y de grime, en un ambiente de película de horror. Disco refinado, que hipnotiza. Nada más que decir.







Negative Feedback Resistor

Destruction Unit, Negative Feedback Resistor. Punk, psicodelia setentera, un especie de shoegaze, voces ahogadas, y un gran trip. Lo han descrito como "space punk". En todo caso es música actual que demuestra que existe un sinfín de avenidas para explorar maneras de hacer converger los estilos del pasado, con influencias actuales, y hacer música original. Es un disco que retoma las cosas donde las dejó The Men, otra banda de Sacred Bones, cuando sacó su disco Leave Home en 2011.  





Non Stop Feeling

Turnstile, Non Stop Feeling. "If feeling is what they want, - -oh yeah!- then feeling is what they get." Este disco para ser revival crossover de los noventas a primera vista. Y lo es, pero no solo. Es un disco adictivo, enérgico, que retoma claves del pasado para construir un sonido nuevo. Coincidentemente, vienen de la misma ciudad que otra banda que aprecio bastante, Dope Body, que también tratan de retomar claves noventeras (RATM, Leeway, Downset), para hacer música original, de esta década. Y en ambos casos, logran música que suena fresca. Eso, y el hecho que el disco esta plagado de breakdowns imparables.




Beneath California




Retox, Beneath California. The Locust sin máscaras, sin frenesí tecno mutoide grindcore. O sea, rocanrol de punketos que juegan con convenciones extremas punk, de todo tipo, pero en velocidades rock. Lo que sea. Lo importante es que suena bien. Retox propone un tercer album que consolida el estilo y la reputación que han construido estos años. 






A Raw Youth
Le Butcherettes, A Raw Youth. En realidad, deberían llamarse Teri Gender Bender y Le Butcherettes, por lo indispensable que es la presencia de la cantante en el sonido, la estética y la actitud de la banda. A Raw Youth, album producido por Omar Rodriguez, con participación de Iggy Pop y de John Frusciante, es un album rock,  al límite entre el sonido garage y heavy rock, canalizando el espíritu de las Runaways y de Frank Zappa en ocasiones, pero con una estética moderna, dinámica, más parecida a Antemasque o a Bosnian Rainbows (grupo en el que canta), pero más pesada que ambas bandas. Es un excelente entrada al mainstream por parte de una banda que, parecería, que los dioses quieren que estalle.




The Wild Animals In My Life

Flesh World, The Wild Animals In My Life.  Banda (post) punk, banda new wave, banda queer, Usted escoja. Lo importante, siempre, es la música. Y este esfuerzo de Flesh World es fabuloso. Melódico, melancólico, nostálgico, y más refinado que el último disco que sacaron, con una vibra que puede recordar a The Smiths como a Sonic Youth, de un solo. Me recuerdan, también, a Women, pero con más energía.







The Agent Intellect



Protomartyr, The Agent Intellect. Banda de Detroit, que suena como si fueran de Manchester. Herederos del imaginario de The Fall (o  más bien, de Mark E.Smith, por el tono vocal) de Mission of Burma, y del imaginario post punk en general. Suenan parecido a Disappears. Son un post punk con una producción más clara, pero la inspiración es un sonido más underground que el que maneja Interpol por ejemplo. Con un toque slacker rock muy bienvenido. Oigan Pontiac 87, quedarán enamorados.



Third Side Of Tape
Lil Ugly Mane, Third Side of Tape. Sensación del Internet. No sabía nada de este chavo hasta que vi que su album aparecía como uno de los mejores albumes del año en rateyourmusic.com. Esto desde hace rato. Ahora aparecen dos producciones de él en la primera página del sitio y el último disco que sacó fue el 18 de diciembre. Huele a que tiene un ejército de geeks detrás, o fanáticos. No es un productor que hace mucho merca para sus producciones, y mantiene un estilo de outsider misántropo, que no quiere divulgar mucho su trabajo. Pero tiene fama y talento. Lil Ugly Mane es un productor de hip hop instrumental (en esencia), pero no se limita a esto. De hecho, todo el interés de este disco, que dura más de dos horas, es que Lil Ugly Mane cambia de manera constante de estilo musical, pasando de hip hop oscuro a folk, a drone, a coldwave... y todo encaja perfectamente, como si fuera un mixtape muy personal, producto de un mundo paralelo, en el que las barreras de estilo pesan poco. El disco en realidad es una compilación de obras previas, pero la manera como todo esta estructurado lo vuelve una composición propia.