Dope Body - Natural History (2012)

En los dos-miles mantuve una fascinación por música de corte punk-hardcore-metal, pero que no se contentaba con ser un festival de power-chords, corte mohicano con o sin fleco y equises en las manos. Era música que violaba las formas de los estilos, pero se mantenía intensa, como ella misma, desnuda, directa, brillante.

Siempre me ha gustado la música así. Es decir, un conjunto de bandas y artistas que logran la ilusión de romper como si nada fuera con las normas dentro de un mundo, en apariencia, sin normas, pero que si se mantiene por la (re)producción de un mismo universo, musical, social, estético.

Hay que admitir que en esta nueva década, las cosas estan cambiando. Que las bandas estén buscando nuevas formas de romper con la estructura clásica de una canción pop, no cabe la menor duda. Pero tal vez no se trata más (por el momento), de hacer "mathcore", "mathrock", "postrock". Tal vez, se trata ahora,  en los mejores de los casos, de retomar el entusiasmo ingenuo del rock original, y hacer con esto, algo nuevo.

El disco Natural History de Dope Body encaja aquí, como el sonido de un grupo que sabe inspirarse de los sonidos de antes, para hacer algo propio. Si me preguntan ahorita a qué suena Dope Body, les diría que es una mezcla entre noise rock, The Clash y Faith No More. The Clash, por la voz y los leves toques de rock-reggae. Faith No More, por el hecho que estos fueron una de las bandas más originales de los noventas, y mantuvieron un estilo que nunca fue fácil de catalogar. No olvidemos el toque "noise-rock", "indie punk" que tienen, que me recuerda tanto a Shellac como a contemporáneos como Young Widows, Baseball Furies o a los nerviosos Savy Fav. Por el estilo del guitarrista Zachary Utz, te diría que no suenan a nada parecido. Es sonido "alien".

Pero más que esto, Dope Body es sin duda una de las bandas más refrescantes que he oido ultimamente, porque su música es de una dinámica propia. No tiene nada que ver ni con la moda del garage rock actual, ni con el revival psicodélico, ni menos con el revival new wave. En ese sentido se parecen más a una banda como The Men, que surgió recientemente del underground noisy, y se convertido en una banda de rock más convencional.  Pero estos lo hacen con una gama de sonidos mucho más amplia y más abierta "a lo que sea".

The Who - Who´s Next

El fracaso jamás sonó tan bien. Fracaso porque Who´s Next  fue el resultado del fallido proyecto Lighthouse que Pete Townshend ideo como pieza conceptual siguiendo el éxito de Tommy dos años antes. Lighthouse nunca despego y The Who decidió sacar las canciones que lograron terminar en este periodo como Who’s Next, un disco que a todas luces cimenta el legado de la banda como una de las mayores “pateaculos” del canon rockero. Este es el disco donde se cumple la promesa, donde se rompen las ataduras con la vieja escuela y se eleva el rock a los altares. Who´s Next captura al grupo en su etapa más frenética y explosiva. Con abandono total y rebelión en la sangre. Su etapa más punk.  Hay que estar bastante vació del alma como para no sentir nada al escuchar rolas como “Baba O´Riley” con su inolvidable: “don’t cry, don’t braise you eye, it´s only Teenage Wasteland!...” o cuando “Behind Blue Eyes” cambia de balada solitaria a marcha triunfal empapada de teen angst.

 The Who nunca sonó mejor: Townshend empuja los límites de la guitarra y se atreve a   incorporar sintetizadores en la furia sonica de sus composiciones. Roger Daltrey canta como si la voz se le fuera extinguir y tuviera que dejar lo mejor de sí en cada grabación. Ni hablar de la sección rítmica: bajistas y percusionistas de todas las edades están obligados a oír este disco. Quemen sus libros de música y olviden los ejercicios repetitivos que les dejo su cuadrado maestro. Aquí el caos es rey, y el caos suena fantástico. John Entwistle baila sobre las cuerdas del bajo, no lleva el ritmo (eso ya se hizo), lo re inventa. Keith Moon  toca como le da la gana: saca el loco que lleva dentro y lo estrella sobre los tambores. Oigan “Bargain”, “Going Mobile” o “Won’t Get Fooled Again” y entenderán lo que digo. Moon le agrega humor, velocidad y demencia con el frenesí que crea tocando la batería. Simplemente inigualable.

La versión original de Who´s Next tenía solo nueve canciones pero vale la pena conseguir las re ediciones que traen rolas inéditas y que el grupo grabo para el Lighthouse pero al final no incluyo. Créanme que lo vale. Canciones como “Pure And Easy”, “Naked Eye” y “Too Much of Everything” fácilmente superan algunas  que si terminaron en el disco. Óiganse el cover de “Baby Don’t You Do It” para una lección de cómo debe sonar una banda en conjunto con Moon liderando y subiendo la velocidad junto a los demás músicos hasta hacer estallar la melodía como bomba molotov.  

El sonido de todo rompiéndose y volviendo a nacer. El sonido de una de las mejores bandas reinventándose para bien o para mal. La mejor prueba de que es la química y no la virtousidad entre los miembros de una banda que hace que trascienda. El sonido de cuatro tipos en la portada del disco meando sobre una piedra, mandando a la verga el mundo.  (Francisco Valdes)

Cine: Sound City

Dave Grohl decidió lanzarse al campo de dirección con este documental sobre el mítico estudio Sound City en Hollywood California. Lugar donde se grabaron algunos de los discos mas iconicos de las ultimas décadas.  Por ahí salen caras conocidas como Corey Taylor, Trent Reznor, Josh Homme y Tom Petty entre otros. Recomendado para todos ustedes músicos, productores, ingenieros en desarrollo y fans de cuando se hacia música sin computadoras.

Si no me he ido es por volverte a ver…

Luego de casi 15 años pelón han pasado muchas personas y muchos shows que han marcado esa opción de vida, y el 19 de enero no fue la excepción. Kaos Urbano es una de las bandas que, junto a otras muchas; son parte fundamental de la filosofía contemporánea de este estilo de música que gusta a muchos. Este pequeño artículo pretende ser una reseña de dicho show.

Todo comenzó luego de la comida en la casa multicultural de Sammy Dead donde compartimos algunas cervezas, platicamos de la situación actual nacional y tomamos más cerveza. Ya algo entonados, a eso de las 6 de la tarde nos dirigimos hacia el bar donde se iba a llevar a cabo el evento en la 5ta. Avenida de la zona 1. Al llegar, con más cervezas con nosotros; nos encontramos con varios amigos y conocidos con los que estuvimos platicando y compartiendo acerca de la expectativa que teníamos de dicho show, sobre todo los que ya llevamos algún tiempo siguiendo a esta banda icónica de Madrid.

A eso de las 8 de la noche comenzó el evento. El mismo fue abierto por Neurotóxico, banda de thrash que ha ido abriendo su camino, tanto en los shows de punk como en los de metal. Como siempre, la alineación tocó como se esperaba: rápido, con poder y con esos riffs que hacen que levantés tu mano saludando con los cuernos.

Luego de ellos, tocó el turno a una de las bandas de punk más antiguas que ha tenido Guatemala, Los Hijos de su Madre. LHDSM, con un nuevo miembro –el Emma- llegaron con su bonito porno punk y canciones como Me Pela La Verga, coreada por todos los asistentes, incluso los más jóvenes que fue algo que me gustó mucho porque es cuando te das cuenta que a pesar de todos los que ya no están, las peleas y los problemas, algo se ha hecho y se ha logrado por esto que nos gusta. Acompañaron su set con varios covers de 2 Minutos y The Misfits que también fueron coreados por los amigos que nos acompañaban desde el otro lado del Atlántico.

Ya con el Emma sudadito, fue el turno de Trinky con su estilo ska punk que tanto gusta a esta nueva camada de chicos y chicas que bailaron durante todo el set. Lo que me gustaría destacar y agradecer a mis amigos Bobby, Zike, Emma y Frito es que han sido los encargados de mantener viva entre la nueva escena de punk el espíritu del ska y rocksteady tradicional que incluso hizo que los chicos de Kaos llegaran a bailar con nosotros. Gracias raza!!!

Tocaba el turno de Kaos Urbano. La banda fue recibida con gritos al mejor estilo de un estadio coreando su nombre acompañado de palmas. Con esa característica de poder y violencia que tienen las letras de la banda, acompañadas por un voz garrasposa, el show dio inicio con uno de los himnos de la banda, En Pie de Guerra.

Luego de dicha canción desfilaron muchas otras como Morir Matando, Nacidos del Odio, Generación Perdida, Te Olvidaste de Matarme al Nacer, Por Volverte a Ver, y muchas otras. Cabe destacar que venían acompañados para seguir la gira en México por el integrante de una muy buena banda de punk del vecino país, Los Garrobos, de los cuales tocaron un cover. Banda muy recomendada.

Al final del show, Sammy estaba completamente borracho, yo tenía garganta destrozada –que desembocó en una infección que me tiró durante varios días a la cama-, un catalogo de Bam Bam Records y dos camisetas de Kaos Urbano –los discos ya los tenía-. Puedo decir que ha sido uno de los shows que más he disfrutado y que mejor forma de iniciar un año que promete mucho.

Les dejo dos canciones, de mis favoritas de ellos por si no los conocen o se les pega la gana escucharlos. Saludos!!!!!


http://www.youtube.com/watch?v=vDtpPijGIrM



http://www.youtube.com/watch?v=kQhNe1uad0w

The Mars Volta, No More

The Mars Volta fue probablemente, en su momento, el mejor antídoto para el corazón roto de los fans de At The Drive-In, que habían visto a su banda favorita desvanecer en el apogeo de su carrera. Fue igualmente una revelación para todo otro grupo de fanáticos de sonidos "prog", o de fans del rock setentero de Led Zeppelin.

Hoy me entero de la disolución definitiva de The Mars Volta, y solo me quedan un par de cosas por decir. Qué alivio y qué ansia de ver a donde van ahora.

Se veía venir, que conste. el último disco de Mars Volta, Noctourniquet decepcionó a más de uno (no a mi), sobre todo porque para muchos ya no sonaba "exactamente" como Mars Volta. Sonaba, como un proyecto de Omar Rodriguez, el eterno compositor de todo lo que se le ocurre. De hecho, Omar siempre ha sido el compositor principal del Mars Volta... pero la química entre él y Cedric Bixler era lo que movía a la banda, y por eso no era un proyecto de más. Me entero en el comunicado de Bixler justamente, que simplemente se cansó del despotismo de Omar, y que si bien él quería seguir con Mars Volta, no podía aceptar la evolución que planteaba OR. Era de esperarse... Omar no aparenta ser la persona más amable, probablemente es un genio come mierda, como muchos que hay, y por suerte su comemierdismo es justificado y hasta debería ser deseado, si continua produciendo música de calidad, como lo ha hecho, más seguido con Mars Volta, todos estos años.

Pero tal y como la mezcla de estas dos personalidades, enfocadas en hacer un tipo de música, ya sea el fabuloso punk de ATDI o el fabuloso viaje progresivo transgénero de TMV, era una explosión  de sentidos bastante dramática y gratificante para el oyente, tal explosión, por ser tan intensa, supongo, debía acabarse. Nos dieron 10 años al fin de cuentas.

Así  que les deseo lo mejor a estos dos grandes músicos de nuestra época, y espero que la ruptura, como la fusión pasada, sea igualmente una fuente de creatividad tan profunda y refrescante como la que hemos visto hasta ahora.

¿ Qué podemos esperar en el futuro?

Les dejo con dos ejemplos de trabajos recientes de cada uno, que tal vez puedan indicarnos hacia donde se dirigen estos dos cometas:





Bosnian Rainbows, el nuevo proyecto de Omar Rodríguez: Anywhere, el proyecto de Cedric Bixler que surgió el año pasado, acompañado de miembros de Triclops!, The Minutemen y Sleepy Sun.

Albumes anticipados del 2013

Bueno jóvenes, les deseo lo mejor para este inicio de 2013, y les deseo sobre todo que descubran nueva música (nueva o vieja) que los inspire, los conecte, los impresione y que los moleste.

Aquí les va una lista de discos que caeran este año (en orden de importancia claro), aparentemente algunos, otros confirmados, otros tal vez no.

Banda: My Bloody Valentine - Título: ni idea - ¿ Cuando? Iminente. A notar que es solamente el tercer album que estaría sacando en su carrera.  Y viendo que viejas bandas de esas épocas han estado sacando perlas, hay razón para ser optimistas.

Banda: Queens Of The Stone Age - Título. ni idea - ¿ Cuando? Originalmente para marzo, pero por lo visto no hay fecha precisa. Solo que estarán tocando durante los festivales veraniegos, por lo que tendra que ser durante este primer semestre que salga. Dice Josh Homme que lo grabado con Dave Grohl suena como "correr en un sueño".

Banda: Wu Tang Clan - Título: ni idea - ¿Cuando? No se sabe, pero definitivamente, "coming soon".

Banda: Depeche Mode - Título: ni idea - ¿Cuando? Aparentemente, en marzo. Aparentemente, suena como Violator y Songs of Faith and Devotion, eso es, si le creen a Martin Gore .

 

Banda: The Knife - Título: Shaking The Habitual ¿Cuando? El 8 de abril 2013. 

Banda: Foals - Tîtulo: Holy Fire ¿Cuando? Febrero.

 

Banda: Nick Cave and the Bad Seeds - Título. Push The Sky Away ¿Cuando? Febrero.




Banda: Low- Título: The Invisible Way - ¿Cuando? Marzo. 

Banda:  The Bronx - Título: IV - ¿Cuando? 5 de febrero.

Banda: PVT - Título: Homosapien - ¿Cuando?  8 de febrero. 

Banda: Pissed Jeans - Título: Honeys ¿Cuando? 12 de febrero.  

Banda: Shai Hulud -   Título: Reach Beyond The Sun ¿Cuando? 19 de febrero. 

Banda: The Dillinger Escape Plan - Título: Ni idea - ¿Cuando? Falta. Ya que estan todavía, en estos momentos, grabando.

Banda: The National - Trabajando, lentamente. 

Banda: Texas Is The Reason - Título: Retrospectiva de su carrera, con canciones inéditas. ¿Cuando? Febrero. 

Banda: Cannibal Ox - Título: ni idea, pero el album esta prometido. 


Banda: James Blake - Título: ni idea, pero debería salir pronto. 

¿Quien hace  falta en esta lista? 

Top Cinco: Vocalistas

Esas voces particulares, únicas  e irrepetibles. Esas voces que por sí solas son un género sonoro.  Mis cinco vocalistas favoritos no necesitan ser los más potentes (no es concurso de opera) sino tener una voz con personalidad propia. 

1. Joey Ramone

2. Little Richard

3. Jeff Buckley

                                                    

 4. Howling Wolf

  5. Trent Reznor

            
       



                CUALES SON LOS FAVORITOS DE USTEDES?

De Copyright y Otros Cuentos

Leyendo esta nota reciente sobre una demanda contra Alicia Keys por copiar una frase de una canción antigua me hizo pensar mucho. No por la señorita Keys necesariamente sino por todo este tema sobre quien es dueño de que en la música popular. La absurdidad del copyright aplicada a un genero artístico (la música) que se recuesta sobre los cimientos de robarle a un estilo o a un artista para crear otro nuevo, ósea para seguir evolucionando; no me suena lógico.

Y es que la mejor música que nos gusta a ti y a mi es producto del hurto creativo que ese artista hizo de otros artistas. Si, lo dije. Imponer leyes o demandar regalías porque tu canción se parece a la mía es francamente obsceno. Ojo que no estoy hablando de cobrar por usar tu grabación (ese es otro tema que también me hierve la sangre pero que no discutiré ahora), sino de que un artista más viejo que otro (o los representantes del patrimonio del mismo) demanden legalmente al más nuevo porque esa rola o esa idea tuya yo ya la pensé antes.

Un poco de historia para poner contexto.

La mayoría (sino es que todos) los géneros de música popular como el rock, el pop, jazz, merengue, hip hop, etc. Se crearon sobre la base de otros géneros y tendencias ya existentes.  Por ejemplo, el rock n roll es un híbrido bastardo del blues, country y R&B, géneros que por su lado también combinaban otros géneros (el blues por ejemplo le debe mucho al góspel y a las melodías folklóricas del campo enraizadas a finales del siglo XIX). El Hip Hop tuvo sus raíces en el funk y la música disco que su vez tuvieron su base en el soul de músicos como James Brown y Sly Stone por mencionar algunos.

Ese mismo árbol genealógico podemos trazarlo para cualquier género, creo que se entiende el ejemplo. El error esta en pensar que porque un genero o un artista vino antes entonces su merito es intocable y ningún otro puede igualarlo (peor aún, deben pagar si le quieren copiar). Nada más absurdo. Es la “rueda de la evolución musical” la que la hace emocionante. Es dentro de esa rueda donde la combinación desata genialidad. Es la “orgia de sonidos y letras” la que crea cosas nuevas y emocionantes. Todo está en ser creativo en la combinación de influencias que se tienen.

Tu artista favorito es un ladrón y eso es muy bueno.

A muchos de los mejores artistas se les ha acusado de plagiadores. Elvis Presley fue tachado de imitador barato de la música negra y los Beatles de sacar todas sus ideas de Chuck Berry y Little Richard cuando empezaban a hacer bulla en Inglaterra con conciertos cargados de rock relajero y adolescente. Muchas han sido las veces que me han dicho: Led Zeppelin copio sus riffs y sus letras del blues de Robert  Johnson y Willie Dixon.

Ray Charles hizo toda una carrera de ponerle letras sexuales a melodías de góspel que él no invento.  Bob Dylan fue etiquetado por la bohemia de Geenwich Village a inicios de los sesenta como una simple copia de Woody Guthrie.

En lo ochentas, los artistas más creativos del Hip Hop como Public Enemy, Beastie Boys y Run DMC eran reprobados por la vieja guardia del rock por samplear grabaciones originales como si el arte del “sampleo” fuera cosa fácil.

Ni hablar de la cantidad de riffs robados de Black Sabbath que le he escuchado a Alice in Chains y Soundgarden. No digamos Pearl Jam cuyos dos guitarristas han cimentado su carrera en re inventar solos y riffs de Neil Young y los previamente acusados Led Zeppelin.

Bandas que nos parecen de otro planeta como Pink Floyd, Radiohead y Tool han sacado uno que otro riff de melodías no tan conocidas del Jazz. Y hasta ellos lo admiten!

Lo mejor de todo es que tanto plagio no le quita ni una gota de merito a todos estos artistas. Y porque?.  Porque el plagio es bueno  cuando se usa para crear algo totalmente nuevo. No es eso una contradicción?  Pensaran ustedes. Plagio y originalidad parecen no ir en la misma oración.  Pues en la música que ustedes oyen sí. El plagio empuja las cosas a horizontes nuevos. Ninguno de los artistas que mencione arriba me suenan a otro más que ellos mismos y ahí está el detalle diría un comediante mexicano muy famoso: Se vale robar en la música siempre y cuando sea para crear algo nuevo. Lo han sabido los más grandes y seguirá siendo así. Se vale, se celebra y hasta nos conecta con nuestros ante pasados.

No te ahueves mi bella Alicia

Al punto regreso con Alicia Keys ha quien uso de ejemplo. Dependerá de ella y su seso creativo de hacer algo nuevo con lo que se robo. Si su música es buena o mala no necesariamente estará ligada o robarse ideas o frases de canciones viejas. Peor aún será que la policía del copyright le quiera cobrar en nombre de saber que cantante limitando así las opciones que ella tenga en el vasto universo de música grabada que la humanidad ha ido recopilando.

Deja de que pensar esto de “proteger” las ideas de otros. La única conclusión que yo saco es que dichas leyes sirven para proteger solamente los ingresos de disqueras y multinacionales que poco a poco se han ido debilitando gracias a los avances en descargas ilegales así como la creciente demanda por dejar la música libre para que sea difundida entre quienes quieren oírla y mejor aun, quienes quieren usarla para reinventar la rueda musical: Los artistas.

QUE PIENSAN USTEDES?

Top Cinco albUmes del 2012 - Anus Pija

Vivimos en una época de Atention Deficit Disorder (ADD). Una época en la que todo nos empuja a consumir información de la manera más rápida y desordenada posible. Gracias a los saltos de la tecnología de la comunicación, no tenemos escusa para no "saber" todo, cualquier cosa, guarever, instantáneamente. Y esto, en el campo de actividad/vida/conocimiento profano que sea.

El consumo de música también, claro,  en la manera como  el internet ha cambiado nuestra relación al respecto, me parece ahora "exagerado" ya que las capacidades para descubrir música, y descargarla y almacenarla nítidamente, con portada y todo,  nunca han sido tan favorables, por lo que la "biblioteca" de

Pero esto, mantengo, no siempre es positivo. Es como la crítica que muchos le pueden hacer al Ipod: tener 32 gigabytes de música, pongámosle, en un aparato portátil, que uno usa "mientras hace otras cosas" como transportarse, caminar de un punto A a un punto B, hacer ejercicio, estar en una fiesta, etc... ¿ es necesario? ¿Realmente, en toda honestidad,  le estás poniendo atención  a TU música? ¿Yo puedo reconocer que no. No lo estoy haciendo, en estas condiciones.

Por ello, la necesidad de tomarme el tiempo de escuchar música, cómo machito, o sea, sentándome y dándole la atención necesaria, esa que quiere el que hace la música, que le des a su creación (es la mínima cortesía, considerando, además que el 99,9% de guatemaltecos descargamos música ilegalmente, pero eso es otra historia...).

Por lo tanto, la única lista que les puedo ofrecer compas, es una lista temática, centrada en bandas del 2012 que han hecho música dificil, elaborada, que toma tiempo en revelarse, como una película de fotografía, ¿saben que película? Esa de las viejas.

1. Swans - The Seer. El arte del viaje  tortuoso conceptual, como solo ellos saben hacerlo, lo cual es más fácil decir que hacer, sabiendo que es una banda que nace en 1983, pararon de hacer música juntos en 1996, y "reinician" en el 2010. Se trata de una obra oscura, bella, estridente... con una estructura de composición totalmente libre. Un viaje profundo. Casi aproximando el campo de la música orquestrada contemporánea. Yo no tengo amor por el atajo pop en el 2012, casi que.  

2. Goodspeed You! Black Emperor - Alelujah! Don't Bend, Ascend. El disco que más necesitamos, para liberarnos de la ADD. El "gold standard" del posrock. Algo evidente y no tan evidente a la vez, en el sentido que suenan como la banda que inició todo el estilo musical este, pero nadie se les acerca en términos de calidad y de originalidad, aún si todas las bandas de post rock persisten en imitarles ( a ellos y a Mogwai claro). Godspeed, para los que no los conocen, producen viajes musicales más que hacer música. Son viajes largos, con cambios inesperados y una batería "cabal", que le da ese toque de agresividad necesaria a la música para elevarse a niveles dramáticos inesperados. Ayuda el hecho que sean personas humildes, con ética DIY, punk, política, o como quieran llamarle. Ayuda el hecho que no pretendan más que hacer "su punk rock", a su manera, y que el resultado sea siempre mayor que las partes. Sería un error no comprender "Mladic", el opus inicial de 20 minutos, como una mirada crítica hacia la región irviente de la geopolítica mundial.

3. Chromatics - Kill For Love.  Sería fácil ver el nuevo disco de los Chromatics como un disco más que resarce los 80as newaveros, porque es lo que está de moda. PERO - y esto me lo enseñó el pésimo album de M83 del año pasado -, es un universo entero el que separa las bandas que se inspiran del new wave valioso, ese new wave existencialista y propiamente flegmático, de las que se inspiran simplemente del new wave de yuppies asquerosos (The Cars?), para que su música termine en comerciales de carros y en pasarelas de alta moda. Este, siendo próximo de la primera categoría, es un disco de un romantismo sonámbulo que no se ha visto desde que The Cure dejó de hacer música relevante, o desde que los Deftones terminaron su White Pony.  

4. Extra Life - Dream Seeds. El disco nuevo que más oí  este año, solo para "comprender" de que chingados se trata... Extra Life hacen música (más  bien "hacían", se acaban de desbandar) que se nutre de la perturbada y muy imaginativa mente de Charlie Looker. Por ahí, en el ciberespacio, hablan del sonido de Extra Life como una mezcla de "math rock" con música del "Renacimiento" (entiéndase música de flautas y tambores medievales, que solo le  podría  gustar a un trobador visigodo, o algo así). Desde mi punto de vista, su universo musical se adecua mejor a lo que hacen bandas como Oxbow, Enablers y... Tool. Tool primero, sobre todo por esa complejidad musical, esa belleza y esa extrañedad malsana que despeja. Oxbow y Enablers enseguida, por ese ritual noise crudo y salvaje,  mezclado con auténtica prosa, que le dan a Extra Life una dimensión "extra" (ja!), que solo ha fortalecido su sonido. Lástima que se terminó tan temprano.

5. Burial - Kindred EP. ¿Hay derecho de poner un EP en tus top cinco albUmes (énfasis en la U)? Lo afirmo.  Además, si no hubiera puesto este album hubiera puesto el split entre Converge y Napalm Death de todos modos, que creo que es todavía más corto que este. Pero en cualquier caso, la lucha contra el ADD globalizado no se hace solo, forzosamente, con obras lentas y tortuosas. Esta lucha se hace con música densa en sentido, en capas, en descubrimiento. No forzosamente en "tiempo" (que todos sabemos, es cuanticamente relativo). En cualquier caso, lo que es fascinante con este album de Burial es que vuelve a hacer lo que hizo hace unos años con "Untrue": revolucionar la música electrónica bailable y oscura, demostrando que él es el genio más grande de las nuevas olas de música bailable alternativa. Considerando que Burial inspiró en gran parte el dubstep beat, es notable que la evolución de estas tres rolas nos lleva a la constatación siguiente: Burial no necesita ese beat para hacer gran música, y lo prueba. Esto demuestra hasta qué punto el artista se puede desligar de "su marca", para hacer lo que él quiere, hacerlo en su forma y estilo, y hacerlo bien. Valiosa lección.

Otros discos recomendados:  Split Converge/ Napalm Death ("No Light Escapes" es la mejor canción del album que sacaron este año, de todos modos, y lo hacen al lado de las pocas leyendas vivientes y aún relevantes del grind ). The Evens - "The Odds" ; Liars - "WIWIX" ( = lo que dejó de ser Radiohead, o sea, alternativa experimental de verdad); Death Grips -"The Money Store", "No Love Deep Web" (dos esfuerzos iniciales brillantes), JK Flesh - "Posthuman" (un gran fuck you al dubstep), Cloud Nothings - "Attack On Memory" (¿será el 2013 el inicio del movimiento "neo-noventas"?)

Canciones memorables que han rolado este año:

1. EL-P - "Tougher Colder Killer" (Feat. Killer MIKE & Despot)
2. The Mars Volta - "In Absentia" 
3. Death Grips - "The Fever (Aye Aye)"
4. Unsane - "Decay"
5. Death Grips - "Lock Your Doors"
6. Converge - "No Light Escapes"
7. TNGHT - "Higher Ground"
8.  Klad Hest - "Rano Pano" (Mogwai is my Dick RMX)
9. The Twilight Sad - "Alphabet"
10. Deftones - "Tempest"
11. Metz - "Wasted" (¡viva el Bleach Rock!)
12. Gangrene - "Dark Shades" (Feat. Evidence & Roc. C)
13. Action Bronson & Alchemist - "The Alchemist"
14. Death Grips - "Lil Boy"
15. Converge - "Wolverine Blues" (Entombed Cover)
16. Ty Segall - "Love Fuzz"
17. Tame Impala - "Mind Mischief"
18. Captain Murphy - "The Killing Joke"
19. Lighting Bolt - "Fly Fucker Fly"
20.  Lee Ranaldo - "Xtina As I Knew Her"

Top 5 del 2012 - Pete

Bueno, amigos lecluberos. Ha llegado la hora de ver cuáles son los discos que más nos han gustado y llamado la atención de este año que está terminando. He de decir que me parece que ha sido un año excelente, con muchos buenos discos, bandas nuevas, bandas viejas, bandas reformadas y uno que otro proyecto nuevo. Sin más, estos son mis top 5:

1. The Walking Papers - The Walking Papers: Sin duda, uno de los mejores discos del año viene de esta banda formada por varios veteranos de la escena de Seattle, incluyendo a Barrett Martin (Screaming Trees, Mad Season, Tuatara), Jeff Angel (The Missionary Position), Duff McKagan (Loaded, Velvet Revolver, Guns n Roses) e incluye a invitados como Mike McCready. Una colección de canciones con riffs poderosos por ratos, goovy y ambiental al mismo tiempo y con excelente lírica, una rareza en estos tiempos. Sobresalen: Your Secret's Safe With Me, The Butcher y The Whole World's Watching.

2. Alabama Shakes - Boys & Girls: Para muchos, el disco más esperado del año. Desde finales del 2011 se veía venir el debut de esta banda de rock sureño, que por ratos recuerda a Janis Joplin en su mejor época. Los primeros dos versos que inician el disco dicen Bless my heart, bless my soul / Never thought I'd make it to 22 years old y sirven para dar el ambiente que nos acompaña por los próximos 36 minutos. Un debut breve, pero prometedor para esta banda. Recomiendo las canciones: Hold on, Hang Loose, I Ain't The Same y Boys & Girls para transportarse a una década donde el R&B significaba algo diametralmente opuesto a lo que es hoy en día.

3. RNDM - Acts: Otra banda nueva compuesta por músicos que han sobresalido en los últimos años: Joseph Arthur (veterano de la escena indie de NYC), Jeff Ament (Pearl Jam) y Richard Stuverud (The Fastbacks, Three Fish y Tres Mts.). Siguen la clásica configuración del power trio y las líneas de bajo de Jeff Ament se pueden apreciar como en pocas oportunidades. Temas como: Look out!, Darkness y Walking Though New York dan una buena idea de lo que pueden esperar de esta banda.

4. Mumford and Sons - Babel: Con el sólo hecho de haber regresado al mainstream instrumentos como el Banjo, la Mandolina y el Dobro esta banda inglesa amerita ser escuchada. Continúa con la tradición del Folk Rock con su segundo LP, una mezcla de canciones intensas ton toques irlandeses y folk que le dan a esta banda un sonido muy característico. Aunque el éxito comercial no sea una medida de comparación, da gusto ver que el disco más vendido del año fue de música y músicos respetables. Recomiendo escuchar: Babel, I Will Wait y Broken Grown.

5. Soundgarden - King Animal: Este disco entra de colado a la lista. Sin haber tenido aún la oportunidad de absorberlo al 100%, puedo adelantar que se siente como que los 16 años que esta banda estuvo separada nunca ocurrieron, que Chris Cornell nunca hizo discos como solista y que en este 2012 grabaron la secuela que se esperaba a Down on the Upside. Esperemos que esta opinión supere la prueba del tiempo y que el disco añeje bien. Rolas interesantes: Been Away Too Long, By Crooked Steps y Bones of Birds.

Discos que aún no he tenido oportunidad de escuchar bien este año, pero que podrían estar en la lista: Neil Young - Psychodellic Pill, The XX - Coexist, Old Ideas - Leonard Cohen.

Caifanes: 26 de Octubre 2012

Recuerdo mi niñez en los ochenta creciendo con la idea de que toda la música latina se reducía a lo que salía en “Siempre en Domingo” (ó “Siempre lo Mismo” como dice mi hermana) y lo que comercializaban los medios mexicanos que a su antojo vendían al “artista del momento”; aquella tu actriz estirada de telenovela (con peinado de leona en resaca) o grupito de quinta que a puro “playback” arrancaban los aplausos secos de un público tan aburrido como los artistas que admiraban.

Entonces aparecieron (como si de la nada) los Caifanes, un quinteto de melenudos con un sonido neo gótico, neo alternativo que parecían  salidos de la cueva  de los anti sociales y drogos.  Eran los “raros” que nadie quería poner en un escenario: “Aquí vendemos discos y no ataúdes” cuenta el bajista Sabo Romo que les dijeron  en su primera audiencia con una gran disquera. Los Caifanes rompieron esquemas y conectaron con una legión de jóvenes cansados de no identificarse con lo que veían en las pantallas de “Tenebrisa”. Y se metieron (inteligente mente) en la consciencia masiva gracias a su interpretación de la “Negra Tomasa” haya por 1986. Lo que vino después, fueron cuatro discos cargados del mejor rock latino que nuestros vírgenes oídos escucharían hasta la ruptura del grupo en 1997.

Su presentación entonces  el pasado 26 de Octubre en Ciudad de Guatemala cargaba un peso histórico que obligaba a asistir dado el hecho que venían después de reunirse en 2011 y por supuesto, para escuchar esas rolas tan míticas y tan “Caifanescas”. Saul Hernandez, Alejandro Markovich, Sabo Romo, Diego Herrera y Alfonso Andre nos tenían una deuda a todos los fanáticos guatemaltecos que por años soñamos no solo con verlos reunidos  sino tocando en tierras mayas. El resultado fue entonces una noche muy especial que se pinto de sonidos y letras del mejor rock azteca. Añejado, destilado y con sabor a Caifanes.

Quede maravillado desde el inicio a las 10 en punto de la noche cuando aparece el tecladista Diego Herrera en el escenario. Aplausos, luces y los primeros acordes de “Viento” estallan por todo el recinto revelando a los cinco Caifanes en el escenario. La gente se vuelve loca (y yo más!). La voz de Saul Hernandez no se distingue durante las primeras dos canciones pero el error es corregido y el desfile de perlas continua: “Para que no digas que no pienso en ti”, “Miércoles de Ceniza”, “Aquí No es Asi”, “Miedo” entre otras.  “Los aplausos no son para nosotros, son para ti” dice el siempre carismático Saul entre canciones.  Una dedicatoria a las víctimas de Totonicapán en “Ayer Me Dijo un Ave” divide al público en aplausos de algunos y silencio incomodo por parte de otros (a los chapines no les gusta que les mezclen su rock con su política, pensé).

El sonido es claro y envolvente (a pesar de la mala acústica del recinto Mundo E), Markovich y sus riffs le dan ese toque magico a cada canción, magia  que al unirse a los demás músicos invocan dioses de fuego, tierras y templos ocultos. Siguen otras que estallan como manada de pájaros negros: “Mátenme Porque me Muero”,  “Piedra” por dar un ejemplo. Aquí no se queda ninguna rola afuera: “Cuéntame Tu Vida”, “Perdí Mi Ojo de Venado” (tocada de forma frenética para darle un push muy especial) y por supuesto la clásica “Los Dioses Ocultos” provocan aplausos y coreadas colectivas. 

Caifanes deslumbra y emociona a su público pero ante todo lo hace recordar. Pienso en décadas pasadas, en mi adolescencia, en ir a toques y caminar por las calles del centro histórico; en fin, me transporto con la música. El encore  final completa el circulo con cinco rolas magnificas: “Amanece” que me impulsa a meterme al mosh pit con su nunca nadie me podrá parar del coro. “Afuera” suena como una especie de rito, creciendo poco a poco en su parte final para causar éxtasis entre los bailarines alrededor de la fogata sonica de sus coros.  “La Celula Que Explota” y por supuesto “No Dejes Que” y la “Negra Tomasa” cierran el concierto.  En total, casi 2 horas y media de música. Un setlist que no puede ser más completo ante un público escaso (el precio de la entradas fue alto y la promoción del show muy tardía).

Caifanes deja buen sabor de boca. Ojala no sea la última vez que los veamos. Bajo una noche donde todos quisimos que el tiempo se detuviera muchos años. (Francisco Valdés)

Fotos tomadas por El Circo del Rock: www.elcircodelrock.com

G.I.S.M.

Bajo dichas siglas fue bautizada allá por 1981 una de las primeras bandas de punk en Japón. Las iniciales tienen varios significados que son -según me acuerdo-: "Guerrilla Incendiary Sabotage Mutineer" o "Gnostic Idiosyncrasy Sonic Militant", entre otros.

Más allá de lo que pueda significar G.I.S.M. representa la actitud con la que nació un moviemiento algunos años antes en las grandes ciudades industrializadas de Estados Unidos y Gran Bretaña y que se había perdido por la fuerte entrada del New Age durante esos años.

Algo que hace especial a esta banda son los toques de guitarras metalosas con una voz garrasposa que, en algunos momentos, me recuerda a bandas como Conflict o Doom. Algo muy característico de esta banda es que el vocalista, Sakevi Yokoyama -artista, diseñador de tshirts y portadas de discos- durante sus años con G.I.S.M. era famoso por golpear a la gente que se le quedaba viendo fijamente e incluso, la atacaba con una lata de pintura y un encendedor a semejanza de un lanzallamas. Asimismo, fue famoso por bajar al escenario durante los pits y bailar duro con los asistentes.

La banda se desintegró a mediados de los 90. 10 años después su batero original murió por lo que en 2002 hicieron unos cuantos shows en Japón y volvieron a desintegrarse. Vale la pena escucharla, sonidos únicos y actitud.