2012 revisited, el best of y menos best of.

El mes de diciembre siempre es buen momento para hacer listas de los mejores discos escuchados durante el año, aunque está demás decir que es algo aleatorio hacerlo, porque la música, y sobre todo la buena música, esa que se queda con uno durante años y quizás toda la vida, crece en uno cuan buena semilla solo para retoñar más adelante, de manera natural, en el universo del que la escucha. 

Pienso que un buen top cinco idealmente debería reflejar música de este tipo,y creo que la mejor fórmula para hacer estas listas es preguntarse: ¿Cuales son los discos que estoy dispuesto a seguir escuchando una vez pase este momento? y porqué no: ¿cuales son los discos que absolutamente deberían oír otras personas con gustos afines a los míos? Con estas ideas en mente se me ocurrió hacer una lista retrospectiva no solo sobre lo mejor que escuché este año, pero sobre todo sobre lo que aprendí con un año de perspectiva, de bandas nuevas y viejas, de géneros, de modas y de movimientos musicales. 

Así que aquí les va una lista diferente, sobre algunos momentos destacados de la música vivida este año. 

 1. Revisando el top cinco del 2012. (Swans - The Seer Godspeed You Black Emperor - Allelujah Don´t Bend Ascend Extra Life - Dream Seeds Chromatics - Kill For Love Burial - Kindred)  ¿Qué puedo decir de la lista compilada el año pasado? Pues diría que ninguno de esos discos causa problema en sí, porque son música que oigo de manera seguida, ya sea por que rotan en las listas compuestas, en diferentes horas del día, en diferentes lugares y humores, pero The Seer es un disco que, por ser un viaje arduo de dos horas, no es algo que se oye seguido. Exige mucho y por lo tanto deja de ser tan atractivo con el tiempo. 

Conforme avanzó el 2013, me vi ir más seguido a dos artistas y dos álbumes del 2012 que son a estas alturas para mí evidentemente recomendables Dope Body - Natural History y  Ty Segall - Twins.   Dos grupos que descubrí en esos alrededores, pero que si han conocido giros constantes en la rocola de todos los días. Dope Body por la originalidad y las texturas del sonido que cubrí en este blog hace unos meses , Ty Segall porque su música es más fresca que una lechuga. Me recuerda su sonido y su energía a la del difunto Jay Reatard, con una productividad zappanesca, y con la calidad necesaria para respaldarlo (de hecho, en el 2012 sacó Twins y Slaughterhouse, y la calidad de los dos albumes es muy similar).  

Aparte de The Seer, quitaría al Kindred, no porque no sea un EP fantástico, más bien por no ser un LP, que en cierta forma exige más del artista que el EP (que puede simplemente ser una colección de buenas canciones). 

 2. ¿Qué artista descubrí en el durante el 2013, que todos deberían conocer? Sin lugar a duda, Wire. Nunca había oído el Pink Flag de Wire, disco fundamental del 79 no solo para comprender la evolución de la música alternativa, pero sobre todo porque es un album fantástico, que no ha envejecido para nada. El segundo lugar de este podio sería haber descubierto la música y sobre todo las letras de Sixto Rodríguez, que si no fuera por el fabuloso documental que salió sobre su historia en el 2012, Searching for Sugar Man no se si hubiera oído hablar de él. Efectivamente, no estamos hablando de música del 2012, pero es obvio que cada año se puede topar uno con historia musical que le hace ver las cosas (y en particular la evolución de la música pop rock) de manera diferente. Estos dos artistas vaya que nos hacen ver las cosas de manera diferente. 

 3. ¿Qué género nuevo entró en mi discoteca? La tecno. No me refiero a la tecno noventera, esa tecno que fue la cima del mal gusto generado por la revolución sintética de los ochentas, culpa de la revolución madchester  y de su increíble popularidad. Me refiero a la tecno con historia, con linaje. ¿A qué linaje me refiero? al linaje de Kraftwerk, del Krautrock y de la música sintética-psicodélica. En particular, me refiero a la tecno minimalista alemana de la disquera Kompakt, que ha producido discos de artistas fenomenales como Popnoname, The Field, Matias Aguayo y Gui Boratto.

4. ¿Qué artista me decepcionó más que todos en el 2013? James Blake. No es que su nuevo album sea malo, de hecho hay grandes canciones en Overgrown, pero es que el joven tiene tanto talento, y ha sabido mezclar anteriormente música suave con experimentaciones electrónicas de manera original, pero el resultado final sigue siendo desigual, ya que Blake no ha querido, o no ha logrado mezclar sus brillantes creaciones  instrumentales de discos como Klavierwerke o CMYK, con composiciones cantadas como la que lo lanzó al estrellato (Limit To Your Love).

5. La muerte casi completa del metal y el sonido "post" de los dos miles. Esto no es una pregunta más que una observación. O sea, que hasta este año me he dado cuenta cómo el fabuloso sonido ecléctico de la música extrema del final de los noventas y de los dos miles, que se expandió gracias al trabajo de disqueras como Hydra Head, Ipecac y Relapse entre otras, se está perdiendo, ya sea porque las bandas y a veces las disqueras dejan de existir, ya sea porque la genialidad de las bandas de vanguardia (Converge, Dillinger Escape Plan, Meshuggah, Strapping Young Lad, Neurosis), ha dado paso a un movimiento de bandas que no innovan la fórmula forzosamente, mientras que los discos de estas bandas reposan sobre el sonido clásico que fundaron en los años dorados de la época 99-2003. De seguro, hoy en día existen bandas que han sabido adueñarse de manera muy interesante del sonido de Meshuggah y del free jazz por ejemplo (Gorguts, Shining, Yakuza), pero la moda del metal de los dos mil dieces está empapada de influencias black, death y trash más que otra cosa.  

Voila!

felices fiestas.

Presentación nuevo disco de Virus Bélico: La Tierra del Hombre Libre

Este domingo a partir de las 3 de la tarde en la Bodeguita del Centro Virus Belico estará presentando su nuevo disco La Tierra del Hombre Libre. Estarán junto a otras dos magnificas bandas Tentoshte y Mandragora. El costo de la entrada es de 30 quetzales y entiendo que también habrá venta del disco. Muy recomendado que asistan, los domingos no siempre son tan cargados de tan maravillosa furia trashera como en esta ocasión. Inviten a la familia, al vecino, al amigo o al enemigo. Nos vemos allí. 

Top Cinco: Discos del 2013

Y llegamos a esa época del año queridos lectores. Esa época de ponche, gula excesiva, reuniones familiares incomodas y por supuesto (lo que más nos gusta a ustedes y a nosotros aquí en el blog) la de resumir el año en música. 2013 fue un año marcado de veteranos con retornos sólidos como Daft Punk, David Bowie, Pearl Jam, Iggy & The Stooges, Boards of Canada, Black Sabbath, Queens Of The Stone Age, Primal Scream, Nine Inch Nails, My Bloody Valentine y que a su vez también se vieron balanceados por proyectos de músicos jóvenes jalando el peso bien para su lado como Arcade Fire, Deafheaven, Four Tet, J. Cole, Kurt Vile  y Phoenix entre otros. Elos aquí, nuestros cinco discos más votados y la lista completa de cada redactor. Deléitense:

Boards of Canada – Tomorrow´s Harvest. En este blog hemos hecho en más de una ocasión el elogio de esta banda, que en el 98 y en el 02 produjeron dos álbumes indispensables, de brillante IDM espectral y ambient. 11 años después, vuelven con Tomorrow´s Harvest, como una manera de reactualizarse en el campo de la música electrónica avant garde, solo que esta vez llegan con la lección digerida, de un mundo de electrónica que conoció ya la revolución dubstep y post-dubstep, entre otros elementos nuevos. El nuevo BoC es una clase magistral dada por los padres de un sonido pionero en su tiempo, y reactualizado en este 2013, para que a artistas como Fuck Buttons,  Nicolas Jaar, Kromestar o el movimiento de dubstep ambiental entre otros, no se les olvide quién es su tata. (insgt)

Kurt Vile – Wakin on a Pretty Daze. Me encanta el abandono y en cierta forma estilo relajado de Vile, una especie de Tom Petty ebrio. Brillante disco con su guitarra envolvente y composiciones que bordean en lo espacial. La primea rola es una verdadera belleza de harmonía y sensación. “KV Crimes” me hace pensar en Johnny Thunders. Vile con su look a lo Kurt Cobain (hasta tocayos son) le termina recordando a toda una generación de neo hipsters; que creen haberlo oído todo, que al fin y al cabo es la simpleza y forma como el compositor se desnuda ante sus oyentes lo que vale. (Francisco)

                                                                                                           Darkside – Psychic. Proyecto de Nicolas Jaar con el guitarrista Dave Harrington, Psychic es  en esencia un disco inspirado por el Dark Side Of The Moon de Pink Floyd. Toda la genialidad de este primer álbum del duo esta en lo que podemos entender por “inspirado”: no es ni un remake, ni un álbum cover, ni un Dark Side 2. Es cómo que dentro del universo creado por esa magnifica obra, existiera una ecología propia, con sus artistas, sus músicos y sus creaciones autónomas que mantienen el paso, al ritmo del 73, en el 2013.  (insgt)

Deafheaven – Sunbather. La banda se encuentra atrincherada en las primeras líneas de la vanguardia metal de esta década. Sunbather puede ser visto como una síntesis paroxística“post” black / metal pero también shoegaze, Deafheaven están haciendo explotar de manera magistral esa barrera que ha separado desde el inicio el black metal y la música extrema, de la música alternativa, que te guste o no. (insgt)

 Queens Of the Stone Age - …Like Clockwork. Después de seis años de ausencia, Josh Home y su caravana multicolor de personajes musicales poco convencionales (hasta Elton John se unió esta vez) regresan con un disco emotivo, oscuro y hasta fantasmal a la vez.  Parece como que la casa embrujada en la cabeza de Homme salió para darnos nueva fe en el rock moderno. “If I Had a Tail” admito es mi canción favorita del año. Pero hay otros dulces en el canasto; “I Sat By The Ocean” espaciva en sus riffs, “Vampyre of Time and Memory” muy a lo dracula romántico (no por referirme a la portada) y “I Appear Missing” con sus cambios a lo tragicomedia muestran que Mr. Homme ha madurado pero sin ser aburrido.  (Francisco)

Cada quien en su rollo:

insgt

Kurt Vile - Wakin on a Pretty Daze

Mount Kimbie - Cold Spring Fault Less Youth

PVT - Homosapien

Stara Rzeka - Cién Chmury Nad Ukrytym Polem

Mutation - Error 500

Fer

Deafheaven - Sunbather

Gorguts - Colored Sands

Cult of Fire - मृत्युकावीभत्सनृत्

Portal - Vexovoid

The Ruins of Beverast - Blood Vaults

Chiru

Darkside - Psychic

Four Tet - Beautiful Rewind

Omar Souleyman - Wenu Wenu

MGMT - MGMT

Nebulo – Castles

Francisco

Arcade Fire – Reflektor

Queens of The Stone Age - …Like Clockwork

David Bowie – The Next Day

Kurt Vile – Wakin on a Pretty Daze

Daft Punk – Random Access Memories

Dani

Queens of The Stone Age - …Like Clockwork

Boards of Canada - Tomorrow´s Harvest

Marnie Stern - The Chronicles of Marnia

Primal Scream - More Light

Sigur Ros – Kveikur

Luis

Kylesa -  Ultraviolet,        

Moss - Horrible Night      

Queens Of The Stone Age -…Like Clockwork

Boards of Canada - Tomorrow´s harvest            

Mumakil -  Flies will starve

Menciones Honorables (un poco de cada plato):

The Bronx - The Bronx IV

Nine Inch Nails – Hesitation Marks

Fuck Buttons - Slow focus

Jesu - Everyday I get closer to the light from which I came

Ghostface Killa con Adrian Younge – Twelve reasons to die

ASG - Blood Drive

Cloudkicker - Subsume

Virus Bélico – La Tierra del Hombre Libre

Black Sabbath - 13

Shai Hulud - Reach Beyond the Sun

Ulcerate - Vermis

Year of No Light – Tocsin

The Knife – Shaking the Habitual

Que discos fueron los favoritos de ustedes en este año?

Sonidos del futuro cercano: Norte Sonoro

No soy el único en el club que piensa en la potencialidad de mezclar electrónica con sonidos latinos (que vengan de la música folklórica, de música indígena, de música tradicional...) como algo positivo, alentador. En efecto, creo que si hay algún género musical en el que puede caber un renacimiento del "sonido latino" que surgió en el rock latinoamericano ochentero y noventero, es este. Pero ojo, OJO jóvenes, que no todo lo que brilla es oro, y pese a que existan hoy en día un chingazal de bandas que hacen mezclas de este tipo (como las contenidas en los movimientos Nortec / Surtec), no todas van más allá de ser pura música de cafés bistros de tipo me tomo un espresito en un espacio art deco en medio de la patentada miseria latinoamericana. con esto en mente, les propongo que le echen un "oidazo" a este sampler de la única fuente de música electrónica híbrida que yo recomendaría, la genial disquera de DJ Rupture y Matt Shadetek llamada Dutty Artz , para descubrir un poco más el mundo de la creación de sonidos localizados... en este caso, localizados en Tijuana, y consolidados por el brillante oído de DJ Rupture.

Canciones del día: Hud Mo y sus remixes

Hudson Mohawke es un músico productor de electrónica que estuvo, esta, y estará por encima de la moda del pop autotuneado que se oye actualmente, aunque sea claramente una influencia de toda esta movida. Oigan Polyfolk Dance (2009) o Butter (2009) por si no me creen.

Razón por la cual oigo con gusto estos remixes condimentados a su gusto, recién publicados.

Cine: Last Days Here

No, no es la película de Gus Van Sant sobre Cobain. Este fantástico documental del 2011 sigue la vida de Bobby Liebling líder de la banda setentera Pentagram un referente del  Metal que tuvo sus inicios al mismo tiempo que Black Sabbath pero que se autodestruyo antes de lograr un lugar a la par de su contraparte británica como verdaderos padres del Metal, Stoner y Doom (y vaya que lo merecían).

“llevo 39 años de meterme heroína y 22 de fumar crack” cuenta un cadavérico Liebling al inicio de la película; “no se como no estoy muerto”. Y allí es donde entra Sean “Pellet” un fanático que se convierte en manager del casi desaparecido músico y que junto con los padres de Liebling ven en el derrotado metalero de 54 años un talento innato que aun se puede salvar. La magia y determinación de no dejar de creer en alguien esté en la situación que esté termina siendo una lección invaluable tanto para Liebling como para la audiencia. No les cuento más. No quiero arruinar las sorpresas (véanlo hasta el final). Éntrenle  y descubran la joya escondida que es la música de Pentagram y la vida de este personaje incomparable. Nunca es tarde para enmendar el pasado y mientras haya vida los sueños son alcanzables. Cachitos de diablito al aire. (Francisco Valdés) 

Hasta Pronto Lou

Uno de los primeros artículos que escribí en este blog fue sobre Lou Reed. Quería retratar algún artista que me pareciera verdaderamente autentico y del cual pudiera escribir con pasión. Lo escogí a él por lo mucho que significaba para mí.  No voy a retratar su vida o carrera, eso se está haciendo mucho en estos días a la luz de su fallecimiento. Además de que ya lo hice en el artículo previamente mencionado.  En cambio prefiero hablar de porque llegue a él y porque importó tanto a muchos artistas como críticos y seguidores. 

Importó tanto porque fue único, retador en su propuesta musical, visionario en nadar contra la corriente desde que lidero a los indudablemente influyentes Velvet Underground. Su estilo de cantar intimo a veces poco accesible pero siempre sincero. Sincero con el ambiente que vivió pero ante todo consigo mismo. Me fascina oírlo en The Blue Mask el disco de los ochentas donde ya casado y libre de drogas canta sobre su vida en ese momento. Es irónico, a veces paranoico (“Waves of Frear, puta que rola!) y a veces melancólico recordando a sus mentores (“My House”). No quiere pretender ser el rebelde que fue (problema de muchos rockeros cuando envejecen), prefiere seguir con el principio de narrar lo que le ocurre,  el principio de no mentirse a sí mismo. Es un disco cargado de guitarras salvajes con temática madura. Eso me lleva a darle crédito también como guitarrista. Lou es uno de los mejores creadores y destructores (eso no siempre es malo) de esquemas en la guitarra eléctrica. Adicto al feedback y sus delicias que a muchos les parecen ruido.

Importó porque demostró que la “rebeldía” del rock que conocemos tiene sus límites dentro del macho alfa “headbanger” que solo quiere chela y sexo, demostró que hasta el rock tiene fobias (de las de tipo homo), temores y demasiada pose falsa. Lou quiso cantar sobre las putas, los transvestis, los drogos, la gente de la calle. La que no entra a los conciertos, la que sigue siendo marginada inclusive por los defensores del rock. Y lo hizo en los setentas vistiéndose de cuero negro con maquillaje de mujer como para restregárnoslo en la cara.  

Pero no todo fue rebeldía y violencia. Hubo amor, hubo amigos, hubo fiesta también en la vida y canciones de Lou Reed. Su tributo a Andy Warhol  junto a John Cale Songs For Drella es majestuoso. New York de 1989 su pintura musical a la ciudad que siempre llevo en su corazón es simpático lleno de humor negro, la definitiva guía turística de NYC. Coney Island Baby con sus canciones de amor y soledad, resultan dulces e inesperadas viniendo de él.  Bueno, ya estoy cayendo en hacer retrospectiva otra vez. 

Lou Reed me importó a mi muchísimo. Muchas de sus canciones me han seguido desde que lo descubrí vía un documental en la tele hace una docena de años. Me puso triste la noticia de su muerte porque sentía que a través de sus rolas lo conocía, suena tonto pero su música provocaba eso: intimidad.  Uno busca artistas con sustancia donde pareciera sobran pero la realidad es que son pocos. Reed fue de esos pocos. Retó a su audiencia a seguirle por caminos que a veces solo él entendió. Pero la recompensa fue mayor, dejo un catalogo de música imperdible para cualquiera sediento de Rock n Roll. Verdadero  Rock n Roll. (Francisco Valdés)

Trinky y 10 años

No soy una buena persona para escribir o mucho menos para contar una buena historia, mi léxico es casi nulo y mi redacción, junto a mi ortografía, van de la mano en declive, pero haré lo mejor que puedo para rendirle honor a esta banda tan peculiar y curiosa que es Trinky.

No entreviste a ninguno de los integrantes de Trinky, no voy a hablar de donde viene el nombre de la banda o contar su historia y tampoco les he preguntado de que opinan al ser de las pocas y contadas bandas Guatemaltecas que llegan a los 10 años de tocar, 10 años de compartir con otras bandas, 10 años de compartir con el publico y con amigos.
Yo escribiré de lo que me he dado cuenta en estos casi 10 años de conocerlos.

Hablaba con Boby (vocalista) "La cosa es pasarla bien y tocar como en todos los conciertos, no importa si hay solo cuates, o cinco, trescientos, o mil personas allá afuera".

Aprovechando que hablo de Boby, les contaré algo que me he dado cuenta del "frontman"/cantante de Trinky.  Lo he visto de malas, lo he visto como la gran puta o con los ánimos en el suelo, sin embargo siempre encuentra una manera de dejarlo todo a un lado y darlo todo en el escenario; cosa que tal vez muchos, pero muchos cantantes deberían de aprender aquí en Guatemala.  Claro, no puedo dejar afuera el hecho de mencionar que en ningún momento se le sube a la cabeza el "rock an roll"; ni a el, ni al resto de Trinky.

Hacer música no es tarea fácil, no cualquiera puede adentrar a este reino tan vasto e inmenso que a veces es tan poco explorado.  Es fácil adentrar a los tecnicismos de muchos instrumentos, el que persevera alcanza, pero es difícil "tocar" el instrumento, que este sea una extensión de uno mismo.  Y es aun más difícil no adjuntar las emociones de uno en la misma música, al igual que es más difícil aún el contener las emociones cuando uno ya es "socialmente inepto".

Es un tema complicado; la música, las amistades, las mujeres, la barba, las emociones, los problemas, el pelo largo, el crecer, el trabajar, el madurar o no madurar, la fiesta, el gastar o el no gastar, rastas o no rastas, lo que se gana ... lo que se pierde ...
Lograr que todo lo que esta dentro de nosotros se lleve como en unisono, es algo que no muchos han sobrevivido ...

En todas sus imperfecciones, en todos sus pros y contras, creo que Trinky lo logra como banda y más importante, como amigos.

Desde el 2004 conozco a Trinky pero mas importante aun, son casi 10 años de conocer a personas de una gran calidad humana y un curioso sentido del humor por ir contra-corriente en todo y a la vez ser impresionantemente fieles a sus principios y a su hermandad musical, luchando por mantenerlo así.

Pero aparte, es algo grande que una banda "under" de Guatemala cumpla 10 años, que yo sepa por ahí viene Falso Profeta, DubVolution y Virus Belico para cumplir 10 años también.
Ahora yo, teniendo la experiencia de haber estado en tres bandas en periodos largos y distintos (Almas Ajenas, Señor Bragueta y Madam Funtoo), debo de admitir que es muy difícil mantener la "relación" intacta o impecable con una banda, ya que tener una banda es como tener varias novias al mismo tiempo, por lo que insisto: mis respetos a estas bandas que lo han logrado o están por lograrlo.
No es fácil vivir con tanto ego.  ¡Si!, me atrevo a decirlo, porque es lo que es y así es: todos tenemos nuestro ego.

Por si no se enteraron el viernes 18 de octubre decidieron hacer un concierto celebrando sus 10 años.
Tocaron un set de 25 canciones sin freno ni descanso alguno. "Chi ching".

A parte de ver lo obvio: el publico de Trinky es indudablemente fiel, lo que presencie en el concierto de Trinky fue algo que me dejo boquiabierto ya que tuve un pequeño inconveniente con un integrante de Trinky - cosa que no me da orgullo compartirlo, pero es necesario para llegar a lo que quiero exponer -, el mismo tipo de inconveniente que me privo de seguir tocando con dos bandas antes mencionadas, gracias a un pequeño desbalance en mi vida que muchos fallan en recordar y en entender.
En otras situaciones, este inconveniente hubiera sido el final de todo, pero con Trinky me impresiono el hecho que este amigo se negaba a que la amistad se acabara o dañara por una estupidez de este tipo, mientras yo seguía enojado, el en su enojo y molestia persistió en arreglar las cosas.
Fue ahí donde me di cuenta de la calidad de personas que son Trinky y es esto lo que hace a una banda ser grande y respetable; no solo la buena música. Porque cualquiera puede llegar a ser bueno con mucho ensayo y pocos son los que en realidad llegan o nacen a ser virtuosos, pero son aun menos las personas integras como seres humanos y músicos.

Lo que crees no es lo que te hace ser lo que sos, sino es lo que haces al final del día lo que te hace ser lo que sos (como individual o como banda).

Cuando los amigos se olvidan de uno, cuando hay momentos duros, cuando alguien se nos va, cuando alguien quiere unirse a alguien más, siempre ha habido uno de ellos, a veces solo acompañando, a veces haciendo el esfuerzo por entender o a veces hechandose unos tragos, sin objeción al "status" social de las personas y sin ver mal lo que uno tiene o lo que uno es.
Me encanta que todavía haya gente así y mejor aun, que hayan músicos así.
Espero que aún hayan bandas así allá afuera.

Tocar, componer y hacer música con Trinky es lo que me ha mantenido musicalmente y personalmente.

Esto es Trinky, son amigos antes que músicos para todos nosotros, ya que la música siempre estará ahí y siempre va a estar en todo; al fumar, al chelear, al jugar, al ganar y en especial ... al perder ...

Esto es Trinky.

Playlist: At The Drive-In

Son sensibles los jóvenes, pero albergan mucha ira  por dentro. Son abrasivos, le gritan a su público, no les gusta que los jóvenes "hagan su mosh"... no les gusta que no piensen. ¿Alguna vez has escuchado The Fall? Son creativos; experimentales viscerales, y hacen parte de un grupo sólido de chicos alternativos de El Paso, hijos de inmigrantes, cuates de la juventud temprana, con una sección rítmica dinámica, un buen guitarrista con powerchords y octavas ligeras pero afiladas... y sentido de melodía. Y ni me estoy refiriendo totalmente a los dos verdaderos  genios de la banda: Omar y Cedric.




Me parece interesante el culto que existe alrededor de At The Drive-In. Por un lado, habrá sin duda gente que los oyó en su época, en el ocaso noventero y el inicio del nuevo milenio, solo para enamorarse más adelante de la explosión punk caleidoscópica post 2001 que fue The Mars Volta. Por otro lado, estará la mara de "toda la vida", que sin duda los siguió durante su fulgurante carrera de banda underground con retoques de un Fugazi nervioso que se interesara un poco menos por la lucha de clases y más por el cine de Alejandro Jodorowski (la referencia múltiple a lo mexicano, a lo extranjero, lo extraño y lo latino no está de más).
Fue a través de la tal Alternative Press  que vendían en un centro comercial de la capital de Guate que caí en cuenta de su existencia. Fue la reseña de lo que paro siendo su último disco, el Relationship of Command (2000, Grand Royal), la que me insito a oirlos. Los conocí a través de este single, el One Armed Scissors, que es de una energía imparable, con una gama de melodías y progresiones naturales... y aún así no estamos hablando de la mejor canción de este album, lejos de.

Las opciones son varias para escoger la "mejor" rola del Relationship of Command, aunque este disco es de esos que se oyen de principio a fin con todo el gusto del mundo. Si lo pienso bien, creo que lo que me cautivó al oírlo fue la inmediatez de la melodía (imparable) y el tono de urgencia total, tanto en la voz como en la cadencia, los ritmos y los cambios. Parecía como si no les quedara mucho tiempo para entregarle al mundo toda onza de pasión que tuvieran. Relationship  es un testamento prematuro, un poco como el Unplugged de Nirvana lo fue en su momento. No puedo evitar de poner esta versión en vivo de Cosmonaut: 




Es hasta que se le pasa el susto a uno, como quien dice (me refiero al maravilloso susto de haber escuchado uno de esos albumes clásicos que ameritan ser escuchados una y otra vez), que entra el interés por indagar más sobre la banda.

At The Drive In estaban en la cima de su fama cuando salió este disco. Antes, habían producido dos LPs, cuatro EPs y 4 splits... en 6 años. Pero la fama solo llegó con este album. Producido por uno de los productores más reconozidos de la época (Ross Robinson), en la disquera de los Beastie Boys, con Iggy Pop como invitado especial. En el 2000, se hablaba de una necesidad por verlos en vivo.

El Relationship es un disco aparte de la discografía. Osaría compararlo con el contemporáneo The Shape of Punk To Come de los Refused (pronunciado Re-fiúuu-sed), por lo radical que suena comparado a las producciones anteriores de cada banda (lo comparo también por ser, al igual que este disco, el clabado final). Pero entrarle a lo que hicieron antes despierta un tipo de fascinación inquisitiva por comprender como llegaron a ese punto... el hecho que casi todos los albumes que soltó At The Drive In sean un placer de escuchar por sí mismos, es como la guinda en el pastel. Pero no son tan inmediatos como lo fue este.


Napoleon Solo fue la canción que más me desesperaba cuando estaba aprendiendo a apreciar el álbum precedente a Relationship, intitulado In/Casino/Out (1998, Fearless Records) . Como que la disonancia general del disco, y de esta canción, fueran un especie de mecanismo de defensa activado en contra de oídos perezosos. Eso si, si en Relationship la producción le hace honor al furor en vivo de estos, no se puede decir lo mismo por los albumes precedentes. Pero no le quita interés al "Casino", que brilla por la variedad de sonidos, ideas y ritmos que mantiene.  Napoleon Solo es una canción que genera espacio, que prepara lo que queda después del sentido de frustración que sale de las bocinas, martillado por los gritos chillones de Cedric Bixler, sobre algo que "es para siempre", que solo él sabrá lo que es, es... la tragedia común y universal del sentido de frustración que emite  una voz solitaria...Hablando de soledad...

                                                     

En realidad, antes de la bomba del At The Drive In más conocido, o sea, el ATDI frenético, punk, existió una banda que hacía canciones "indy" noventeras de baja fidelidad, que erizaban la piel. Como esta.

Cabe decir que no era solamente melancolía emo y gritos lo que le confería tanta originalidad a la banda. Era la mezcla de los instrumentos, de un bajo seco y melódico, de sonidos de sintetizador extraños, de la guitarra desnuda de Omar, de los silencios, de los finales climáticos y de las historias policiacas que contaba Cedric.

                                                   

Una anécdota chilera de Vaya  es que los integrantes hicieron el álbum en un estado de pedencia común. De manera elegante.

Te podría poner una canción del Gran Orgo también, para que conozcás el punk rock de los jovencitos, pero también está el Acrobatic Tenement - el debut - que le debía más al gusto de los rockeritos por las melodías ochenteras y el rock salvaje de bandas como Husker Du, los Pixies, etc...



"si querés oir algo perfecto anda a ver N'Sync.  Si querés oir rocanrol ven  a vernos. El rocanrol no se trata de perfección, se trata de tener corazón y alma." Jim Ward, 2001.
Amén.

Video del día: Ace Of Spades Motorhead - Lego - HD

Canción del Día: Arcade Fire "Reflektor"

Recién estrenada el lunes. Nueva canción del nuevo disco de esta magnífica banda. Es inevitable no sentirle el groove a música disco que tiene la rola, me late como para el final de la noche cuando los últimos seres nocturnos se quedan para romper la bola de espejos y descubrir lo que tiene dentro. 

Más de Arcade Fire en el blog: Discos Recomendados: Funeral

Canción del día: "Xtal" de Aphex Twin

Del Album Selected Ambient Works 85-92

Un deleite de principio a final, Aphex Twin sentó los fundamentos para la música electrónica profunda, y un poco extraña, que abrió otras vías para la electrónica ambient y dance. Si Madchester y la cultura rave fue el Beatles de la música electrónica bailable, Aphex Twin seguramente fue el Black Sabbath.

ASG - Blood Drive (2013)

Me he vuelto reacio a publicar posts sobre discos recientes, porque... para eso están los miles de blogs y sitios de críticos que lo hacen, en el ciberespacio. Aunque a mí no me pagan por decir que un disco es mejor que otro, independientemente de saber distinguir entre buena música y mala. A mí no me pagan y punto. Pero, creo que en el fondo siempre es bueno comentar sobre las novedades de la música... sobre todo cuando surgen discos que te hacen decir: este disco es "cabal". 

Cabal, en el sentido justo, socrático del término. Y vaya que el nuevo disco de ASG tiene esta cualidad. 

Lo cautivante de este sexto opus de A(ll) S(ystems) G(o), más conocida por su relación con Volcom y la comunidad skate gringa, que por otras corrientes underground, es que este disco - si mis instintos no me engañan - suena a madurez. Y cuando me refiero a madurez, es porque inscribo a esta banda en la línea de grupos que parecería que se buscan perpetuamente, conforme sacan producciones, como si no supieran a cabalidad lo que están haciendo, pero de la nada logran reunir suficientes elementos indicativos de lo que han hecho, de sus influencias y de sus estilos, y sacan un album muy propio. Muy de ellos. La música del disco tiene un toque masivo, que se lo debe sin duda a las influencias prácticas que hicieron posible el disco (hay metida de mano de miembros de Kylesa y Baroness), más la lista de bandas con las que han salido de gira o con los que han compartido splits (Torche, Tusk). Por lo demás, cabe mencionar que el sonido de Blood Drive le rinde honor al stoner sabbatesco, al blues y al rock sureño de la región (es gente de Carolina del Norte), pero tiene también toques atmosféricos dignos del post hardcore melódico de las bandas mencionadas, guardando siempre un sentido de fiesta digno del hard rock clásico...

...Una vez dicho eso, no puedo evitar decirlo: este disco suena en sus mejores momentos a una mezcla entre Mastodon y Deftones. Desde las partes más energéticas, hasta las partes más tranquilas. Ayuda a dar un sentido de familiaridad que el cantante usa un tono claro que recuerda a los mejores momentos de los noventas, mientras que el tono rasposo que emplea tira hacia viejo (heavy)metal. 

Este discazo, como el Natural History de Dope Body que revisé hace poco en este espacio y otros sonidos interesantes de bandas como Metz o, por otro lado, Ty Segall, me hacen pensar que el futuro de la música underground es más brillante que nunca, por  el ejercicio de generar música a base de estilos solapados, agarrando de lo mejor de los géneros de las épocas pasadas, no importa que hablemos de hardcore, punk, post punk, new wave, heavy metal, thrash, grunge, esta dando discos actuales que se desmarcan por la riqueza estilística de las composiciones...  

En la actualidad, la fuerza del sonido rock no comprometido se encuentra en  su sincretismo. 

4 discos instrumentales para contemplación

La vida urbana... tal vez es esta vida de concreto y plomo, flujos, rayos de sol aplastantes, smog y todo lo que quieran lo que favorece el gusto por música aereada. Por "aereada", me refiero a música diseñada para  pintar paisajes más que dar lecciones (de cualquier tipo).

Agradezco la iniciativa de Francisco con su post sobre el blues, que inspiró esta lista.

 Baker y Hecker, Fantasma Parastasie (2008) es un buen ejemplo del trabajo detrás de esa oleada reciente de música conceptual ambient y porqué no,  de Drone. basada en la lenta repetición de sonidos parasitarios, de densos crescendos y melodías enterradas,  esta colaboración permite entrar de manera eficaz en el mundo de la música contemplativa de un siglo XXI naciente, sin por lo tanto entrar demasiado en la dificultad que puede traer un disco de Sunn 0))) o Christian Fennesz. A notar igualmente la manera como los autores añaden cuidadosamente tímidos interludios de guitarras circulares o de melodías de piano para limpiar el paladar, para secar la vista, después de la tormenta.
Empezando con un poco de ambient onírico, con ánimos de pasar del paisajísmo más abstracto a lo más ingenuo...

...tengo que repetir a  Tim Hecker aquí, con su Harmony In Ultraviolet (2009), porque es el artista de White Noise y de Drone que más me ha impresionado, desde que fuí iniciado a este tipo de música. La gran diferencia con el album precedente en esta lista,  es el tono. Si bien Fantasma Parastasie es más complejo, por la gama de sonidos que utilizan los dos artistas, en este caso, Hecker se encuentra solo y produce un album metódico, compuesto por ideas básicas para mayor resultado, por no decir genial. Es música más melancólica, monocromática, diseñada en olas,  que  suena como el equivalente a estar flotando, divagando entre los vaivenes del mar, del aire... la opción de ver hacia arriba o hacia abajo mientras flota, es del auditor.

El disco del productor de hip-hop Clams Casino, Instrumental Mixtape (2011), no escapa a esta norma, de ser música que coquetea de manera peligrosa con el malnacido concepto de New Age, o sea, música aérea por tener toques que podemos calificar de inspirados, espirituales, por la manera como estan construídas las diferentes canciones presentadas, etc. Pero aquí tenemos que ser muy claros: en el club no creemos en estos argumentos divinos tan poco elegantes, ya que lo que nos interesa es la producción musical que resalta lo mejor del ser humano. Por ello, el Clams Casino nos parece una elección natural. Es hip-hop instrumental, es el arte de agarrar música que sirvió de trasfondo para que manequíes pop mediocres puedan hacer música de dolarítos, mientras que el hombre agarra esos mismos sonidos, y se los entrega al mundo desnudos, bajo una nube de reverb, delay y parásitos... el resultado es algo más, es música contemporánea colorida con instrumentación habitualmente reservada al pop vanidoso y superficial.

Salimos de la niebla de drone y delays sonámbulos entonces, y llegamos, por otro camino, al campo. El disco de Do Make Say Think, &Yet&Yet (2002) suena a música situada. Como si los canadienses fueran gente de bosques otoñales asoleados, o algo así. Hay algo de extremadamente ingenuo en la manera como hacen las cosas, pero quíen dice que la música no se puede comportar como una pieza de arte naíf? Por otro lado, la gran diferencia entre este album y otros de mismo temperamento, es el uso de una batería contundente y dinámica, que marca el paso de manera elegante, mientras se desarrolla ese esquema, ahora clásico, de post-rock. Ahora, el disco no es solamente una colección de canciones que siguen el mismo esquema. Es parecido a algo que haría The Cinematic Orchestra, que es construir un album entero con pausas, momentos de descanso, pasajes con uno o dos instrumentos solamente, que lentamente dan lugar a nuevas investiduras de espacio.  Despertándonos un poco, salimos de la niebla originaria, y entramos en una realidad de colores y ambientes.

MC5 - "Kick Out The Jams"

Yo no sé ustedes pero a mí me gusta que la música me “zangolotee”, me haga vibrar, me agarre en lo más profundo del espíritu y me sacuda los sentimientos. Música con huevos. Ruidosa de preferencia pero no por obligación, con actitud ante todo. Tengo rato de querer escribir una reseña sobre Kick Out The Jams pero no fue hasta hace unos días cuando lo escuche completo en medio del trafico de la ciudad en donde recordé que este es un disco que se aplica al 110% a esa actitud que les hablo. Ah, y es bastante ruidoso.

Grabado en vivo en 1969 como el disco debut de la banda oriunda de Detroit (de ahí su nombre MC5 que significa Motor City Five) este disco es combustible inflamable puro. Energía, testículos y revolución de principio a fin. Estos señorones con sus afros y guitarras subidas a “eleven” estaban al final de la década del amor vaticinando lo que venía en términos de punk, alternativo y hasta metal. Un disco que hay que subirle el volumen. Furia apasionada.

El toque empieza con lo que parece un discurso, un llamado a la guerra: “brothers and sisters, I wanna see a sea of hands!!!....”, un llamado a la unidad. Un llamado a la hermandad, un grito de independencia antes de arrancar con la genial “Ramblin’ Rose”.  La canción titulo le sigue con su ya lengendario “…time to kick out the jams motherfuckers!” y su riff copiado, covereado y alabado por legiones de bandas de hardcore y punk que vendrían en las décadas siguientes. “Come Togheter” y “Rama Lama Fa Fa” mantienen la llama ardiendo con su total abandono y distorsión lujuriosa. Quien no brinque, cante y sude escuchando este disco que se vaya a la mierda. Los dos guitarristas; Wayne Kramer y Fred “Sonic” Smith intercambian cañonazos de feedback hasta culminar en una orgia de sonido y psicodelia en  “Starship”, la ultima rola que desploma toda la intensidad llevándose consigo la fiesta al borde del precipicio.

Kick Out The Jams es EL disco que todo amante de música con actitud  verdadera debe escuchar. Hoy en día con la gran ciudad de Detroit declarada en quiebra financiera tal vez este sea el perfecto himno para llamar de nuevo a las tropas y reconstruir a sudor y sangre lo que quedo en ruinas. Se vale aplicarlo a nivel personal si así lo desean. Ahora ya saben que oír cuando también ustedes necesiten sacudir el espíritu. (Francisco Valdés) 

Canción del Dia: Foals "Inhaler"

El vídeo puede pecar de hipsterismo moderno, pero la canción es fantástica. Rola contenida en el cuarto disco de esta genial banda titulado Holy Fire. Sube, baja, se desliza y ataca. Los dejo con "Inhaler" de la banda Foals. 

Blues seleccionado para tu deleite: Cuatro discos clásicos.

Yo prefiero los días lluviosos. No por ningún trasfondo dramático sino porque forzan a encerrarme frente al toca discos. Dulce pasión que tenemos ustedes y yo mis queridos lectores. Sentarse a oír discos mejor si con algún estimulante liquido a la mano o hierbal si así lo prefieren. Les dejo la elección. Pero me atrevo a sugerirles si me permiten algunos LP’s para esos días lluviosos ó para poner en la rockola de su bar esquinero favorito (existen todavía las rockolas?).

Aquí apenas cuatro selecciones de buen blues que me han cautivado. Perfecto para oír a todo volumen y con la embriaguez de mejor compañera. How blue can you get? Preguntaba el gran B.B. King. Presten atención.

     

   Robert Johnson (King of The Delta Blues Singers). Se empieza con la semilla. Grabaciones hechas entre 1937 y 1938 de este “mito” del blues. En Johnson arrancan los caminos hacia los diversos subgéneros. No fue el primero pero su leyenda solo se ha ido acrecentando con el paso del tiempo. Los Rolling Stones, Led Zeppelin y Eric Clapton han hecho covers (Clapton hizo un disco entero) de canciones contenidas en este genial compilatorio. “Crossroad Blues”, “Terraplane Blues”, “32-20 Blues” son algunas de las clásicas que todo estudioso del genero debe aprenderse de corazón. Simplemente el río Delta hierve en cada rola.

Albert King (Born Under a Bad Sign). El rey de la guitarra en el blues. Albert King magistral y único. Con su voz baja y su guitarra tan llorona como precisa. La canción titulo es una perla, con versos como: “…If it wasn’t for bad luck I wouldn’t have no luck at all!”. Ouch!, frases que entran como dagas por su honestidad. Canciones como “The Hunter” y “Personal Manager” me hacen vibrar. Genial disco.

       Muddy Waters (At Newport). Ya hemos hablado de Muddy en el estudio y su aporte con Chess Records. Aquí lo tenemos en vivo en 1960 frente a la audiencia de un festival acostumbrado a escuchar folk. Muddy brilla como la piedra preciosa que es. Su voz atrae hasta cuando presenta cada canción. Toca clásicas “Hoochie Coochie Man”, “Baby Please Don’t Go” como canciones que en ese momento eran menos reconocidas: “I Got My Brand On You”, “Tiger in Your Tank” y vuelve locas a las mujeres con “Got My Mojo Workin” la cual repite por petición del público. Como Muddy no hubo nadie ni lo habrá y aquí da gusto oírlo en toda su chispa y jovialidad.    

           

   

   Stevie Ray Vaughn and Double Trouble (Texas Flood). Por último algo de blues moderno. Ya en la década de los ochenta con este hijo prodigo que hizo del género algo totalmente nuevo. Virtuosidad a lo Hendrix sin perder la esencia agridulce del blues. Acordes tocados con pasión y sensualidad “Lenny”, “Texas Flood” o a velocidad máxima como para una pelea de bar “Love Stuck Baby”. Su viaje fue muy rápido por esta vida pero su estela fue imborrable.

Marnie Stern - The Chronicles of Marnia

MARNIE STERN - THE CHRONICLES OF MARNIA

Saludos a tod@s. Como de costumbre mi post sera corto, directo, al grano y fatalmente redactado.

Mis preferidos guitarristas del momento son Brent Hymes de Mastodon, Josh Homme de QOTSA y Marnie Stern, si ... creanlo o no. Desde hace años le he tenido mucho respeto a Marnie Stern y la he seguido desde el primer disco del 2007 "In Advance of the Broken Arm".  Marnie Stern ha tenido una evolucion musical curiosa, cada disco va mejorando, no solo en cuanto a  composicion sino en cuanto a estructuras, riffs y melodias de la voz - que han mejorado considerablemente en los ultimos dos discos -.

"The Chronicles of Marnia" es un disco muy pero muy personal; se siente y se escucha.  A mi criterio es el mas personal, por lo que le he tomado mucho aprecio, aaaaaaaaaaaaaaunque el mejor sigue siendo su obra maestra "Marnie Stern" del 2010. Pero "Chronicles of Marnia" no se queda atras, para nada.

En "The Chronicles of Marnia" se escucha pronunciadamente y con escuela sus influencias de The Who y Deerhoof, aunque por momentos también se siente aires de Hella, cosa que se puede ser dado a la ayuda del baterista de Hella, Zach Hill, quien la ayudo a producir y a grabar baterías en su primer disco y en el segundo "This is it and I am it and you are it ..." y tercer disco "Marnie Stern" toco y grabo la bateria.
Zach Hill ya no esta involucrado en este disco.  Por un momento pensé "Que mal", pero la decisión fue justo lo que necesitaba Marnie Stern. Ahora tiene la oportunidad de hacer lo que ella quiere, demostrando su crecimiento y evolución en su entendimiento musical junto a su crecimiento a nivel de composición.
El nuevo baterista le da el espacio que necesita Marnie Stern y a la vez la complementa a la perfección en los mejores momentos del disco.

Me atreveria a decir que este disco es el "mas facil de escuchar", el mas "amigable" con el publico, no tiene tanta capa sobre capa de guitarras; la voz no se esconde detras de la batería ni de las guitarras; no es la pared de sonido abrumadora que no deja de sonar, metrallando una amalgama de notas, riffs y sonidos casi sonicos al cerebro, llenandolo de ideas sin dejarlo pensar; no, este disco es directo y sincero, en este disco las voces salen de su verguenza y salen de la sombra que cree que no sabe cantar bien, Marnie Stern es mas atrevida para cantar y para componer, no le da miedo probar algo nuevo, lo cual la hace una guitarrista intimidante y con futuro.

En lo personal me encanto el disco.

Los dejo con un video en vivo ya que no se como poner dos videos.

Canción del Dia: Kurt Vile "KV Crimes"

En viernes me dan ganas de salir. También me dan ganas de encerrarme. Encerrarme con melodías como esta que descubrí hoy y quiero compartir con ustedes. Guitarra ebria a lo Johnny Thunders. Un toque de Iggy Pop en la voz. Creo que debo bajar mas música de Kurt Vile (y ustedes también). Salud. 

Live Clockwork: Queens Of The Stone Age en Vivo - 23 / 5 / 2013

A solo unos días de la salida del tan esperado ...Like Clockwork, QOTSA ofreció el pasado 23 de mayo un concierto a sus amigos, familiares y fans más cercanos en donde el poder de la nueva alineación que Josh Homme ha formado para esta reencarnación de la ya respetada banda fue más que evidente. Les garantizo que serán las dos mejores horas que invertirán hoy.

Alec Empire - Intelligence and Sacrifice (2001)

El sonido de la revolución "que no será televisible", post- Atari Teenage Riot. Para las personas que no conozcan ni al señor Empire, ni a ATR, les recomiendo que los busquen, que se los procuren, de una manera u otra... mejor si se lo procuran por violencia. 

Alec Empire es el vocalista de  la banda alemana Atari Teenage Riot, banda culta de los 90as, solo apta a las mentes inconformes, esas que si creen en la lucha de clases... o por lo menos, aquellas que creen que las sociedades en las que vivimos, son sociedades que oprimen más que habilitan. 

Atari Teenage Riot / Alec Empire, dos caras de una misma moneda, que yo calificaría como música de "ciber-revolución", bandas que causan disturbios, mentes que causan sed de nihilismo. En términos de sonido, esto es la mezcla perfecta entre los Stooges, el metal extremo y el hardcore industrial. 

Música liberadora.

Public Enemy - Fear of a Black Planet

A veces la historia no es como te la cuentan. A veces lo que aprendes  ya trae en si una ideología disfrazada. A veces en el arte encuentras razones para expandir tu conocimiento. A veces necesitas que la pregunta te la planteen de forma diferente. A veces el hip hop no está solo para menear tus nalgas o flashear tus joyas. A veces las respuestas a las interrogantes más provocadoras vienen de tu canción favorita. A veces dije; no siempre, pocas veces.

Una de esas pocas veces vino en la forma de Public Enemy que en 1990 lanzaba su tercer LP titulado Fear of a Black Planet. Un manifiesto, mejor dicho una tesis musical sobre racismo y sus mutaciones. Genialmente mezclado y buscando horizontes nuevos para el género, Fear of a Black Planet muestra el legendario crew rompiendo barreras liricas y sónicas para incorporar elementos más inventivos a su propuesta. Llevando un paso más adelante los temas ya tocados en el también clásico predecesor It Takes a Nation Of Millions To Hold Us Back.  Pero Fear es un disco más elaborado, mixto y en esencia más ambicioso que su predecesor. Public Enemy en su etapa más psicodélica. Sin  perder claro, el mensaje.

Un mensaje diseñado para desenmascarar hasta las formas más sutiles de discriminación socialmente aceptadas a finales de los yuppies ochenta: El cine condescendiente que prefiere victimizar a la raza negra “Burn Hollywood Burn”; el uso de la mujer como objeto sexual “Pollywannacracka”; el temor blanco por los matrimonios entre personas de diferente raza “Fear of a Black Planet”. Chuck D nos da cada lección como un catedrático que te forza a ver más allá de lo que está en el papel. Certero y retador en sus rimas, el legendario MC nunca sonó mejor.

Pero es el balance con el resto del grupo lo que le da a Chuck D su equilibrio. Las siempre ingeniosas mezclas de Terminator X y el Bomb Squad quienes produjeron el disco y el humor acido de Flavor Flav son más que bienvenidos. Public Enemy era la suma de sus partes y Fear of a Black Planet lo demuestra con creces. Una escuchada obligatoria para todo fan del Hip Hop y todo aquel en busca de música que provoca e inspira al oyente a alimentar su cerebro. Seguro buena medicina para la generación iletrada del smartphone y las redes sociales. (Francisco Valdés)

Canción del día: Rise of the Ghostface Killah

Cualquiera pensaría que es un recuerdo de la época dorada del Wu-Tang. Resulta que es el nuevo esfuerzo de Ghostface Killah, esperando el nuevo album del Wu Tang Clan de este año.

Adrian Belew: rock legend

Adrian Belew no es nombre común en las discusiones de los mejores guitarristas de la historia del rock, pero debería serlo. Seguramente le sonará el nombre a todo fan de King Crimson, o a algún engasado de la ingeniería guitarrística, pero en realidad, pienso que debería ser un nombre común al discutir quienes han sido los grandes pioneros de la guitarra en esta historia del pop rock. Más allá de ser un gran guitarrista profesional, lo cual se confirma al ver la lista de personas que lo han invitado a tocar: David Bowie, Frank Zappa, Talking Heads y Brian Eno, recientemente Nine Inch Nails ( que lo invitaron para la gira 2013-2014), Belew ha generado su propio sonido original, basándose, un poco como lo hizo Hendrix, en explorar todas las maneras posibles e imaginables de sacarle sonido a la guitarra: desde uso de pedales inovadores, uso de delays, reverbs, loops, el uso creativo del trémolo, del botón de volúmen, hasta sacarle tonos a la presión de la madera. "Make the guitar something that's not supposed to do" sería el lema... algo que Tom Morello nos enseñó a la generación de los 90as, pero que en realidad tenía una historia documentada, generada por una serie de científicos locos del rock (Hendrix, Belew, Thurston Moore...), Meshuggah, en otro registro, es otra banda de pioneros del sonido que también se darían a tacos con la curiosidad genuina de Belew, y diría que la referencia no es completamente ajena al mundo musical de este. En efecto, otra originalidad del sonido de Belew es que no le tiene miedo a ser más agresivo, ruidoso, abstracto cuando toca. Y esto es en pocas palabras lo que llamaría carácter, algo que a veces carecen muchos de los grandes virtuosos de la guitarra, ya no digamos, los virtuosos del rock o metal progresivo, que a veces parecen estar más interesados en "demostrar" que en "compartir".

Side One (2005, Sanctuary), es un album solo en el que Belew suelta rienda a su imaginación, usando una amalgama de técnicas y de tecnología de la época, pero lo hace, además, acompañado en las tres primeras rolas de dos músicos que lo menos que se puede decir es que son de "alto calibre": 

Les Claypool (Primus) en el bajo y Danny Carey (Tool) en la batería y la tabla. Agreguémosle a este lineup el aporte de Aram Khachaturian, compositor armeniano de música contemporánea en la cuarta canción, que no hace más que validar el rango de la música de Belew. El album es relativamente corto y conciso, siendo las tres primeras canciones los elementos de mayor interés, sin restarle valor al resto del album, que abarca varios estilos musicales a la vez, siendo la marca Crimsoniana y los efectos originales de Belew la mayor constante.

Canción del Día: Queens Of The Stone Age "I Appear Missing"

Después de mostrarnos "My God is The Sun", Josh Homme y Co. nos ponen este videito bastante particular como estimulo visual para otra canción de su nuevo LP que esta por salir titulado Like Clockwork. Les dejo "I Appear Missing" para que no digan que los martes también apestan.

Canción del Día: Black Sabbath "God Is Dead?"

La primera canción del primer disco en más de 30 años que la banda graba con Ozzy Osbourne en la voz dura casi 9 minutos y es pura oscuridad Sabbatesca. Con la gloriosa guitarra de Toni Iommi liderando y el bajo de Geezer Butler empujando. Como si el tiempo no hubiera pasado. Estos viejitos suenan aun mejor que un montón de muchachitos que dicen seguirlos. Respeto por favor!

Boards of Canada - Music Has The Right to Children (1998)

"Melting Glaciers" - Marsha Heiken.

En la época, -estamos hablando de hace unos 10 años- había oido decir que Boards of Canada -los hermanos escoceces Michael Sandison y Marcus Eoin - habían hecho Music Has The Right To Children  en un viaje de retiro a Groenlandia, como intentando lograr la banda sonora ideal de uno de los lugares más retirados del mundo. La idea me pareció genial, sobre todo pensando en la concordancia perfecta que había entre la anécdota y las creaciones que habían producido para su album debut. O sea, no me cabía la menor duda que esa fuera la intención detrás del disco: estar enfrente de una naturaleza tan salvaje, tan tranquila, tan fuerte en la soledad que, supuse yo, inspiraría... El hecho es que me equivoqué. Nunca estuvieron en Groenlandia, hicieron este disco desde el Sol Hexagonal de las Colinas de Pentland.

Sea lo que fuere, el disco suena como si viniera de un lugar recóndito (imaginado o físico). Además de esto, suena como el producto de la la lenta tranquilidad del silencio nórdico, entre dos tazas mañaneras de té, un bostezo, un cielo helado, armoniosamente gris...  suena a parcimonia. O derepente la música de Boards of Canada es tan densamente visual, tranquila, de un gris intenso, que se puso en marcha mi imaginación de por si.

Music Has The Right to Children es tal vez la respuesta noventera ideal al "brian enoista" que algunos de nosotros tenemos dentro: es música que pinta paisajes, que transmite paz y tranquilidad, un poco como Music for Airports pudo hacerlo en su momento. Pero esta obra de ambient es específicamente noventera, y es particularmente captivante por ser una pieza maestra del catálogo de Warp Records: una de las disqueras vanguardistas del siglo XXI, de pura y total predilección de vuestro fiel servidor.

La clave del sonido de Boards parece ser esa manera de mezclar tanto grabaciones de ambientes naturales, con samples cálidos  y toques de psicodelia setentera. En si, pareciera que la visión de estos artistas es de lograr un equilibrio perfecto entre la composición electrónica minimalista y sonidos densos, coloridos y tripeantes. En corto, la música de estos se presta a la contemplación de espacios imaginados, a un buen viaje, y a un largo descanso. Esto no quiere decir que sea música de "sueño", en realidad, tiene suficientes matices como para ser más que eso. Sin duda, los ritmos del disco  (a base drum machine directa y algunos scratches) hacen que no se trate de ambient puro y duro, sino de un album de IDM, con suficiente "groove", por no decir "personalidad", para mantener interesado al oyente.

Suficiente groove, genialidad y coherencia para considerarlo un album clásico, una obra maestra de nuestros tiempos.