Top cinco: 2014

2014 ha sido año de buen musicón. No ha habido escasez de buena música, ya sea estemos hablando de viejos clásicos que reanudan con sonidos de décadas pasadas (Godflesh, Aphex Twin, Eyehategod, Swans)  de artistas de actualidad que sigan empujando su visión artística (The Bug, Blut Aus Nord, Flying Lotus), o de nuevos proyectos que estén incendiando oídos en todo el mundo (Nothing, Antemasque, Sunn o))) con Scott Walker).  Con esto en mente,  le pedimos a los miembros del club que presentaran sus cinco albumes preferidos del año. 

Aquí les van:

Brura:

Yob - Clearing the Path to Ascend. Disco que los catapulta al nivel de Neurosis o Isis. Mezcla original de Doom, Post-Hardcore, y Stoner psicodélico sin igual. Los dignos herederos de la Tribu de Neurot.
Kayo Dot - Coffins On Lo.
Blut Aus Nord - Memoria Vetusta III.
Godflesh - Decline and Fall.
Have A Nice Life - The Unnatural World.

Chiru:

The Bug - Angels and Devils. Nuevo The Bug. Solo eso ya amerita ponerle coco al disco. Kevin Martin propone una mezcla coherente de varios "movimientos" inspirados de sus creaciones pasadas (King Midas Sound), con la visión Dancehall con tintes industriales y comentarios sociales que acostumbra este pionero de la música electrónica británica.
Clap! Clap!  - Tayi Beba.
Chancha Via Circuito - Amansara.
Spoon - They Want My Soul.
Eno & Hyde - High Life.

Dani:

Aphex Twin - Syro. Richard D. James regresa a la raíz de su denso IDM, al límite del breakcore, para demostrar la longevidad del sonido que patentó desde hace más de 20 años.
TV on the Radio - Seeds.
Phantogram - Voices.
Melvins - Let It In.
Royksopp - The Inevitable End.

Diego:

Warpaint - Warpaint. Este album suena como a un sueño mojado slacker rock noventero, mezclado con melancolía y electrónica ambiental pero dinámica, encajando a la perfección.
Aphex Twin - Syro.
Eyehategod - Eyehategod.
Shabazz Palaces - Lese Majesté.
Yob - Clearing the Path to Ascend.


Piolo (top 4... porque así él es):

Nothing - Guilty of Everything. Shoegaze de niños gruesos, con una intensidad que no proviene únicamente del clásico "sonido de muro", sino también de esa manera de agregarle al sonido una batería masiva y unos toques melódicos de tipo Deftones. 
Swans - To Be Kind.
Have A Nice Life - The Unnatural World.
Hans Zimmer - Interstellar.

Discos Recomendados del 2014: Bongripper - "Miserable"

Estos forajidos que suenan salidos de las cloacas de la ciudad de Chicago (de donde son) nos traen en este 2014 su última placa Miserable. Como si de tus audífonos estuviera saliendo un denso y lento engrudo,  Bongripper asalta los oídos con esa guitarra saturada y bien “sludge” que caracteriza bandas metidas en la categoría de “doom metal”.

Con solo tres canciones en un disco que dura una hora, claro está que esto es música que se va desarrollando, pagándole al oyente por su paciencia. Despacito pero seguro, bien “stoner”; comandado por la guitarra grasosa y el bajo hondo.  “Endless” la primera rola camina con riffs gigantescos para de repente calmarse en mitad de canción y luego explotar en un vomito de feedback, siempre con el ritmo inicial como guía turístico.  “Descent” arranca rápido, casi parece un Deep Purple bien punk pero poco a poco va desacelerando, abriendo el sonido de la guitarra y la batería como locomotora que esta parando, llegando a su destino: “pufff, puff…… puffff…….puffff…”. La nube del cannabis disipando la atmósfera.

Y por último aparece “Into Ruin” que ocupa la segunda mitad del disco. Cargada de sentimiento a climax  (típico de la última canción en un disco así); Un llamado a las tropas a iniciar esa marcha hasta el fondo el mar, hasta lo más oscuro. Distorsión que se siente rico mezclando acordes a lo Sabbath que se cuelan por encima del mapa planteado al inicio. Hasta que todo agarra velocidad de repente, algo inesperado. Un final genial. Dignos herederos del sonido de bandas responsables de pintar el paisaje del “doom” como Neurosis, Isis, Electric Wizard, entre otros; Bongripper entrega lo que promete. (Francisco)

Bajen ó escuchen el disco acá: Bongripper - Miserable 

Canción del Día: Recordando a Dimebag Darrell, "Cowboys from Hell" en vivo Moscow 1991

Hoy se cumplen 10 años de la muerte de Dimebag Darrell. Guitarrista mega influyente en el trash y metal conocido por todos como miembro de la banda sureña Pantera (entre otros proyectos que tuvo). Responsable de muchos de los más aplastantes riffs que los géneros de musica pesada han escuchado, Dimebag creó un estilo único con su forma a lo "tren a todo vapor" de tocar y que combinaba tanto metal como hardcore cupiera en dos o tres acordes (sin olvidar su personalidad siempre simpática y su look único como autentico) . En una triste ironía el aniversario de su muerte coincide con el de John Lennon quien murió de la misma forma violenta.

Recordando al imparable guitarrista los dejo con un vídeo en vivo de la celebrada “Cowboys from Hell” tocada en el histórico festival Monsters of Rock de 1991 en Moscow.

También los invito a leer este conmovedor ensayo de Phil Anselmo recordando a su gran amigo y compañero de guerra una década después de que nos dejo:

Rolling Stone: Phil Anselmo Remembers Dimebag Darell

ECHALE WATTS!!!!!

Discos Recomendados del 2014: El-P & Killer Mike - Run Jewels 2

Los raperos El-P (I´ll sleep when you are dead, Cancer 4 cure) y Killer Mike (R.A.P Music) se juntaron hace unos años para hacer una colaboración llamada Run The Jewels. En este 2014 soltaron el segundo LP de este proyecto ganándose elogios de críticos y fanáticos del hip hop por igual.

Disponible para bajarlo gratis en la página oficial (así que no hay excusa), Run The Jewels 2 brinca de los audífonos con el sello de una producción dominante y explosiva que caracteriza el estilo que hemos encontrado en los discos solistas de ambos raperos. Pero poco a poco, dentro de ese “boom boom” la cosa va doblándose hacia ritmos y tonos que van brotando desde debajo de la superficie.

Toma tiempo irle descubriendo esos dulcitos sonicos escondidos pero la paciencia premia. Tal es el caso de “Jeopardy” el primer track que mientras pone a los dos directores al frente con una pared cada vez más creciente de sonido encuentra su cimiento en percusiones y trompetas medio jazz  “debajo de”. “Blockbuster Night Part 1” suena como cuando a tu equipo de bocinas ya solo le sirven los bajos y está en sus últimos latidos. Los dos geniales MC’s se complementan uno con el otro: “I don’t give a fuck If I´m late, tell satan to wait!...” . “Close Your Eyes (and Count To Fuck)” usa la voz de Zack de la Rocha repitiendo una palabra como ritmo base. A manera de juego de ping pong los dos raperos se tiran versos como si con pincelazos fueran armando un gran mural.

Al centro de todo; por supuesto, están los dos MC’s jugando y entrelazando palabras. El-P con su estilo de rapeo acelerado medio triunfal cuaja bien con la voz dominante de Killer Mike. Nunca se siente como que uno es invitado del otro, la sociedad funciona a perfección. Una colaboración y un disco que demuestra porque el hip hop más underground y experimental está ganando cada vez más atención en una industria urgida por renovarse. (Francisco)

Descarga gratis del sitio oficial: http://www.runthejewels.net/

John Lee Hooker - "The Definitive Collection"

En las notas del librito que acompaña este disco hay una frase que dice: “la música contenida aquí  es algo tan moderno como antiguo, el cantautor hace una conexión entre su pasado para crear un estilo único y moderno”

El responsable de tejer dicha conexión es John Lee Hooker, nacido en Clarksdale Mississippi en 1917, Johnny llevo el blues y el rock n roll en la misma maleta a través de una imparable carrera de 53 años hasta su muerte en 2001. Su voz honda y su estilo “fingerpicking” de tocar guitarra lo hace uno de los artistas clave en ambos géneros. The Definitive Collection sirve de punto de partida para conocerlo y apreciarlo. Como cosa rara en este tipo de publicaciones, esta si le hace honor a su nombre de “definitivo” destacando sobre muchas otras que existen. Bien escogida y presentada para ustedes aquí amantes de la buena música. Bajar el disco es esencial si me permiten el abuso de decírselos.

Pero retomando lo de antiguo y moderno me permito explícame. El disco hace una buena selección de lo mejor de cada etapa en la carrera de Hooker.  Empezando con el country blues de la post guerra caracterizado por la guitarra acústica y el sonido del pie sobre el piso como percusión; salen composiciones que lo hicieron el rey del “ritmo”, dígase del “boogie” en el blues: “Hobo Blues” “Leave My Wife Alone” y por supuesto, la mega influyente “Boogie Chillen” en sus dos versiones. Para mediados de los cincuenta y principios de los sesenta la producción se vuelve más elaborada, la música se mezcla con tintes de rock: bajo, batería y pianos acompañan en canciones movidas como “Boom Boom”, “Dimples” y “One Bourbon, One Scotch, One Beer”. Siempre con ese particular “danzon” que la guitarra le pone.

Pero también hay canciones lentas que para mi resultaron la mayor y más agradable sorpresa de este disco. Con voz honda casi en susurro y los acordes suaves de un blues lento, melancólico y hasta oscurón: “It Serves you Right to Suffer”, “The Waterfront”. Íntimas y con la voz como si la tuvieras en tu oído. Esa voz única de este hombre único. El disco termina con colaboraciones que se hicieron entre finales de los setenta y los noventa junto a gente como Canned Heat, Bonnie Raitt y Santana con quien Hooker hace la única canción que se siente fuera de lugar en el disco (tanto por la diferencia de estilos como por lo aburrido de la pieza).

John Lee Hooker hizo del blues un conducto para sacar tanto la alegría como el dolor de una vida llevada con sudor y lagrimas. Una vida que se plasmo en música autentica llena de sabor y pasión. Donde el pasado es una escuela para entender el presente y la celebración en las lecciones del dolor la mejor forma de moldear un futuro. Boogie all night. (Francisco)

Bajen el disco aquí: John Lee Hooker

Cine: "We Jam Econo: The Story of The Minutemen"

Tómense el tiempo de entrarle a este inspirado documental sobre el magnifico trió de San Pedro California, Los Minutemen. Banda punk de los ochenta cuya originalidad los hizo verdaderamente especiales. D. Boon, Mike Watt y George Hurley en su planeta marciano de rolas rápidas mezcladas con funk y hasta jazz cocinadas con letras sentimentales, políticas y humorísticas que formaron discos clásicos como What Makes a Man Start Fires? y Double Nickels on The Dime . Súbanse a la Van. (Francisco)

Aphex Twin - Syro (2014)

La noticia, inesperada, de que este año sería el año del Syro, el nuevo album de Richard D.James bajo su pseudónimo más conocido, trajo consigo una enorme ola de hype que fue planificada de manera milimétrica, gracias a la tremenda campaña de marketing que produjo rumores provenientes del deep web,  zepelines ominosos en el cielo londinense, olas de grafiti, y listening parties con invitaciones limitadas... no era de extrañarse que Aphex Twin, la personalidad más misantrópica y autista del "artista" terminara por hacer un gran escándalo de una producción musical que al final es todo menos lo que esperaban los fanáticos del mismo que soñaban con oir un druqks versión 2.0. Esto olía a gato encerrado desde el principio, y James no nos decepcionó, desde lo más alto de su humor british, nos hizo caer en la trampa.

El hype se quedó corto ante el tono y el "propósito" de lo que presenta AT en esta nueva salva de puro y duro "IDM" sin compromisos. Syro no es un album que pega a la primera... no es el album de los hits ni de los temas explosivos, ni tampoco es el de ese meticuloso ensamblaje que presentó en el disco del 2001, en el que mezcló con maestría un insesante breakcore de "bosque encantado" junto a melodías imparables y compases obliterados. 

Syro es más bien un reflejo de la vasta trayectoria de Aphex Twin; esa trayectoria que desembocó en una identidad múltiple construída a lo largo de 15 años ( de la mitad de los años ochenta hasta el alba del nuevo milenio), cocinando a fuego lento un sonido a base de ensayos de ensayos - de capas sobre capas, de melodías sobre melodías, de cinismo inteligente y de sincero bilis - que empezaron con sus ambient works,  se trastornaron en su época de hacer música "ravera" para niños mutantes del underground, y desembocaron inexplicablemente en esa mezcla de ritmos metálicos e industriales con órganos ahogados, pariendo esa mezcla brillante de tecnología melancólica y drogas farmacéuticas. 

Una vez mencionado todo esto,  me siento en la obligación de afirmar gratamente que la música en este disco suena como a un ensayo ponderado y retrabajado con todo el tiempo del mundo y con una parsimonia productiva que no me esperaba... al fin y al cabo, James mismo felicitaba abiertamente a toda esta nueva ola de músicos de electrónica que viven regularmente en las fiestas de sótanos apestando a humanidades excitadas... "la música hoy en día es alentadora, excitante, "fresca""... Fucking wankers...  

Hablando de la música, Syro es el producto de todos esos años que James estuvo experimentando con sonidos, sin poder terminarlos... del 2001 hasta ahora. En ese sentido, Syro es simplemente una muestra de más de la marca de fábrica de AT, nada más y nada menos. Contiene todo lo que hizo el "charme" de su música en  todas las décadas pasadas, y no hay realmente ninguna sorpresa en lo que uno está oyendo: IDM noventero, en potencia. Pero de cierta manera, la música que presenta en Syro suena como una especie de revisión afinada, idealizada de su catálogo musical en los años noventa y de sus compañeros, condensado en los trece momentos de este album una música que oscila entre la frenesí  breakcore bajo ácidos de Circlont14, de S950tx16wasr10, Papat4, el groove sereno de Minipops 67 o de 180db,  y las melodías insidiosas de Xmas_Evet10, de seguro la canción más gratificante del disco, cuando uno "ya le pone coco". A notar igualmente el fabuloso final de recaída que representa Aisatsana, la verdadera luz al final del estrecho túnel rosado y paranoico en el que reside la imaginación sin descanso de James. Pasando por todos los tiempos, recordando los temas, las harmonías y las fórmulas percusivas que hicieron la fama de Autechre, de Boards of Canada, de Squarepusher, de Future Sounds of London, etc.

En corto, esta es música de culto, con un propósito y un sentido que vale la pena escarbar hasta comprender... es algo a lo que Aphex Twin nos acostumbró desde siempre, y lo reitera de nuevo. No se extrañen que este disco sea la manera de cerrar un brillante capítulo, para enseguida abrir uno nuevo con posibilidades inimaginables... inimaginables solo para el que no viva en la cabeza de este pedazo de artista, claro está. 

Robert Plant and the Sensational Space Shifters, en vivo.

Concierto asombroso de Robert Plant, para disfrutar cuando quieran:

http://www.npr.org/event/music/351494090/robert-plant-and-the-sensational-space-shifters-live-in-concert

Eyehategod (2014)

14 años.

14 años separan a Confederacy of Ruined Lives de Eyehategod, el nuevo album homónimo de una de las bandas más queridas de la escena de Nuevo Orleans y más importantes de la escena de música pesada norte americana, en general. Quién no estuviera enterado de su recorrido actual pensaría que la banda se acabó cuando los diques de la ciudad sucumbieron en el 2005. Pero resulta que, la banda, que cuenta ya con más de 25 años de existencia, es una de esas bandas que no necesita la constancia de la industria, ni la seguridad de ser empleados por disqueras,- ni tampoco la reconstrucción de una ciudad hundida - para reiterar y mejorar su sonido, cuando se les de la gana. No es por casualidad que este disco es descrito por ellos mismos como un renuevo. A bounce back.

Eyehategod son los hijos despreciados de Dios,  bastardos que se refugiaron en el único hogar que los aceptaría: el hogar sabbathiano. Son la decadencia encarnada en refranes de desesperación moderna. Cantan canciones de abuso autoinfligido, de un fracaso multidimensional que va desde la represión sistémica de una sociedad perdida hasta la experiencia individual de vivir en cuartos insalubres, con la única compañía de tu soledad y tus deseos de muerte, o tus drogas. Son los mensajeros del fracaso.

Pero ¡qué fracaso más glorioso! Músicalmente, son los dignos herederos de Black Sabbath y del Blues sureño. Conceptualmente, serían Sabbath si solo el Sabbath se hubiera inspirado más de la decadencia urbana que de cuentos de brujas y de magos para conformar su imaginario. Son la ira del punk-hardcore ochentero.

No es casualidad que Eyehategod inicia con una salva de crust punk, acelerada y rabiosa con Agitation! Propaganda, una canción de urgencia tipo The Exploited, tanto en forma como en estilo. La rabia punk de esta primera canción y el breakdown stoner masivo en el que desemboca es el punto introductorio que da el tono de este album (algo que lo vuelve distinto de los discos antecedentes): el riff sabbathiano, en su máxima gloria, con un gusto y con un groove que da placer escuchar por el juego de tiempos y compases que arman de manera perfectamente natural. Estamos aquí en territorio de grandes. El arte del breakdown más pesado que pesado es reiterado en este caso, retomando toda la esencia de la música de los viejos de Birmingham: la habilidad de hacerte moshear, la habilidad de hacerte mover la cabeza y el cuerpo, Robitussin and Rejection, con cambios de ritmo drásticos, que van desde el swing hard rock Worthless Rescue hasta el martillazo Doom Flags and Cities Bound... Cabe también hacer mención de la presencia vocal que tiene Mike IX Williams, con ese estilo agonizante, agudo y rasposo, que funge como el representante de esa crítica social/personal introspectiva que ha hecho la fama del grupo.

Aún en la derrota del día a día, podes levantar el puño.

Lou Reed & John Cale: Songs For Drella

Imaginado como una biografía musical de la vida de Andy Warhol luego de su muerte en 1987, Lou Reed y John Cale se reunieron para crear este soberbio  tributo al artista y mentor que tanto admiraban. Como miembros de Velvet Undergound dos décadas antes, Reed y Cale habían encontrado eco a sus sonidos disonantes y temática oscura en el entonces influyente pintor que vio en ellos lo que nadie en ese momento apreciaba de los VU: su originalidad.

Acompañado únicamente del sonido de piano y guitarra eléctrica decorado con ritmos simples y tonos melancólicos casi solitarios, Drella recoge instantes íntimos de la vida de Warhol que  van de lo gracioso hasta lo triste. Las letras son recitadas en un tono de voz hablado como es particular en estos dos músicos. Siempre con total honestidad y tratando al personaje principal como el humano que Reed y Cale conocieron  en vez de la “estrella pop” que los medios e inclusive el mismo Warhol crearon. Momentos que brillan están: El niño con “bad eyes, bad skin, gay and fatty” de la simpatiquísima “Small Town” canción que abre el disco; El trabajador incansable de “Work” con el ritmo de ambos instrumentos cabalgando rápido como si el maestro estuviera apurando a sus alumnos; el temeroso, paranoico e inclusive amargado artista de “A Dream” una lectura del diario personal de Andy sentado a un fondo musical sombrío y solitario; entre otras.  El álbum camina sobre un ambiente íntimo de principio a fin; tanto lírica como musicalmente.  

Songs for Drella nos hace sentir como si nos estuvieran invitando al círculo cercano de dos magníficos músicos expresando respeto y admiración por el maestro que ya no está; pero ante todo, cariño sincero por un amigo irreemplazable. (Francisco)

Ministry - "The Land of Rape and Honey"

Al Jourgensen y Paul Barker los genios dementes detrás de Ministry hicieron un cráter bastante grande en el género industrial con el meteoro gigantesco que es  The Land of Rape and Honey.  Jourgensen y Barker dieron un giro hacia los rincones oscuros de la mente y encontró el sonido que lo definió para toda la vida con esté, su cuarto disco editado en 1988. Luego vendrían los sonidos fantásticos The Mind is a Terrible Thing to Taste y Psalm 69, pero esos dos tienen sin duda su gestación aquí. Frenético, frio y pulsante Rape and Honey es la definición de industrial. Simplemente fantástico.

Partiendo de batería programada,  bajos dominantes puestos al frente y voces agresivas el disco va lanzando granada tras granada. Abriendo con “Stigmata” y su ritmo de carro que está tratando de arrancar hasta que cuando finalmente lo hace se queda dando vueltas sin parar sobre el asfalto con Jourgensen  al volante exclamando: “you told me nothing but lies!”. Siguen las martillantes “The Missing” y “Deity” casi marchando una a la par de la otra dándonos el momento más fuerte del disco. Pero no el más oscuro. La noche va cayendo de canción en canción: “Golden Dawn” con su sample de cantos satánicos (o al menos eso parecen)  a ritmo de una percusión incesante. “I Prefer” que recuerda alguna película de terror ochentera, esas escenas cuando el asesino persigue a la víctima y “Flashback” la pelea final donde muere uno o muere el otro.

Por años le puse más atención al resto del catalogo de Ministry (lo cual no digo sea malo) pero regresar a The Land of Rape and Honey me hizo redescubrir todo lo que hace al género del industrial algo tan diferente; esos sonidos que te transportan a un mundo frió, gris y mecánico, esa música que te mete en estados mentales en cuestión de segundos. Brutal y agresivo pero sin el dominio de la guitarra eléctrica como en el metal; aquí dominan los golpes y la distorsión a lo motosierra. Corran a sus casas y métanse debajo de la cama. (Francisco)       

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Por si no lo habías oído, Aphex Twin, el alias más emblemático de Sir Richard FUCKING D.James, sacó una rola de su nuevo disco intitulado SYRO, sexto LP bajo ese alias, y dándole seguimiento al inigualable Druqks (2001), trece años después. El disco sale a la venta el 19 de septiembre vía Warp, y es el producto de esos trece años de espera, ya que varias rolas e ideas que aparecerán en el disco han sido maceradas con tiempo, precisión y talento.

Cerati

“Yo pensé que Soda Stereo era una banda de pop ochentera tipo los Hombres G, no sabía que hacían esto….”,  Alguna vez dije siendo un mocoso de 16 años. El “esto” era el Comfort y música para volar  un concierto unplugged para MTV que el líder de la banda; un tal Gustavo Cerati, decidió boicotear en su concepto 100% acústico metiendo rolas eléctricas. En el espacio íntimo del unplugged las rolas eléctricas produjeron una cosa espacial, tripeada. En el núcleo estaba el líder de la banda sentado con lentes oscuros seduciendo su guitarra eléctrica,  haciendo cosas con el delay que para nosotros era algo más que “alternativo”. Puta, era Soda Stereo.

Con Soda, Cerati unificó dos generaciones de jóvenes liderando al grupo por una casi invisible transición del sonido new wave de sus primeros discos Soda Stereo, Nada Personal y Signos para terminar con los maduros Dynamo y Sueño Stereo usando de puente sus dos mejores álbumes Doble Vida y Canción Animal.  De los ochentas a los noventas dejando una estela de las mejores y  más influyentes  canciones de la historia del rock latinoamericano.

En vivo la banda crecía, cautivaba y generaba momentos históricos. Destacan la legendaria presentación en el festival de Viña del Mar donde salen con el pelo parado, vestimenta tipo “new romantics”; el previamente mencionado unplugged  y el ultimo  bien documentado concierto de la banda en 1997 a lleno total en el Estadio River Plate con un sonido y visuales espectaculares, la banda al 100% en su última vuelta, en su “swan song”.

Yo me perdí con el “Gus” después de su disco solista Bocanada no siendo hasta el Fuerza Natural del 2010 que vuelvo a verlo en tele. Un poco más arrugado y con esa expresión de desanimo y ojos medio sarcásticos; me gustaba ese look del Cerati, era como si te quería decir algo solo a vos, algún secreto pícaro y en cierta forma sus canciones transmitían eso. Un amigo me cuenta ese año que va venir a Guatemala (por fin!) pero todo llega a un freno en Venezuela, dicen que cayó en coma, esta inmóvil.

Aquel famoso “Gracias…totales” de Cerati justo al final del último concierto de Soda se sintió como un abrazo a todos los chicos que siguieron la metamorfosis de la banda en sus 15 años de historia; Cerati quiere despedirse pero pausa después del “Gracias” como que siente que solo esa palabra es muy poco para el momento tan histórico, toma un par de segundos y exclama: “… Totales!”, el estadio entero se derrite con él.  Definitivamente “Total” fue la carrera de Cerati, exploró y logró tocar los rincones de sus más altas ambiciones como músico y cantante dejándonos mucho más de lo que podemos esperar en un artista.  Ahora si el disco es eterno como dice la canción. Nada más queda. Chao Gus!. (Francisco)

Cine Rock 2da Parte: Otras 9 peliculas

 Hace unos años cuando iniciamos este blog escribí un artículo sobre 9 películas dígase “musicales” que pienso valen la pena todo melómano musical debe ver y disfrutar alguna vez en su vida. Con los años fui descubriendo nuevas perlas suficientes como para hacer otra entrada.  Documentales, conciertos, biografías, etc. Échenle un ojo y súbanle volumen a la tele con estas nueve más:

Anvil, The Story of Anvil  (Director: Sacha Gervasi)

Cuanto podes aguantar por perseguir el sueño de ser estrella de rock?. Esa es la pregunta que esta banda canadiense de trash metal de inicios de los ochenta quiere contestarle al mundo. O será contestársela a sí mismos?.  Anvil estaba allí junto a grandes como Metallica y Slayer.  Pero después pasaron 30 años y la fama se esfumo, sus carreras no despegaron a pesar del respeto de sus colegas trasheros. Anvil, The Story of Anvil sigue a Lips y Rob Reiner los miembros fundadores en la lucha por seguir “rockeando” pese lo que pese, trabajando por un salario mínimo, saliendo de gira a Europa buscando nuevos fans y viviendo anécdotas dignas de Spinal Tap pero tristemente reales.  El poder del espíritu ante un sueño que no puede abandonarse. Gran mensaje para quienes quieren hacer de la música algo de por vida.

The Year Punk Broke (Director: Dave Markey)

A inicios de los noventa Sonic Youth decide llevarse de gira a Dinosuar Jr., Babes in Toyland, a los Ramones y a unos tales desconocidos que se llamaban Nirvana. Deciden filmar escenas de los conciertos y entre telones  del entonces creciente movimiento “alternativo” que poco después reventaría a nivel mundial cortesía de MTV y demás. Pero aquí el tsumani no ha venido todavía (estamos en 1991) y la crudeza de lo que estas bandas transmiten resuena como canto angelical (si los ángeles dejaran las arpas generando feedback contra los amplificadores) contra un escenario musical gastado que a gritos pedía un cambio luego de la década del hair metal. No se tapen los oídos, rompan todo y griten hasta sacar sangre. Sean testigos del génesis de lo que tanto les gusto del rock en los noventa. Genial documental.

Stop Making Sense  (Director: Jonathan Demme)

La hemos mencionado antes pero para efectos de nuestro juego de lista vamos a mencionarla nuevamente. La verdad es que se debe mencionar las veces que sea, es una joya. Los Talking Heads en su momento más alto reinventando lo que un concierto debe ser. De poco en poco van entrelazando melodías con imágenes. Me encanta la escena de David Byrne bailando con una lámpara con ese traje gigante. Una forma nueva y diferente de dar un show que se va  moldeando de canción en canción: “Phsyco Killer”, “Take me to The River”, “Slippery People”, “Girlfriend is Better” entre todas. Clase aparte los Talking Heads.  Clase magistral Stop Making Sense. 

Jason Becker: Not Dead Yet  (Director: Jesse Vile)

En los ochenta Jason Becker un adolescente de apenas 15 años se gano el respeto y admiración de guitarristas en el género del speed metal progresivo que lo ponían a la par de Steve Vai y Joe Satriani. La incomparable virtuosidad de Becker lo llevo a grabar discos con Marty Friedman de Megadeth y ganarse la silla como guitarrista de David Lee Roth cuando apenas llegaba a la mayoría de edad. De repente sucede lo impensable. El enérgico e imparable jovencito empieza a desarrollar esclerosis múltiple hasta quedar totalmente inmóvil. Lo que sigue después se los dejo a ustedes para descubrir. No dejen de ver este magnífico film por nada del mundo.

The Song Remains The Same (Directores: Peter Clifton y Joe Massot)

Ya lo sé; es larga, excesiva y autoindulgente. Digna de emperadores romanos. Y qué?, ese es el punto. Con cualquier otra banda esos excesos no caben, con Led Zeppelin esos excesos hasta son necesarios. La potencia que emanaban en vivo la mejor banda de rock pesado que jamás piso la tierra es digna de verse una y otra vez. La química entre los cuatro miembros es nada menos que espectacular. Estos reyes crean magnificas orgías de sonido e improvisación que te pierden en lo que “meterle huevos para tocar” realmente significa.  Merecido; perdón, obligado “stop” para cualquier amante verdadero del rock n roll.  

Walk The Line (Director: James Mangold)

Lo que a distancia parece una película romántica sobre cómo se conocieron y enamoraron Johnny Cash y su esposa June Carter termina siendo una genial postal musical sobre los inicios de la carrera de la leyenda del country con flores y caca incluidos. Joaquin Phoenix (que no se parece físicamente en nada a Cash pero que con su actuación compensa con creces) saca desde sus entrañas al rebelde indomable que compuso locomotoras descarriladas como “Cocaine Blues” y “Folsom Prison Blues” pero que a su vez tenía ese lado introspectivo que guardaba el dolor de una crianza difícil que debía salir y que de no ser por June (Reese Witherspoon dando una clase de maestría en actuación) hubiera terminado estrellado contra un muro.  Las actuaciones son fantásticas, la música aun mejor y la historia no puede ser producto de ficción nunca. Solo puede venir del personaje inigualable que fue “El Hombre de Negro”. 

Something From Nothing :The Art of Rap (Director: Ice T)

Acabo de descubrir este estupendo documental dirigido por Ice T (gracias Luis y Anus Pija) sobre el arte de rapear. Something From Nothing nos lleva de entrevista en entrevista junto a muchos de los mejores MC’s de todos los tiempos para que hablen simple y sencillamente de porque hacen lo que hacen y luego hagan un “freestyle en cámara”. “Esta película no es sobre el éxito, las mujeres o el dinero en el Hip Hop, es sobre el arte de hacer lo que hacemos” nos dice T al inicio. Oír a padres del género como Melle Mel, Grandmaster Caz; innovadores como Q Tip, Eminem, Dr. Dre, Snoop y genios del micrófono como KRS One, Chuck D, Rakim y Nas entre muchos otros contarnos de manera intima sobre su pasión por rapear es verdaderamente un espectáculo digno de los dioses. Ningún amante serio del Hip Hop debe perderse esta película.

Searching For Sugarman (Director: Malik Bendjellul)

De esta ya nos hablo Anus Pija anteriormente. Magnifico documental sobre Sixto Rodriguez, trovador de Detroit que grabo dos discos en los setentas que a nadie le importaron en Estados Unidos. Con un talento que no tiene nada que envidiar a pesos pesados como Dylan ó Neil Young, Rodriguez  pasó a la oscuridad y aparente muerte mientras al otro lado del mundo en Africa del sur su música se convirtió en himnos anti apatheid para la juventud blanca con conciencia social de ese país. De lo más popular y escuchado en la historia sudafricana sin que el cantautor lo supiera. Que paso con Sixto?, quien era y porque desapareció? Ese es el acertijo que el director de este film trata de resolver.     

The Rolling Stones Rock And Roll Circus (Director: Rolling Stones)

Coincidentemente fue mi introducción tanto a los Stones como a las otras bandas que también aparecieron en este bizarro especial televisivo de los 60’s que nunca salio al aire. Usando la base de un espectáculo de circo completo con payasos, trapecistas, etc., Los Stones presentan un show musical con invitados que también hacen lo mejor para salirse del tradicionalismo que hasta en el rock puede darse. Destacan el blues de Taj Mahal, la caótica y divertidísima interpretación de “A Quick One While He’s Away” de The Who (que se rumora fue la razón por la cual Jagger y co. tuvieron engavetado este filme por más de 30 años, se sintieron opacados), John Lennon armando el supergrupo de supergrupos con Dirty Mac junto a Clapton, Keith Richards y Mitch Mitchell. Y por supuesto los príncipes de la noche:  Los Stones con un set simplemente perfecto de “Jumping Jack Flash” hasta lo que para mí es la definitiva versión de “Sympathy For The Devil”.  Ah, y también esta Yoko Ono pegando de gritos pero eso es otro tema. Fantástico el Rock And Roll Circus de los Stones, brillante y demente como nos gusta a ustedes y a mí.  

Bueno, ya tienen opciones para sentarse ahora solo les faltan los poporopos y convencer a la pareja  y/o amigos de que ver Titanic por décima vez es mala idea. Mejor poner el televisor hasta “eleven!” con estos geniales pedazos de cine y música. Hasta el próximo episodio mis queridos. (Francisco)

Canción del Día: Deafheaven - "Vertigo"

Embarren su sábado en la furia sonora de estos chicos que el año pasado se ganaron el amor de críticos por doquier (incluidos los de este blog) por su disco Sunbather. No se compliquen los metaleros por la falta de pelos largos y maquillaje satánico. No lloren los amantes del shoegaze sabroso por las voces que parecen sacadas de alguna banda nórdica quema iglesias y simplemente disfruten como hacemos los "neófitos" en el genero. Oigan y punto. Créanme, les va gustar. (Francisco)

En Vivo: Albert King & Stevie Ray Vaughan - "In Session"

Aaaah el blues. El buen blues. En el ‘83 el prodigioso Stevie Ray Vaughan tuvo la oportunidad de grabar junto a su ídolo Albert King este set de magnificas reinterpretaciones de canciones de ambos así como covers y jams para un especial de televisión titulado “In Sessión”. El resultado fue oro puro.  La química entre maestro y alumno es fenomenal, dos guitarristas legendarios entrelazando riffs y disfrutando la presencia del otro. King con su guitarra “V” pareciera más acariciando el instrumento que tocándolo, una fineza la que tenía este señoron en las manos, y Vaughan tirando fuego pasional con su forma audaz de tocar pero siempre embelleciendo las canciones, nunca compitiendo. Se los dejo para que lo disfruten con ojos, oídos y corazón. Tenga uste’ un buen día. (Francisco)

Mas de Albert King en el Blog: 

Discos Recomendados: "Born Under a Bad Sign"

Rory Gallagher - Live in Europe

Siempre es difícil que la pasión, el sudor, la sangre del blues salga con la misma fuerza que los padres  le inyectaban. Para los estudiantes británicos del genero, el blues significo el sonido autentico y poderoso del músico desgarrándose en su canción. El hombre negro al otro lado del océano que lamentaba y celebraba su realidad adversa. La autentica música con sentimiento.

A Rory Gallagher prodigioso guitarrista irlandés nunca le falto ese sentimiento.  Este magnífico documento de sus  inigualables actuaciones en vivo es prueba. Aleluya hermano!.  La pasión sí que se siente, ese desenfreno  casi sexual.  El rio Mississippi corre por las cuerdas de la guitarra en las canciones acústicas. Atraviesa como locomotora en los ritmos de las canciones eléctricas.

Este disco me agarro de sorpresa, me sacudió y me hipnotizo desde la primera escuchada. Gallagher pone una intensidad en la forma de tocar la guitarra que no tiene nada que envidiar a gente como Page, Beck ó Clapton. Esta a la par de ellos sin duda. Blues rock por acá, folk blues a la mitad y hasta le da tiempo de meter pincelazos de tradicional música irlandesa.  Sin excesos ni pretensiones. Bien balanceado en nueve arrolladoras canciones. Escuchada obligada es Live in Europe  para todo aquel que aun es creyente en el poder salvador del blues y del rock. Amen. (Francisco) 

Bajen el disco aquí: Live in Europe

Canción del Día: De la Tierra - "San Asesino"

Este “supergrupo” de reconocidos músicos latinos de los noventa apareció a finales del año pasado causando más de un par de sorpresas. Formado por Andreas Kisser (Sepultura), Alex (Mana), Flavio (Fabulosos Cadillacs) y  Andres Gimenez (A.N.I.M.A.L) sacaron su primer disco y andan poco a poco haciéndose bulla.

No soy fan de este tipo de proyectos porque creo que la química de banda muchas veces viene de los años que sus integrantes tienen de estar juntos y tratar de hacerlo con gente que está establecida involucra muchas veces empujar los “egos” de unos con otros. Aparte que la historia no ha sido muy relevante con este tipo de matrimonios entre “rockstars” (No, Audioslave y los Traveling Wilburys no son buenos grupos).  Me gustaron debo admitirlo (claro que la curiosidad me trajo a ellos), pero los dejo para que ustedes juzguen por si solos. 

Night Seminar: Slicing Up Eyeballs

Excelente blog recién descubierto, Slicing Up Eyeballs le rinde culto al sonido ochentero, con actualidades sobre bandas de la época, pero sobre todo con archivos de bootlegs video  de bandas clásicas, como los Ramones, Depeche Mode, The Cure, The Smiths, etc, tocados en la época.

Sígalos y deléitese aquí:


Vintage Video

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¿Les gustaría saber porque somos como somos? Que nos hicieron de chiquitos? ¿Nos botaron  y caímos de cabeza? ¿Nos bulearon? ¿Te robaron tus chiquis?

Todo tiene que ver con la reunión del jueves por la noche. Y tiene que ver con las listas de "selección oficial del Club" que tuiteare diligentemente cada semana en @Theinsgt

Salud!

Canción del día: "Fight The Power", una retrospectiva de Do the Right Thing y Public Enemy 25 años después...

Hace 25 años el director de cine Spike Lee le puso de tarea a su grupo favorito de Hip Hop el componerle una canción para su magistral película Do The Right Thing. Lee necesitaba una pieza con fuerza que encapsulara el choque racial e intercultural  de las calles de Brooklyn  pintado en el film como un microcosmos de personajes negros, blancos, italianos, asiáticos y latinos que durante un día muy caluroso van poco a poco perdiendo la paciencia de unos con otros. La canción sonaría desde el gigantesco boombox que uno de los personajes, Radio Raheem, llevaría durante sus apariciones en la película. Si nunca han visto DoThe Right Thing paren ahora de leer y pónganse a verla, me lo van agradecer, es una pieza imperdible del cine de los últimos años.

Public Enemy de la mano de su coronel en mando Chuck D se tomaron muy en serio la petición y el resultado fue ¨Fight The Power¨ un himno audaz y desafiante construido con una lirica poderosa cargada de un mensaje frontal  que tira al suelo la concepción de que el sueño de ¨blancos y negro unidos de las manos en perdón¨  ha sanado las heridas de la esclavitud. Cimentado todo sobre la base de una melodía inolvidable cortesía del ingenio creativo de los hermanos Hank y Keith Shocklee (The Bomb Squad) cuya amalgama de sonidos y beats convergen  y cuajan el mensaje convirtiendo la canción en algo simplemente espectacular.

Radio Raheem

Considerada una de las mejores rolas que compusieron estos grandes maestros (y para alguno críticos inclusive la mejor canción de hip hop de todos los tiempos), ¨Fight The Power¨ elevó a Public Enemy a los estándares de genios y le puso a Do the Right Thing el sello musical que Spike Lee necesitaba para terminar de plasmar su mensaje. El vídeo, filmado en las calles del barrio donde la película se ambientó fue creado como una nueva y distinta marcha por los derechos raciales ahora en 1989, una marcha más al pie de guerra que aquellas marchas pacificas de la década de los sesenta. Un  acompañamiento perfecto para una intocable canción donde vemos al grupo entero marchando e interactuando junto a miles de personas creando una verdadera fiesta callejera en honor a todos los héroes negros que han ¨peleado contra el poder¨. Ver al único e incomparable Flavor Flav liderar las porras ¨Don’t believe the hype!!!¨ cerca del final es algo que si no te causa emoción es porque seguro tus signos vitales ya te fallaron.

Degusten pues la versión completa del vídeo y busquen (o vuelvan a ver) el  clásico filme que cumple 25 años y cuyo mensaje nos deja que pensar cuando poco o nada ha cambiado en pleno 2014. Sea un barrio en Brooklyn o un barrio en cualquier parte del mundo el racismo y el clasismo nos sigue dividiendo.  La única arma que tenemos somos nosotros mismos. Fight the powers that be. (Francisco)

Mas de Public Enemy en el blog:

Discos recomendados: Fear of a Black Planet

Nostalgia argentina: Prietto viaja al cosmos con Mariano

Algo sucedió estos últimos días en mi rutina. El tráfico de costumbre, o la costumbre del tráfico guatemalteco, ese tráfico..., la lluvia, los "aguazeros", el smog, las camionetas, los baches, la chapuzada de este país... todo eso se quedó afuera. Adentro, se oyó un solo disco, durante una semana. Girando y girando en el "player" de mi carro. Ese disco fungió en esencia como un gran porro, o una gran pastilla anestesiante del ruido de la ciudad.

El disco se llama "Le Priet Vaha Chosmos 3-BaCon Maourian!!!". La banda, se define así: "parece rock and roll, la melancolia parece una balada, y asi todo parece algo, pero no, en realidad es prietto viaja al cosmos con mariano que son dos personas tocando lo que les pinta. la locura parece...

Muy adecuada la definición diría, por ese toque circular, familiar, melancólico, bucólico, alejado, que es el sonido que oí esta semana. Musicalmente, la música del Prietto y de Mariano recuerda al sonido indie lo-fi norteamericano que perfeccionaron bandas como los Silver Jews, antes de ellos los Pavement, o porque no esos tales Modest Mouse. La diferencia es que esta música es del 2011, y suena como una reactualización, no como un recalentado, además de provenir del Cono Sur, con un toque de campo y de espacio que solo puede venir de la tierra de la Pampa. Es en el fondo una especie de sonido folk desolado, tocado por un personaje ficticio, introvertido, soñador, a veces enojado, a veces contento con cantar lo que ve, a veces moralista. Y la voz es una de esas buenas voces punk, que se impone por el carisma, no por la fuerza o por el volumen, algo así como lo que hacía Bob Dylan en la época. Menciono finalmente no olvidar de oir el EP del 2007 que sacó este duo, con unos verdaderos himnos para los soñadores, como lo es por ejemplo, la canción "Corrientes". Si no fuera porque esta banda es "no more", diría que son toda una revelación del momento. Pero como todos sabemos, el sonido latinoamericano es una quimera, y la mitología es para ancianos. ¿dudas? ¿Preguntas? ¿Compartámos?
diegopad.insgt@gmail.com

En Vivo: Stray Cats - Festival de Montreux 1981

Vamos a bailar un poco con los Stray Cats y este magnifico concierto del Festival de Montreux en 1981.  Ahora es cuando pueden aprovechar a sacar a bailar a esa chiquilla que tanto les gusta. (Francisco)

Velvet Underground por Andy Warhol, 1967

Esta grabación fue recién descubierta. Se trata de un concierto de los Velvet Underground en el Boston Tea Party de 1967, filmado, editado, etc, por Andy Warhol. sin querer arruinar la sorpresa, verán que lastimosamente el sonido es fatal, y hay pocos close ups de la banda. la idea original de Warhol parece haber sido concentrarse en la gente bailando, experimentando el tríp de juntar drogas con oír al Velvet. interesante documento histórico. 

http://youtu.be/6P7mJslbPPE

En Vivo: Circle Jerks - Live at the House of Blues

Les comparto este concierto de esta banda pieza motora del punk. Keith Morris siempre parece que desayuna speed. Tal vez todos necesitemos alguito de lo que come no creen?. (Francisco)

Feliz 5 Años LE CLUB

Este espacio cumple 5 años este mes. Así que "japi verde" Le Club. Gracias a ustedes por leer nuestras reseñas mal redactadas (siéntanse mal los que solo se meten a bajar el disco), todo para prestar el tan importante servicio a la comunidad de brindar buena música a sus vidas. Al menos música que nos entusiasma a nosotros y que nos entusiasma compartir con ustedes.  La buena música es para compartirla, se acuerdan esa sensación que les dio oír el primer disco que les encanto y pensar: "esto lo tiene que oír (insertar nombre de amigo, pareja, pariente, enemigo, vecino, etc.), quiero que sienta lo que esta música me hizo sentir a mi"

Aunque muchos de nuestros redactores  se les desinflo la pasión por escribir (maricas!), aquí seguimos los últimos y seguiremos como nuestro amigo Lemmy (quien envió esta fina tarjeta Hallmark que ven arriba en felicitación, gracias Lemmy) sacando el dedo y disfrutándola, escribiendo sobre música para que lo lean quienes vengan a este su club y quieran seguir viniendo (inviten a un amigo, no sean garras).   

El rock n roll siga con ustedes niños y niñas. 

Dead Kennedys - "Give me convinience OR give me death"

Con el frenesí de sus marchantes acordes llevándonos a un mundo de policías borrachos que salen por la noche buscando presas que golpear y arrestar por cualquier tontera, te sale la primera rola “Police Truck”. El inicio ideal a esta genial compilación de rarezas, sencillos no editados en discos y versiones alternas de las mejores rolas de estos loquillos. Un disco tan esencial como el primero de los Kennedys, Fresh fruit for rotting vegetables.

Give me convinience or give me death es parada obligatoria para fans de la banda. Fans del punk en general de hecho.  La mayoría de lo mejor está aquí; aparte de la previamente mencionada “Police Truck” (que es una de las mejores rolas de la banda francamente) están “Too Drunk to Fuck”, “Man with the Dogs”, “Straight A´s”, versiones diferentes de las clásicas “Holiday in Cambodia” y “California Uber Allies” y simpáticos ensayos políticos y sociales como “Night of the living rednecks” y “Kinky sex makes the world go round”. También está el estupendo cover de “I Fought The Law” reinterpretado por Biafra con el asesinato de Harvey Milk como inspiración.

Uno valora el mensaje de una banda como los Dead Kennedys con el paso de los años. Necesitas esa dosis de sarcasmo y humor negro para digerir los niveles de maldad y estupidez a los que podemos llegar viviendo en sociedad. Parece increíble como una banda burlándose de los excesos y la payasada política de la década de los ochenta encaja perfectamente hoy. Que dice eso de nosotros es algo que les queda a ustedes para pensarlo. Mientras tanto pónganle música a su reflexión.  (Francisco)

Pueden bajar el disco en el link de los comments.

Action Bronson - "Blue Chips"

Arian Asllani mejor conocido como Action Bronson causo revuelo en el mundo del Hip Hop independiente al sacar este fantástico mixtape titulado Blue Chips en 2012. Cargado de samples inventivos y letras desafiantes. Frases para ese campo de batalla plagado de raperos superficiales donde la creatividad lirica y el juego inventivo de palabras es tu espada si querés quedarte más allá del hit de la semana:

 “…Acupuncture with the smoke like I'm Mason Storm. Legs crossed like a Buddhist, smokin' Buddha. Angry tuna, chillin', gettin' brain from Uma….” - Tan Leather

Siempre he pensado que tejer un buen rap puede ser mucho más difícil que componer una canción con cuatro instrumentos.  Me encanta oír como Bronsolino  pega puñetazos con sus liricas queriendo saltar al vacío. Tomando riesgos, sin miedo a fallar. Lo bueno es que no falla, pega con todo, te sacude, hasta cuando te cuenta de su primer amor:

“… so many unfamiliar faces that have come and gone, you're a constant, fucked you in the school closet. We were young then, experimental periods, laid a towel cause I fucked you on your period…” -  Thug Love Story 2012

Todo sobre samples cortesía de su colaborador Party Supplies que sirven de cimiento y destacan por si solos. El sonido único de violines en “Pouches of Tuna”. El acapela de algún grupo cincuentero en “Thug Love Story 2012”. No se supone que necesitamos bajo o percusión? Que importa, nuestro muchachon no los necesita. Versos cocinados frescos para tu deleite (Bronson también es chef por cierto). 

Es realmente refrescante oír hip hop como este, original y ambicioso. Tan bueno que me sentiría mal en no compartirlo con ustedes.  Sin restricciones, desatado. El arte del MC. Hip Hop bien empacadito, calidad de exportación.  

 Pueden bajar el disco en el link de los comments, hasta la próxima! . (Francisco)

Canción del Día: Mastodon "High Road"

Once More 'Round the Sun se llama el nuevo disco de los geniales metaleros de Atlanta. Empecemos el mes de mayo con pie derecho. Aquí les va el primer sencillo del disco titulado "High Road". (Francisco) 

Albert King - Born Under a Bad Sign

Para cuando Albert King grabo Born Under a Bad Sign en 1967, ya se había hecho nombre dentro del blues con su estilo de guitarra pulsante y su forma de cantar relajado. Sin embargo, no había escrito una canción o un set de canciones que le dieran esa firma permanente para quedarse hasta el tope de la lista de los artistas del género.

Entonces King firmo con Stax Records y todo cambió. Sin la intención inicial de grabar un disco completo,  se puso a componer y tocar canciones pensadas como sencillos junto a los Booker T & the MG’s, la banda de casa en la disquera. Le salió una tras otra tan buena que todo termino dando a luz a un disco entero. Born Under a Bad Sign es un blues de guitarra, King estira y encoje cada nota de forma que se siente el júbilo, el llanto y la pasión. Aunque nunca fue un cantante con voz inolvidable su estilo vocal sienta perfecto y hasta acentúa el sentimiento en los dedos.  Ambos elementos cazan perfectamente, produciendo un blues inolvidable. Oiganlo en “The Hunter” donde pareciera como si cantara obedeciendo los pasos del ritmo de forma pulsante y paciente a la vez.  “Oh Pretty Woman” una de sus canciones sello (sin que sea confundida con la clásica  de Roy Orbison), usa en cambio la voz de primero. Ataca con su sensualidad y abre paso para que las notas contesten de una forma como solo este gran maestro lo hace.

Born Under a Bad Sign es un disco magnifico e imperdible para cualquier amante serio del blues. (Francisco)

Pueden bajar el disco en el link que les deje en los comments. 

Cine: Punk Attitude

Hace unos años Don Letts, DJ de origen jamaiquino que estuvo junto a las primeras bandas del movimiento británico del punk (The Dammed, Sex Pistols, etc…) decidió darse a la tarea de hacer un documental sobre la historia del punk (valiente debo admitir). Hacer un documental sobre todo un genero es bastante osado y seguramente no llegara a cubrirlo todo, hay bandas clave que se le escapan (los Misfits por ejemplo). Pero se aplaude la intención.

Punk Attitude sirve como una excelente introducción más a los artistas aquí mencionados que al género completo en sí, pero si se queda corto no es por mucho.  Y lo mejor es que lo narran personajes insignia bastante, si me dan permiso decirlo,  cool (ahí si , ahí si….). Henry Rollins, Jello Biafra, Tommy Ramone, el director de cine Jim Jarmusch (yo les dije que eran cool), el periodista del genero Legs Mcneil (muy chistoso como siempre) , Martin Rev de Suicide, los miembros sobrevivientes de los New York Dolls, entre otros.

Los invito a que pasen la siguiente hora y media aprendiendo un poco de historia de la que seguro no les enseñaron sus maestros pero que su espíritu de rebeldía necesita conocer. Pa' que no sean rebeldes sin sentido de historia digamos. (Francisco)

Canción del Día: Nirvana "Radio Friendly Unit Shifter"

A propósito del tema. Y siguiendo con la discusión del post anterior. Más que grunge creo yo y en mi humilde opinión. Degusten. Se vale moshear sin importar si están en la casa, oficina o colegio.  (Francisco)


 

1994

Veinte años después, 1994 suena como una fecha icónica, en la historia de la música pop. No es que otros años precedentes no  hayan tenido sus momentos, porque buena música siempre surgirá. Pero 1994 suena como un parteaguas por ser principalmente el fin del grunge y el inicio de un pop que deja de lado progresivamente a sus influencias rock para concentrarse en el RnB. Aunque estos no son los únicos elementos emblemáticos.

Woodstock 94 (del 12 al 14 de agosto), además de hacer referencia al mayor encuentro de música rebelde que fungió como el comienzo de todo lo que nos gusta, en 1969, resurge entonces con un aspecto drásticamente distinto, incluyendo esa variedad de géneros y subgéneros de música pop que van desde el pop-rock (Cranberries, Collective Soul, Peter Gabriel...) el country  y el blues, pero también música electrónica (Aphex Twin, que no tocó finalmente, Orbital, DJ Spooky...), y música más pesada o poco convencional, de la cual Nine Inch Nails, Red Hot Chili Peppers y Primus son seguramente las bandas que se robaron el show.



Al imagen de estas tres bandas, me gustaría creer que el futuro de la música pop en esa época era visto como una amalgama de estilos, de sentimientos y de historias contadas que no se basaban en un principio hippie, sino que en un sentimiento extraño, desconcertante y salvaje, a la imagen de un mundo sin rumbo. Pero ese futuro no se materializó, la música mainstream de la segunda mitad de los noventas es el mejor ejemplo de la esterilidad comercial a la que se dirige la industria, mientras que las bandas más peligrosas se ven co-optadas por el "big business", excepto por algunas figuras claves...

Si hay otros temas que tienen que aparecer en una retrospectiva sobre los noventas, y sobre 1994, hay que mencionar obligatoriamente dos, aunque mencionaremos otros: La muerte de Kurt Cobain en abril y la subida de intensidad que propicia Pantera con el disco "Far Beyond Driven" en marzo.

Kurt Cobain fue el grunge. No se puede ver de otra manera. Ninguna de las otras bandas claves del movimiento musical se asemejan al estilo que impuso Cobain. Ni Pearl Jam, ni Alice in Chains, ni Soundgarden. De hecho, es la manera cómo Cobain integró en las composiciones de Nirvana la variedad de estilos underground de los ochentas (Inspirándose claramente de los Melvins, de los Pixies, de Dinosaur Jr, entre otros) para hacerlos suyos, agregándoles ese sentimiento fatalista que hicieron de él esencialmente un martir de un show business vacío. Cobain se suicidó el 5 de abril de 1994, fiel a su personalidad artística, indisociable de lo que era como persona. Pero sobre todo, Cobain fue un genio musical que incluyó en su música la esencia de muchos estilos (rock, punk, blues) para hacer canciones sinceras y directas.
El otro gran genio de esa época, me parece ser Trent Reznor. Un especie de Yang al Ying de la volatilidad indomable del espíritu grunge, solo que Reznor adoptó otro estilo, y logró salvarse años después al publicar la obra catártica y fundamental que fue  The Fragile (1999).

En 1996, Philip Anselmo confesó hacer The Great Southern Trendkill, el octavo disco de Pantera, pensando en el deplorable estado de la música de sus tiempos. Por lo tanto, incluyó canciones que tenían más que ver con metal extremo que con un estilo de metal testosterónico y huevudo. Pero antes de este album, Pantera, produjo Far Beyond Driven, y si la música de ese disco es Metal en su forma paradigmática, y sobreproducida,  las líricas y la actitud de la banda siempre en ese disco son un reflejo de ira, de oscuridad sin igual y de poder. Pantera mantuvieron a sí solos el sentido del metal del 92 al 96, por lo menos a nivel de público en general, en una época en la que Metallica ya había topado creativamente, y que se venía encima la salva de pop-punk y el despreciable RnB de la época. A los lectores anglófonos, los remito a:
http://thequietus.com/articles/14805-pantera-far-beyond-driven-review
A los demás, los remito a:



Cabe mencionar igualmente que en 1994, dos albumes esenciales del metal mainstream como el primer disco de Korn (octubre) y  el Burn My Eyes de Machine Head (agosto) son publicados.  Ambos dan inicio a lo que será más adelante el neo-metal y el metalcore.

Otra listita de momentos emblemáticos más y los dejo en paz:

Jeff Buckley publica Grace el 23 de agosto. Blur publica Parklife el 25 de abril. la compañía Warner Bros compra el 49% de las acciones de Sub Pop en diciembre. Weezer publica el Blue Album. Luis Miguel publica "Segundo Romance", que se vuelve la mejor venta de música latinoamericana de los noventas.