Top Cinco: Vocalistas

Esas voces particulares, únicas  e irrepetibles. Esas voces que por sí solas son un género sonoro.  Mis cinco vocalistas favoritos no necesitan ser los más potentes (no es concurso de opera) sino tener una voz con personalidad propia. 

1. Joey Ramone

2. Little Richard

3. Jeff Buckley

                                                    

 4. Howling Wolf

  5. Trent Reznor

            
       



                CUALES SON LOS FAVORITOS DE USTEDES?

De Copyright y Otros Cuentos

Leyendo esta nota reciente sobre una demanda contra Alicia Keys por copiar una frase de una canción antigua me hizo pensar mucho. No por la señorita Keys necesariamente sino por todo este tema sobre quien es dueño de que en la música popular. La absurdidad del copyright aplicada a un genero artístico (la música) que se recuesta sobre los cimientos de robarle a un estilo o a un artista para crear otro nuevo, ósea para seguir evolucionando; no me suena lógico.

Y es que la mejor música que nos gusta a ti y a mi es producto del hurto creativo que ese artista hizo de otros artistas. Si, lo dije. Imponer leyes o demandar regalías porque tu canción se parece a la mía es francamente obsceno. Ojo que no estoy hablando de cobrar por usar tu grabación (ese es otro tema que también me hierve la sangre pero que no discutiré ahora), sino de que un artista más viejo que otro (o los representantes del patrimonio del mismo) demanden legalmente al más nuevo porque esa rola o esa idea tuya yo ya la pensé antes.

Un poco de historia para poner contexto.

La mayoría (sino es que todos) los géneros de música popular como el rock, el pop, jazz, merengue, hip hop, etc. Se crearon sobre la base de otros géneros y tendencias ya existentes.  Por ejemplo, el rock n roll es un híbrido bastardo del blues, country y R&B, géneros que por su lado también combinaban otros géneros (el blues por ejemplo le debe mucho al góspel y a las melodías folklóricas del campo enraizadas a finales del siglo XIX). El Hip Hop tuvo sus raíces en el funk y la música disco que su vez tuvieron su base en el soul de músicos como James Brown y Sly Stone por mencionar algunos.

Ese mismo árbol genealógico podemos trazarlo para cualquier género, creo que se entiende el ejemplo. El error esta en pensar que porque un genero o un artista vino antes entonces su merito es intocable y ningún otro puede igualarlo (peor aún, deben pagar si le quieren copiar). Nada más absurdo. Es la “rueda de la evolución musical” la que la hace emocionante. Es dentro de esa rueda donde la combinación desata genialidad. Es la “orgia de sonidos y letras” la que crea cosas nuevas y emocionantes. Todo está en ser creativo en la combinación de influencias que se tienen.

Tu artista favorito es un ladrón y eso es muy bueno.

A muchos de los mejores artistas se les ha acusado de plagiadores. Elvis Presley fue tachado de imitador barato de la música negra y los Beatles de sacar todas sus ideas de Chuck Berry y Little Richard cuando empezaban a hacer bulla en Inglaterra con conciertos cargados de rock relajero y adolescente. Muchas han sido las veces que me han dicho: Led Zeppelin copio sus riffs y sus letras del blues de Robert  Johnson y Willie Dixon.

Ray Charles hizo toda una carrera de ponerle letras sexuales a melodías de góspel que él no invento.  Bob Dylan fue etiquetado por la bohemia de Geenwich Village a inicios de los sesenta como una simple copia de Woody Guthrie.

En lo ochentas, los artistas más creativos del Hip Hop como Public Enemy, Beastie Boys y Run DMC eran reprobados por la vieja guardia del rock por samplear grabaciones originales como si el arte del “sampleo” fuera cosa fácil.

Ni hablar de la cantidad de riffs robados de Black Sabbath que le he escuchado a Alice in Chains y Soundgarden. No digamos Pearl Jam cuyos dos guitarristas han cimentado su carrera en re inventar solos y riffs de Neil Young y los previamente acusados Led Zeppelin.

Bandas que nos parecen de otro planeta como Pink Floyd, Radiohead y Tool han sacado uno que otro riff de melodías no tan conocidas del Jazz. Y hasta ellos lo admiten!

Lo mejor de todo es que tanto plagio no le quita ni una gota de merito a todos estos artistas. Y porque?.  Porque el plagio es bueno  cuando se usa para crear algo totalmente nuevo. No es eso una contradicción?  Pensaran ustedes. Plagio y originalidad parecen no ir en la misma oración.  Pues en la música que ustedes oyen sí. El plagio empuja las cosas a horizontes nuevos. Ninguno de los artistas que mencione arriba me suenan a otro más que ellos mismos y ahí está el detalle diría un comediante mexicano muy famoso: Se vale robar en la música siempre y cuando sea para crear algo nuevo. Lo han sabido los más grandes y seguirá siendo así. Se vale, se celebra y hasta nos conecta con nuestros ante pasados.

No te ahueves mi bella Alicia

Al punto regreso con Alicia Keys ha quien uso de ejemplo. Dependerá de ella y su seso creativo de hacer algo nuevo con lo que se robo. Si su música es buena o mala no necesariamente estará ligada o robarse ideas o frases de canciones viejas. Peor aún será que la policía del copyright le quiera cobrar en nombre de saber que cantante limitando así las opciones que ella tenga en el vasto universo de música grabada que la humanidad ha ido recopilando.

Deja de que pensar esto de “proteger” las ideas de otros. La única conclusión que yo saco es que dichas leyes sirven para proteger solamente los ingresos de disqueras y multinacionales que poco a poco se han ido debilitando gracias a los avances en descargas ilegales así como la creciente demanda por dejar la música libre para que sea difundida entre quienes quieren oírla y mejor aun, quienes quieren usarla para reinventar la rueda musical: Los artistas.

QUE PIENSAN USTEDES?

Top Cinco albUmes del 2012 - Anus Pija

Vivimos en una época de Atention Deficit Disorder (ADD). Una época en la que todo nos empuja a consumir información de la manera más rápida y desordenada posible. Gracias a los saltos de la tecnología de la comunicación, no tenemos escusa para no "saber" todo, cualquier cosa, guarever, instantáneamente. Y esto, en el campo de actividad/vida/conocimiento profano que sea.

El consumo de música también, claro,  en la manera como  el internet ha cambiado nuestra relación al respecto, me parece ahora "exagerado" ya que las capacidades para descubrir música, y descargarla y almacenarla nítidamente, con portada y todo,  nunca han sido tan favorables, por lo que la "biblioteca" de

Pero esto, mantengo, no siempre es positivo. Es como la crítica que muchos le pueden hacer al Ipod: tener 32 gigabytes de música, pongámosle, en un aparato portátil, que uno usa "mientras hace otras cosas" como transportarse, caminar de un punto A a un punto B, hacer ejercicio, estar en una fiesta, etc... ¿ es necesario? ¿Realmente, en toda honestidad,  le estás poniendo atención  a TU música? ¿Yo puedo reconocer que no. No lo estoy haciendo, en estas condiciones.

Por ello, la necesidad de tomarme el tiempo de escuchar música, cómo machito, o sea, sentándome y dándole la atención necesaria, esa que quiere el que hace la música, que le des a su creación (es la mínima cortesía, considerando, además que el 99,9% de guatemaltecos descargamos música ilegalmente, pero eso es otra historia...).

Por lo tanto, la única lista que les puedo ofrecer compas, es una lista temática, centrada en bandas del 2012 que han hecho música dificil, elaborada, que toma tiempo en revelarse, como una película de fotografía, ¿saben que película? Esa de las viejas.

1. Swans - The Seer. El arte del viaje  tortuoso conceptual, como solo ellos saben hacerlo, lo cual es más fácil decir que hacer, sabiendo que es una banda que nace en 1983, pararon de hacer música juntos en 1996, y "reinician" en el 2010. Se trata de una obra oscura, bella, estridente... con una estructura de composición totalmente libre. Un viaje profundo. Casi aproximando el campo de la música orquestrada contemporánea. Yo no tengo amor por el atajo pop en el 2012, casi que.  

2. Goodspeed You! Black Emperor - Alelujah! Don't Bend, Ascend. El disco que más necesitamos, para liberarnos de la ADD. El "gold standard" del posrock. Algo evidente y no tan evidente a la vez, en el sentido que suenan como la banda que inició todo el estilo musical este, pero nadie se les acerca en términos de calidad y de originalidad, aún si todas las bandas de post rock persisten en imitarles ( a ellos y a Mogwai claro). Godspeed, para los que no los conocen, producen viajes musicales más que hacer música. Son viajes largos, con cambios inesperados y una batería "cabal", que le da ese toque de agresividad necesaria a la música para elevarse a niveles dramáticos inesperados. Ayuda el hecho que sean personas humildes, con ética DIY, punk, política, o como quieran llamarle. Ayuda el hecho que no pretendan más que hacer "su punk rock", a su manera, y que el resultado sea siempre mayor que las partes. Sería un error no comprender "Mladic", el opus inicial de 20 minutos, como una mirada crítica hacia la región irviente de la geopolítica mundial.

3. Chromatics - Kill For Love.  Sería fácil ver el nuevo disco de los Chromatics como un disco más que resarce los 80as newaveros, porque es lo que está de moda. PERO - y esto me lo enseñó el pésimo album de M83 del año pasado -, es un universo entero el que separa las bandas que se inspiran del new wave valioso, ese new wave existencialista y propiamente flegmático, de las que se inspiran simplemente del new wave de yuppies asquerosos (The Cars?), para que su música termine en comerciales de carros y en pasarelas de alta moda. Este, siendo próximo de la primera categoría, es un disco de un romantismo sonámbulo que no se ha visto desde que The Cure dejó de hacer música relevante, o desde que los Deftones terminaron su White Pony.  

4. Extra Life - Dream Seeds. El disco nuevo que más oí  este año, solo para "comprender" de que chingados se trata... Extra Life hacen música (más  bien "hacían", se acaban de desbandar) que se nutre de la perturbada y muy imaginativa mente de Charlie Looker. Por ahí, en el ciberespacio, hablan del sonido de Extra Life como una mezcla de "math rock" con música del "Renacimiento" (entiéndase música de flautas y tambores medievales, que solo le  podría  gustar a un trobador visigodo, o algo así). Desde mi punto de vista, su universo musical se adecua mejor a lo que hacen bandas como Oxbow, Enablers y... Tool. Tool primero, sobre todo por esa complejidad musical, esa belleza y esa extrañedad malsana que despeja. Oxbow y Enablers enseguida, por ese ritual noise crudo y salvaje,  mezclado con auténtica prosa, que le dan a Extra Life una dimensión "extra" (ja!), que solo ha fortalecido su sonido. Lástima que se terminó tan temprano.

5. Burial - Kindred EP. ¿Hay derecho de poner un EP en tus top cinco albUmes (énfasis en la U)? Lo afirmo.  Además, si no hubiera puesto este album hubiera puesto el split entre Converge y Napalm Death de todos modos, que creo que es todavía más corto que este. Pero en cualquier caso, la lucha contra el ADD globalizado no se hace solo, forzosamente, con obras lentas y tortuosas. Esta lucha se hace con música densa en sentido, en capas, en descubrimiento. No forzosamente en "tiempo" (que todos sabemos, es cuanticamente relativo). En cualquier caso, lo que es fascinante con este album de Burial es que vuelve a hacer lo que hizo hace unos años con "Untrue": revolucionar la música electrónica bailable y oscura, demostrando que él es el genio más grande de las nuevas olas de música bailable alternativa. Considerando que Burial inspiró en gran parte el dubstep beat, es notable que la evolución de estas tres rolas nos lleva a la constatación siguiente: Burial no necesita ese beat para hacer gran música, y lo prueba. Esto demuestra hasta qué punto el artista se puede desligar de "su marca", para hacer lo que él quiere, hacerlo en su forma y estilo, y hacerlo bien. Valiosa lección.

Otros discos recomendados:  Split Converge/ Napalm Death ("No Light Escapes" es la mejor canción del album que sacaron este año, de todos modos, y lo hacen al lado de las pocas leyendas vivientes y aún relevantes del grind ). The Evens - "The Odds" ; Liars - "WIWIX" ( = lo que dejó de ser Radiohead, o sea, alternativa experimental de verdad); Death Grips -"The Money Store", "No Love Deep Web" (dos esfuerzos iniciales brillantes), JK Flesh - "Posthuman" (un gran fuck you al dubstep), Cloud Nothings - "Attack On Memory" (¿será el 2013 el inicio del movimiento "neo-noventas"?)

Canciones memorables que han rolado este año:

1. EL-P - "Tougher Colder Killer" (Feat. Killer MIKE & Despot)
2. The Mars Volta - "In Absentia" 
3. Death Grips - "The Fever (Aye Aye)"
4. Unsane - "Decay"
5. Death Grips - "Lock Your Doors"
6. Converge - "No Light Escapes"
7. TNGHT - "Higher Ground"
8.  Klad Hest - "Rano Pano" (Mogwai is my Dick RMX)
9. The Twilight Sad - "Alphabet"
10. Deftones - "Tempest"
11. Metz - "Wasted" (¡viva el Bleach Rock!)
12. Gangrene - "Dark Shades" (Feat. Evidence & Roc. C)
13. Action Bronson & Alchemist - "The Alchemist"
14. Death Grips - "Lil Boy"
15. Converge - "Wolverine Blues" (Entombed Cover)
16. Ty Segall - "Love Fuzz"
17. Tame Impala - "Mind Mischief"
18. Captain Murphy - "The Killing Joke"
19. Lighting Bolt - "Fly Fucker Fly"
20.  Lee Ranaldo - "Xtina As I Knew Her"

Top 5 del 2012 - Pete

Bueno, amigos lecluberos. Ha llegado la hora de ver cuáles son los discos que más nos han gustado y llamado la atención de este año que está terminando. He de decir que me parece que ha sido un año excelente, con muchos buenos discos, bandas nuevas, bandas viejas, bandas reformadas y uno que otro proyecto nuevo. Sin más, estos son mis top 5:

1. The Walking Papers - The Walking Papers: Sin duda, uno de los mejores discos del año viene de esta banda formada por varios veteranos de la escena de Seattle, incluyendo a Barrett Martin (Screaming Trees, Mad Season, Tuatara), Jeff Angel (The Missionary Position), Duff McKagan (Loaded, Velvet Revolver, Guns n Roses) e incluye a invitados como Mike McCready. Una colección de canciones con riffs poderosos por ratos, goovy y ambiental al mismo tiempo y con excelente lírica, una rareza en estos tiempos. Sobresalen: Your Secret's Safe With Me, The Butcher y The Whole World's Watching.

2. Alabama Shakes - Boys & Girls: Para muchos, el disco más esperado del año. Desde finales del 2011 se veía venir el debut de esta banda de rock sureño, que por ratos recuerda a Janis Joplin en su mejor época. Los primeros dos versos que inician el disco dicen Bless my heart, bless my soul / Never thought I'd make it to 22 years old y sirven para dar el ambiente que nos acompaña por los próximos 36 minutos. Un debut breve, pero prometedor para esta banda. Recomiendo las canciones: Hold on, Hang Loose, I Ain't The Same y Boys & Girls para transportarse a una década donde el R&B significaba algo diametralmente opuesto a lo que es hoy en día.

3. RNDM - Acts: Otra banda nueva compuesta por músicos que han sobresalido en los últimos años: Joseph Arthur (veterano de la escena indie de NYC), Jeff Ament (Pearl Jam) y Richard Stuverud (The Fastbacks, Three Fish y Tres Mts.). Siguen la clásica configuración del power trio y las líneas de bajo de Jeff Ament se pueden apreciar como en pocas oportunidades. Temas como: Look out!, Darkness y Walking Though New York dan una buena idea de lo que pueden esperar de esta banda.

4. Mumford and Sons - Babel: Con el sólo hecho de haber regresado al mainstream instrumentos como el Banjo, la Mandolina y el Dobro esta banda inglesa amerita ser escuchada. Continúa con la tradición del Folk Rock con su segundo LP, una mezcla de canciones intensas ton toques irlandeses y folk que le dan a esta banda un sonido muy característico. Aunque el éxito comercial no sea una medida de comparación, da gusto ver que el disco más vendido del año fue de música y músicos respetables. Recomiendo escuchar: Babel, I Will Wait y Broken Grown.

5. Soundgarden - King Animal: Este disco entra de colado a la lista. Sin haber tenido aún la oportunidad de absorberlo al 100%, puedo adelantar que se siente como que los 16 años que esta banda estuvo separada nunca ocurrieron, que Chris Cornell nunca hizo discos como solista y que en este 2012 grabaron la secuela que se esperaba a Down on the Upside. Esperemos que esta opinión supere la prueba del tiempo y que el disco añeje bien. Rolas interesantes: Been Away Too Long, By Crooked Steps y Bones of Birds.

Discos que aún no he tenido oportunidad de escuchar bien este año, pero que podrían estar en la lista: Neil Young - Psychodellic Pill, The XX - Coexist, Old Ideas - Leonard Cohen.

Caifanes: 26 de Octubre 2012

Recuerdo mi niñez en los ochenta creciendo con la idea de que toda la música latina se reducía a lo que salía en “Siempre en Domingo” (ó “Siempre lo Mismo” como dice mi hermana) y lo que comercializaban los medios mexicanos que a su antojo vendían al “artista del momento”; aquella tu actriz estirada de telenovela (con peinado de leona en resaca) o grupito de quinta que a puro “playback” arrancaban los aplausos secos de un público tan aburrido como los artistas que admiraban.

Entonces aparecieron (como si de la nada) los Caifanes, un quinteto de melenudos con un sonido neo gótico, neo alternativo que parecían  salidos de la cueva  de los anti sociales y drogos.  Eran los “raros” que nadie quería poner en un escenario: “Aquí vendemos discos y no ataúdes” cuenta el bajista Sabo Romo que les dijeron  en su primera audiencia con una gran disquera. Los Caifanes rompieron esquemas y conectaron con una legión de jóvenes cansados de no identificarse con lo que veían en las pantallas de “Tenebrisa”. Y se metieron (inteligente mente) en la consciencia masiva gracias a su interpretación de la “Negra Tomasa” haya por 1986. Lo que vino después, fueron cuatro discos cargados del mejor rock latino que nuestros vírgenes oídos escucharían hasta la ruptura del grupo en 1997.

Su presentación entonces  el pasado 26 de Octubre en Ciudad de Guatemala cargaba un peso histórico que obligaba a asistir dado el hecho que venían después de reunirse en 2011 y por supuesto, para escuchar esas rolas tan míticas y tan “Caifanescas”. Saul Hernandez, Alejandro Markovich, Sabo Romo, Diego Herrera y Alfonso Andre nos tenían una deuda a todos los fanáticos guatemaltecos que por años soñamos no solo con verlos reunidos  sino tocando en tierras mayas. El resultado fue entonces una noche muy especial que se pinto de sonidos y letras del mejor rock azteca. Añejado, destilado y con sabor a Caifanes.

Quede maravillado desde el inicio a las 10 en punto de la noche cuando aparece el tecladista Diego Herrera en el escenario. Aplausos, luces y los primeros acordes de “Viento” estallan por todo el recinto revelando a los cinco Caifanes en el escenario. La gente se vuelve loca (y yo más!). La voz de Saul Hernandez no se distingue durante las primeras dos canciones pero el error es corregido y el desfile de perlas continua: “Para que no digas que no pienso en ti”, “Miércoles de Ceniza”, “Aquí No es Asi”, “Miedo” entre otras.  “Los aplausos no son para nosotros, son para ti” dice el siempre carismático Saul entre canciones.  Una dedicatoria a las víctimas de Totonicapán en “Ayer Me Dijo un Ave” divide al público en aplausos de algunos y silencio incomodo por parte de otros (a los chapines no les gusta que les mezclen su rock con su política, pensé).

El sonido es claro y envolvente (a pesar de la mala acústica del recinto Mundo E), Markovich y sus riffs le dan ese toque magico a cada canción, magia  que al unirse a los demás músicos invocan dioses de fuego, tierras y templos ocultos. Siguen otras que estallan como manada de pájaros negros: “Mátenme Porque me Muero”,  “Piedra” por dar un ejemplo. Aquí no se queda ninguna rola afuera: “Cuéntame Tu Vida”, “Perdí Mi Ojo de Venado” (tocada de forma frenética para darle un push muy especial) y por supuesto la clásica “Los Dioses Ocultos” provocan aplausos y coreadas colectivas. 

Caifanes deslumbra y emociona a su público pero ante todo lo hace recordar. Pienso en décadas pasadas, en mi adolescencia, en ir a toques y caminar por las calles del centro histórico; en fin, me transporto con la música. El encore  final completa el circulo con cinco rolas magnificas: “Amanece” que me impulsa a meterme al mosh pit con su nunca nadie me podrá parar del coro. “Afuera” suena como una especie de rito, creciendo poco a poco en su parte final para causar éxtasis entre los bailarines alrededor de la fogata sonica de sus coros.  “La Celula Que Explota” y por supuesto “No Dejes Que” y la “Negra Tomasa” cierran el concierto.  En total, casi 2 horas y media de música. Un setlist que no puede ser más completo ante un público escaso (el precio de la entradas fue alto y la promoción del show muy tardía).

Caifanes deja buen sabor de boca. Ojala no sea la última vez que los veamos. Bajo una noche donde todos quisimos que el tiempo se detuviera muchos años. (Francisco Valdés)

Fotos tomadas por El Circo del Rock: www.elcircodelrock.com

G.I.S.M.

Bajo dichas siglas fue bautizada allá por 1981 una de las primeras bandas de punk en Japón. Las iniciales tienen varios significados que son -según me acuerdo-: "Guerrilla Incendiary Sabotage Mutineer" o "Gnostic Idiosyncrasy Sonic Militant", entre otros.

Más allá de lo que pueda significar G.I.S.M. representa la actitud con la que nació un moviemiento algunos años antes en las grandes ciudades industrializadas de Estados Unidos y Gran Bretaña y que se había perdido por la fuerte entrada del New Age durante esos años.

Algo que hace especial a esta banda son los toques de guitarras metalosas con una voz garrasposa que, en algunos momentos, me recuerda a bandas como Conflict o Doom. Algo muy característico de esta banda es que el vocalista, Sakevi Yokoyama -artista, diseñador de tshirts y portadas de discos- durante sus años con G.I.S.M. era famoso por golpear a la gente que se le quedaba viendo fijamente e incluso, la atacaba con una lata de pintura y un encendedor a semejanza de un lanzallamas. Asimismo, fue famoso por bajar al escenario durante los pits y bailar duro con los asistentes.

La banda se desintegró a mediados de los 90. 10 años después su batero original murió por lo que en 2002 hicieron unos cuantos shows en Japón y volvieron a desintegrarse. Vale la pena escucharla, sonidos únicos y actitud.

La esencia de la fresquitud: Kool Keith, J Dilla, Edan

Aquí en le club somos pésimos para muchas cosas: postear constantemente, no ser unos esnobs de la música, contentarnos en escuchar salsa, cumbia, merengue (y todo tipo de música "alegre y bailable" que supuestamente representa a toda latinoamerica y a todo latinoamericano), etc.... Pero para lo que sí somos buenos, es para tratar de abarcar la mayor parte de estílos de música pop, alternativa, experimental que estimamos en esta comunidad... porque de eso se trata este blog.

Teniendo eso en mente, los dejo con una lista de tres albums indispensables del género que más te hace mover las nalgas, pensar en ideas lujuriosas y ponerte ropa  de talla XL.

Dr. Octagon -  Octagonecologyst (1997). Kool Keith, el rapero más depravado de todos. No porque cante sobre darse a prostitutas mientras que maneja mercedes benzes, más bien porque su mente tiene una afinidad hacia temas como mutilaciones alienígenas, juguetes ochenteros, operaciones quirúrgicas, infecciones, insectos,  rock, animales de campo y ... sexo, claro. La octagoginecología toca como una fiesta de a tres, con el dimmer bajito bajito, oleadas de humo aromático, y un toque de psicodelia que solo  has oído si alguna vez has osado entrar en el templo del boom. Y si creen que las temáticas son de amplio rango, oigan el album, que la producción es tan variada y ecléctica como las ideas del más Kool.

Edan - Beauty And The Beat (2007). Este album se merece el apelativo de  "referencia" del hip hop de los 2000, y del hip hop en general Y... de la música no convencional, así en plan "igualdad de condiciones". Lo que lo hace una "referencia", es la manera como Edan regresa a las raíces del hip hop, rebuscando samples de la época de la inocencia de la música pop. La psicodelia, el funk, el rock... o derepente le saca la psicodelia al funk. El uso de los samples llega al nivel de un tal Paul's Boutique, por la manera como todo encaja perfectamente. El resultado es más fresco que una lechuga que le gusta el hip hop. En suma: un viaje.

J Dilla - Donuts (2003). La trágica muerte de uno de los mejores productores de hip hop de esta época, se lee como la muerte de uno de los grandes héroes invisibles del hip hop. Esos héroes que hacen la música sobre la cual las lenguas más fluídas navegan. Me gusta imaginarme que para un artista del rap, el beat es su más grande musa.  Este album no solo funciona como un auto-tributo al mismo artista (J Dilla muere solo tres días después de la salida de este album), sino que es un tributo al motor de la historia del hip hop: la reapropriación de partes de otras canciones, para hacer de estas la columna vertebral de una nueva fuente creativa. El reciclaje como arte. Esta album será en la historia el non plus ultra del hip hop instrumental. Se me hace.

Cine: "Celebration Day"

Como parte del estreno mundial de este concierto filme y para quienes solamente soñamos con haber estado en el concierto del 2007 en el O2 arena de Londres se estrenara también en Guatemala Celebration Day de Led Zeppelin.

Considerando que las pocas reuniones de la mítica banda después de la muerte de John Bonham habían sido bastante decepcionantes, el concierto del 2007 sirvió como una especie de reivindicación (y en cierta forma cierre) de la historia de la banda. Acompañados del hijo de Bonham, Jason; Robert Plant, Jimmy Page y John Paul Jones recordaron al público asistente de porque el peso de Led Zeppelin en el rock es inmensurable.

Por supuesto que no estamos hablando de una banda en su apogeo circa la gira Houses Of The Holy de 1975 cuando sonaban como gigantescos dioses sobre el escenario PERO no cualquier grupo de hombres de la tercera edad suenan así y por eso las criticas que recibieron de este toque fueron bastante positivas.

Les dejo el afiche con la información de fechas y cines así como el tráiler para que den una probadita. Tal vez nos vemos allí para intercambiar historias de esté grandioso cuarteto y quien quita hasta los invito a una chela. Rock n Roll niños y niñas. (Francisco Valdés)

Mas de Led Zeppelin en el blog:

Discos Recomendados: Led Zeppelin II

Led  Zeppelin: 30 años sin el martillazo de los dioses

Cliff Burton, 26 años después.

Recordando a Cliff Burton, 26 años después de su muerte, Metallica está regalando la descarga  completa del concierto en Le Riff, Toulouse, Francia del 22 de noviembre de 1984.

Este concierto fue grabado durante la gira de Ride the Lightning, con un excelente solo de bajo de Cliff.  Aprovechen esta descarga de lo que muchos llaman la época de oro de Metallica y escuchen una vez más a uno de los bajistas más reconocidos en la historia del metal.

Descarga aquí.

David Bowie "Low"

Reinventarse parece el “mantra” de David Bowie a través de su carrera, su imagen estética y aun mas importante su sonido parecen sumergirse en una diversidad de estilos que al final resultan siendo únicos gracias al toque personal que solo este marcianito británico le sabe dar a su propuesta. Bowie es un visionario como pocos hay en el “mainstream” de la música del siglo XX, gozando inclusive de éxito comercial sin dejar de fascinar a críticos y fanáticos por doquier.

Entonces apareció Low en 1977 después de que Bowie había cosechado éxito como máximo exponente del glam (encarnando aquel mesías musical Ziggy Stardust) y produciendo un fantástico funk plástico en sus discos de mediados de los setenta (Young Americans y Station To Station). Low fue un “stopgap” que llego a durar tres discos gracias a la sociedad con otro visionario: Brian Eno.  Un disco que desafía los paradigmas de lo que un LP debe ser. Para empezar no es un disco linear sino compuesto por  una mitad de canciones con letras y la otra por atmosferas musicales muy enraizadas con la electrónica de Kraftwerk y el kraut rock alemán.

 “Warzawa” con sus cantos neo gregorianos en latín parece invocar algo de la película Dune; “Weeping Wall” y “Subterraneans” provocan esa sensación de encierro y soledad que poca música saca a brotar en el oyente.  “A New Career in a New Town” me hace pensar en carreteras interminables, planes futuros y visiones de ciencia ficción. En pocas palabras, Low te transporta con sus paisajes musicales. Eso no le quita merito a las canciones de la primera mitad claro, Eno rodea la voz de Bowie con un muro de sonidos disonantes y espaciales dándole empuje a canciones que por otro lado sonarían demasiado pop. “Sound and Vision” sube y baja, se choca contra los muros para reconstruirse una y otra vez. “Always Crashing in The Same Car”  suena como la primera canción de blues hecha con sintetizadores y “What In The World” la danza robótica llevada a su máxima expresión.

De todas sus reencarnaciones a través de su larga carrera David Bowie tal vez nunca tuvo otra tan particular como la que logro junto a Eno y el grupo de músicos que lo ayudaron a crear su magnífica trilogía de Berlin (que siguió después de este disco con Heroes y Lodger) intentando así mover la música rock hacia terrenos inexplorados y asimétricos. La definición pura de música vanguardista. (Francisco Valdés) 

Canción del Dia: Justice "On 'n' On"

Creo que si Rush y los Daft Punk se unieran para componer una rola sonaria un poco como a Justice. Tripeado video que seguramente inspirara alucinaciones en algunos de ustedes. Feliz martes psicodelico.

Canción del Dia: Bob Dylan "Duquesne Whistle"

Dylan sigue regresando a los incios de la musica del siglo veinte con este primer single del nuevo disco que sale este martes titulado Tempest. Simpatico video que lo acompaña a una canción con tintes de jazz y country de la post guerra. La voz rasposa siempre le da un toque magico. Pa echarse la bailada no creen?.

'Coexist' de The xx en streaming

A partir de hoy se puede escuchar el nuevo disco de The xx en streaming en este link, cortesía de NPR.  Qué piensan cluberos, cumple con sus expectativas? Esperamos sus comentarios!

2 Minutos: 17 de Agosto 2012

“Nosotros venimos del sur de la ciudad…”. Y en este caso de una ciudad al sur del continente mismo. De esta forma, Los 2 Minutos de Argentina iniciaron su toque de este pasado 17 de agosto  en la Bodeguita del Centro y todo el desmadre se desato. Buen desmadre claro, lleno de energía, fraternidad y abandono. Punk rock del bueno. Las primeras notas de “Valentin Alsina” una de las rolas insignia de la banda reúnen los coros de todo el recinto: “Barrio Obrero!, Valentin Alsina!”. En esta noche todos nos sentimos que venimos del mismo barrio. Y porque no? Pienso yo, al final es el punto de todo buen toque: conectar la banda con el público.

 “Canción de Amor” (la oda a la cerveza) y “Barricada” llegan al inicio del set para mi sorpresa. Los chicos se vuelven locos con esta última, se sale de control el pit, la seguridad empieza a sentirse abrumada, uno que otro puñetazo que no pasa a más.  No está llena la Bodeguita (madres, si que tenía tiempo de no venir), pero hay suficiente gente como para hacer del ambiente algo especial. Empieza el mosh, los de enfrente tratan de lanzarse al escenario, veo uno que otro miembro de las bandas teloneras hacer surfing entre el mar de gente.

Ese atractivo del punk “old school” bien tocado y con personalidad autentica siempre hace sentir bien a quien lo lleva en el corazón, y esta noche suena muy bien. Me cuenta un amigo que la presentación del año pasado careció de buen sonido;  pero ese no es el caso hoy, la instrumentación suena en su punto (a pesar que los 2 minutos se ven cansados por el viaje desde El Salvador que hicieron esa tarde), la voz del Mosca no se pierde nunca, el vocalista de la banda siempre sonriente con los chicos les ofrece una que otra anécdota para explicar de dónde viene cada rola. Sigue la música: “Amor Suicida”, “Todo Lo Miro” y “Postal 95” entre otras clásicas.  Se siente la unidad entre público y banda, este noche al menos, los desamparados no están solos. 

De repente la seguridad que cuida el escenario pierde los estribos y golpea a un muchacho, se detiene la música, el Mosca pide calma, empiezan los insultos colectivos que por ratos amenazan con descarrilar el show pero todo pasa. Hay mucha adrenalina y los chicos solo quieren estar cerca de sus ídolos. Por que culparlos?.

Para el final los 2 minutos ofrecen entre otras rolas un cover de los Misfits y cierran el concierto dejando buen sabor de boca entre los que hicimos la peregrinación hacia la zona 1 esta noche. Todos se ven contentos, la espera valió la pena. Me trago lo último de mi cerveza y busco a mi primo que me acompaño para iniciar el regreso y intercambiar impresiones: “Ojala no sea la última vez que los veamos” le digo. Creo que no, AGUANTE  2 Minutos!.  (Francisco Valdés)

 Agradezco a las almas anónimas por abusiva mente dejarme usar los vídeos que filmaron.  

Presentación Segundo Disco de Madam Funtoo

Los buenos amigos de Madam Funtoo regresan con su segundo cóctel de buen stoner rock titulado Cuentos de Ultradunda y que presentaran este viernes 31 de agosto a las 8 PM en la Maga (6ta Avenida “A” 18-83 Zona 1). Estarán Acompañados de Yvan Joint, Trinky y Dubby Dub Selector.  Las entradas están bastante baratas y les incluyen el disco con cervecita de cortesía (quien dijo combo).  Los dejo con el magnífico arte y un video promocional para que les de ganas de salir de sus casas y experimentar algo de buen rockon este viernes. Los esperamos niños y niñas!.

Enablers: el espíritu de contradicción

Hay bandas que tienden a hacernos utilizar el adjetivo "especial" cuando nos referimos a ellas. Esta banda ni la menciono como "especial" entre mis amigos...porque no la menciono, la "guardo", como un especie de secreto mantenido celosamente. En realidad, la banda se preserva ella misma ya que fundamentalmente son una banda de músicos serios y maduros, que no encajan en un estilo predeterminado ni escena musical.

Estamos hablando entonces de viejos maduros del mundo alternativo que hicieron sus pruebas en bandas como Swans, Touched by a Janitor, Tarnation, Codeine, más un poeta poseído por el universo beat, el "cantante" Pete Simonelli. En muchos sentidos, se aparentan a otro gigante discreto y sinistro del mundo underground, que más de una vez hemos mencionado en estas páginas: Oxbow. En otros aspectos, se parecen a Slint (sobre todo por el toque spoken word). Si The Doors no hubieran vertido tan regularmente en la psicodelia y la virtuosidad instrumental, podríamos incluirlos a ellos también por comparación. Pero el hecho es que tanto Enablers como Oxbow son bandas que parecen retomar el camino que inició Jim Morrison y compañía y llevarlo por la tangente del noise, de la música menos convencional, con un imaginario que le debe más al mundo literario "sucio" de Sallinger, Bukowski, en estilo y actitud.

La diferencia, se encuentra en la energía negativa que estas dos bandas reclaman orgullosamente y con tan buen estilo. Actitud y estilo. La música es lo que esta al corazón de todo, en realidad, la unión entre Simonelli y los Enablers es un caso de convergencia artística, no es uno que jala al otro. El arte de componer canciones en este caso encaja perfectamente bien con la poesía que se dispensa. Igual que en el caso de Oxbow.

Musicalmente, Enablers no es tan abrasivo como Oxbow (porque nada es tan abrasivo como Oxbow), es en efecto, una mezcla de Slint y de partes dinámicas inspiradas, con vórtices de guitarra atonal, baterías en contratiempo, explosiones de ira y una buena dosis de rock. Los albumes estan bien construidos, son sólidos de principio a fin, y son una escucha recompensante. Tundra (2008) y Blown Realms and Stalled Explosions (2011), son solamente dos ejemplos de una carrera que comienza en el 2004 con End Note, y que ha producido una obra global coherente, potente y demasiado poco conocida. 

Canción del Dia: 2 Minutos "Valentin Alsina"

Banda insignia del punk argentino que se presentan esta noche en la Bodeguita del Centro de Ciudad de Guatemala (por si pensaron que no tenían nada que hacer hoy). Aquí les dejo a estos muchachos del sur de la ciudad, Barrio Obrero!. Valentín Alsina!.

Top Cinco: Segundos Discos

Ya hablamos hace unos años de los primeros discos, su gracia y su esplendor. Lo segundos discos a veces pasan desapercibidos, y a veces superan al antecesor. Aquí cinco magníficos ejemplos de bandas que siguieron cosechando y a veces mejorando la siembra.

 1. Joy Division ¨Closer¨  1980

 2. Black Sabbath ¨Paranoid¨ 1970

 3. Mastodon ¨Leviathan¨    2004

 4. Led Zeppelin ¨II¨   1969

5. Queens Of The Stone Age ¨Rated R¨   2000



Menciones Honorables: Beastie Boys ¨Paul's Boutique¨ , Lou Reed ¨Transformer¨, Public Enemy ¨It takes a Nation Of Millions to Hold Us Back¨ 

 Cuales son sus segundos discos favoritos?

Will Haven -Carpe Diem (2001)

Tal y como el superhéroe multimillonario de la caverna llena de murciélagos en la tercera parte de su TRILOGIA, los neo metaleros son una especie de héroe caído en desgracia "justamente" condenado al ostracismo, en la mayoría de los casos, por todo guardian del buen gusto del metal.

Los guardianes del templo no podrían ni pensar en que ese tal Fred Durst hubiera sido capaz de hacer algo bueno en su vida, por lo mismo, Jonathan Davis es una putita llorona que aparentemente fue trasteado demasiadas veces por algún pariente perverso, en su infancia.

Pero, estas evidencias de lo que tristemente se volvió este subgénero, en gran parte por el mismo mecanismo perverso que desvirtuó el grunge (o sea, el mercado y las grandes compañías disqueras), no debería cegarnos a la realidad que hubieron buenas bandas que hicieron con el supuesto crossover metal-rap, cosas interesantes.

Los Deftones es una de ellas. los primeros dos albumes de Korn, son unos "clásicos" que cualquier metalero te confirmaría. El primero de System of a Down, aunque no impacte tanto como en la época, es interesante. Hasta el primer intento de Limp Bizkit y de Slipknot respectivamente, tuvieron sus momentos (en gran parte por la genialidad de miembros aislados de la banda).

Will Haven, es una banda que sin duda debería haber inaugurado una nueva etapa en la evolución de un subgénero que ante todo, se basaba en un esquema "metal" / breakdown / Drop D tuning, que, bien ejecutado, podía ser imparable. Lo que pasa es que, con todo lo que nos puede gustar el hardcore y sus variantes, no tod@s gozamos de esa temática persistente tough guy/lucha por sobrevivencia... pero esa gana de construir tensión y de liberarla a base del famoso Breakdown, no podía ser marca registrada de este estilo. Los chicos del suburbio necesitaban expresar su ira. El neo-metal podría haber sido algo más (que la basura comercial que realmente liberó), podría haber sido la evolución de Helmet, o porque no, la evolución del sonido de RATM.

Will Haven, cuates de los Deftones, de la misma región (la costa oeste US), hicieron y siguen haciendo música que se encuentra en el límite de estilos, pero que en la época fue ese paso en adelante de la música fusión metal. Si hubieran comenzado hace un par de años apenas, serían catalogados posthardcore/screamo, o algo por el estilo. Si hubieran comenzado a principios de los noventa, hubieran sido catalogados como amprep noise.

Carpe Diem es un disco de una intensidad poco usual. Dejemos de lado la intro, que suena como si uno fuera a entrar en la casa de fantasmas de playland park, y concentrémonos en la intensidad que se mueve desde esos riffs repetitivos y disonantes. El vertigio solo es mitigado por algunas canciones que avanzan lentamente y en todo suspenso en crescendo, pero que regresan siempre al estilo del album (un riff, un coro grandilocuente, la voz del gran Grady Avenell y una producción masiva), en particular "Finest Our" y su final acústico, que solo deja el espacio de respiro necesario para abordar la continuación de las gloriosas hostilidades (la secuencia de canciones que sigue es fantástica, y constituye el paso de cuarta a quinta en el esquema del album). En ciertos aspectos, este disco podría compararse a otro album del 2001 que marcó  mi conciencia y seguramente muchas otras: el Jane Doe de Converge. 

Dirty Three - Dirty Three (1995)

 Ay Constellation Records! 

(suspiro)

¡Cómo te quiero! ¡Cómo me has hecho vibrar! desde la primera nota efectuada por Godspeed, desde la primera vez que oí la furia de la viola eléctrica de Hanged Up, de la calma y la exactitud de Do Make Say Think, del crescendo de Silver Mt Zion, etc...

 Cuantas noches pasadas contemplando nada más que las ideas amorfas que pasaban por mi mente, al oir esa harmonía instrumental que transmitían todas esas bandas. 

 Curiosamente, esta reflexión sobre Constellation no va en el sentido de celebrar el catálogo de la disquera, algo que aparento y que deberíamos todos hacer, curiosamente.

La reflexión  va más bien en reconocer, que, sin lugar a duda, si no fuera por el camino que abrió el trio de australianos sucios, el Dirty Three, un camino en el que se emplearon todas las técnicas explicadas y aparentes en la música de las bandas susodichas, no por separado, pero en una sola identidad del desierto melancólico australiano, pues,  esta disquera nunca nos hubiera  deleitado, probablemente, con esas sonoridas específicas y edificantes del denominado post rock de los dos miles. 

El Dirty Three, es la creación del trio Warren Ellis, Mick Turner y Jim White, existente desde principios de los 90 y aún  activos, recientemente retransformados junto a Nick Cave en la potencia rock Grinderman y Grinderman 2 (mencionado ya en las páginas de este blog dicho sea de paso). El Dirty Three es el arte de hacer música de tipo "landscape": o el arte de pintar progresivamente un escenario que yo visualizo como el atardecer con un punto horizonte vasto, caliente, un sol perfectamente geométrico, rojo, unas nubes oscuras, un cielo pastel, suave, que esconde la brutal austeridad del desierto. Y en medio, porque no en el centro de la perspectiva, el corazón rojo de Australia. 

Música contemplativa, música apasionada, hecha por hombres de una tierra sin duda mística. Este album, como la mayoría de su discografía, es una escucha muy gratificante, recomendable para todas y todos, especialmente para los fanáticos de la disquera canadiense que mencioné al principio. Para conocer a los pioneros.

Cine: Stop Making Sense

Una cosa es hacer música original y otra papaya diferente es atarlo a una puesta en escena vanguardista. Eso es exactamente lo que los Talking Heads lograron con este concierto película del director Jonathan Demme en 1984 titulado Stop Making Sense. Es como si reinterpretaran sus canciones con el escenario de cómplice. Canciones que de por sí, ya cargan una estética diferente y anti convencional. Canciones que destacaron en una década poco destacable. Pero esa era la belleza de este cuarteto tan extrañado casi veinte años después de su separación. Deléitense con esta joya musical y visual completita de principio a fin. Verdaderamente “Once In a Lifetime” como diría la canción. Silencio en la sala por favor. (Francisco Valdés)

Canción del Dia: Patti Smith "Nine"

La reina poetiza, bastión del punk, mujer de apasionada fuerza lirica. Patti Smith regreso este año con el disco Banga. Aquí una simple probadita. La exquisita "Nine". Claro está que esta mujer hace discos, no canciones y bajar el disco entero mi receta de hoy para ustedes, este humilde  witch doctor de la música recommends. (Francisco Valdés)

Mas de Patti Smith en el Blog: Patti Smith “Horses”

The Ramones: Ramones (1976)

Simple, rápido y directo a la yugular, los Ramones son el mejor ejemplo de música sin pretensiones, divertida y audazmente única. Cuatro “misfists” de las calles de New York sin ninguna otra intención mas que imponer su ley de tres acordes, canciones de dos minutos y letras sobre las chicas que les gustaban, oler pega, y ser autentico ante una sociedad que te exige ser todo lo contrario. Ellos no querían cambiar al mundo pero tampoco querían que el mundo los cambiara a ellos. Con todo y esa simpleza, los Ramones me suenan infinitamente originales, no encuentro nada que se les parezca. Me alegran el día cuando la estoy pasando mal, y me recuerdan que lo más valioso que tenemos no se puede comprar: el ser uno mismo.

Genial punto de partida este primer disco editado en 1976 (aunque no deben quedarse solo allí, ojo dije punto de partida), abriendo con la gloriosa “Blitzkrieg Bop” y su fantástico: Hey Ho!, Let’s Go!. Es como un llamado a la guerra. “Judy is a Punk”, “Beat on the Brat”, “53rd and 3rd”, “Loudmouth”, todas clasicas del punk; mejor dicho, del rock en general. Un ejército revolucionario marchante, encaminado a derrumbar toda pomposidad plástica que lo rodea.

Nunca tuvieron éxito comercial, se pasaron veinte años recorriendo bares y estaciones de radio independientes pero a su paso Joey, Johnny, Dee Dee y Tommy dejaron un legado tremendo que ahora la gran mayoría de tus bandas favoritas aclama. Es increíble la cantidad de metaleros, iconos del rock y bandas alternativas que les han rendido tributo con un cover aquí, o con una mención haya. No por nada su catálogo paso a formar parte de la gran constelación de música única e irrepetible. Pero esas cosas valen madre, aquí lo que queda es una lección para todos ustedes músicos en desarrollo, y lo dijo Lemmy: “todo (lo que importa) del rock lo pueden aprender de los Ramones”. Hay les va su primera lección. Yo también quiero seguir aprendiendo. (Francisco Valdes)

Cancion del Día: Jay Z & Kanye West: No Church In The Wild

Digan lo que quieran de estos dos sobre inflados hip hoperos, cometen strikes, pero cuando le pegan, la sacan del campo. Del disco que sacaron juntos el año pasado titulado Watch The Throne. Bastante dark.

Utilitarian

 
Despues de 30 años nos vamos dando cuenta que pocas bandas nos han acompañado tanto tiempo. En muchos casos o se separan, o empiezan a hacer discos de muy baja calidad en un ultimo esfuerzo por "hacer unos centavos" o terminan por razones trágicas. Sin embargo, las hay algunas que siguen con la misma energía que tenían en sus inicios y logran mantenerse firmes con una base de fans intacta e inclusive más grande. Es el caso de una de las bandas que más influencia ha tenido en todo tipo de género, del grind al death pasándo por el punk. Nos referimos por supuesto a los grandes maestros de Napalm Death.
Este año celebran sus 30 años de exitencia, no siempre con el mismo line up, pero siempre con la misma intensidad y deciden hacerlo con una de sus mejores producciones: el disco "utilitarian". Además de tener una producción impecable y seguir en la misma línea que "time waits for no slave" es importante señalar la presencia de invitados distinguidos, entre ellos el compositor John Zorn que los acompaña con Saxofón.
Curiosamente, al escuchar el disco, es importante hacerse la pregunta: qué es lo que define esa calidad tan particular de ND? Qué hace que cada disco sea tan "por encima de la media" sobre todo al comparar con producciones de grupos nuevos e incluso contemporáneos ( los discos de Slayer de este siglo, por ejemplo, aunque muy buenos, no llegan al mismo nivel ( y de igual manera podemos mencionar a Cavalera Conspiracy, Sepultura etc....). Pues bien, una de las respuestas que se nos ocurre es que ND está realmente alimentado por aquél sentimiento "anti-sistémico" que provoca uno de los elementos fundamentales del metal, del rock, del punk y sobre todo del grind inteligente ( tipo Nasum): la desesperación ante un mundo injusto que deshumaniza cada vez más la vida y provoca miseria y explotación. Mientras algunos pocos se enriquecen, la mayoría se empobrece. Si esto es el combustible de ND, con los recientes acontecimientos mundiales podrán tener una idea de la calidad del nuevo album de los niños terribles de Birmingham. Esperando que salgan de gira mundial y vuelvan a visitarnos, tengamos por lo menos la seguridad que el alma de este cuarteto sigue intacta.
All Hail The New Flesh

Cancion del Dia: No Age - Fever Dreaming

Me tope en la tele con este video y quise compartirlo con ustedes compatriotas cluberos. No se si fue su sonido a lo Ramones de la banda, la destrucción magníficamente coreografiada del video o simplemente las ganas que me dio de mover las nalgas. Mejor decidan ustede que lo hace tan atractivo. Elo aquí.

JK Flesh, Posthuman (2012)

El Dubstep es un estilo musical que todavía no se ha liberado de la incognita sobre la verdadera substancia del mismo: ¿Estamos hablando de una moda, o de un nuevo estilo de música bailable?

La mara que apoya la primera opción, seguramente estarán hartos de oir ese wa wa repetitivo, saturado y el especie de "big base" à la Skrillex que lo acompaña, como marcas de la superficialidad del mismo. O sea, se puede transformar cualquier canción en un himno dubstep solo con descubrir el secreto de hacer esos soniditos.

La mara que lo reconoce como un género aparte con todos sus derechos, seguramente estará enamorado, como es mi caso, de ese ritmo tan particular, que hace que la gente se mueva de otra manera... ese especie de transe que brinda, como lo fue el "amen beat" para el drum n' bass, el ritmo tan particular de este. Y eso hace toda la diferencia. La estructura es atractiva, es visceral. Seguramente eso fue lo que motivó a Justin Broadrick a retomar los controles creativos preJesu y reformarse como JK Flesh, un especie de nuevo retoño, actualizado, de Godflesh. Porque de eso estamos hablando, de poner a Godflesh de moda, de nuevo.

Posthuman es  entonces el intento de Broadrick de retomar el sonido abrasivo industrial de sus inicios con Godflesh y con otras encarnaciones (Final, Techno Animal), y darle una nueva identidad, basándose en la rítmica dubstep, pero además, apegándose a lo que realmente hace del dubstep un género aparte: el instalar un ambiente "dub", parecido a lo que los maestros del sonido Illbient (Spectre, Bill Laswell, las producciones Wordsound...) empezaron a hacer desde mediados de los 90's (ver el post sobre  el crooklyn dub consortium en este blog). O sea, un sonido tripeado, personal e intenso, pero a la vez bailable (recuerda hasta cierto punto el éxito del sonido de Ministry en la época Mind Is a Terrible Thing to Taste y Psalm 69, 88-93). 

La nueva identidad del Dark Ambient de Broadrick es todo un éxito, déjenme decirles. Seguramente uno de los mejores albumes de este año.

para oirlo: diegopad.insgt@gmail.com